강영만 감독의 영화노트

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강영만 감독의 영화 노트

2003년 12월 6일

1. 풀 메탈 자켓(Full Metal Jacket, 1987. US)

감독: 스탠리 큐브릭(Stanley Kubrick)

배우의 고집이 만들어낸 명장면

전쟁영화는 제작비도 그렇지만 테마를 정확하게 잡아내는 일이 쉽지 않다. 여기 얼마전에 타계한 명 감독 스탠리 큐브릭의 명작 전쟁영화 한편을 소개한다.
나는 영화 평론가도 아니고 현장에서 열심히 영화 촬영만 하는 현직 감독이기 때문에 영화 평론가들이 하는 리뷰와는 다른 방향으로 접근하고 싶다. 영화 수필이나 영화 수첩같은 컨셉말이다.
사실 '풀 메탈 재킷'에 더욱 애착을 갖게 된 것은 헐리웃에서 필자가 배우 팀 콜체리(Tim Colceri)와 절친한 친구가 되면서 였다. 팀은 바로 이 영화에 출연한 배우로 도어 거너(Doorgunner)배역을 했다. 팀과 술자리를 같이 할 때면 그 친구는 늘 그 영화 촬영당시 상황을 예기해 주었다. 스탠리 큐브릭 감독은 고소 공포증으로 비행기를 절대 타지 않는 사람이란다. 그래서 베트남 세트를 영국에 모두 만들어 촬영해야 했다.
또 캐스팅 과정에서 무척 애를 먹었는데 팀의 예를 들더라도 처음에 팀이 비디오 오디션을 보고 영화 앞부분 훈련소 상사(Drill Instructor) 배역 Gunnery Sergeant Hartman을 맡았다. 그러나 영화사 제작자들의 입김에 의해 배역이 리어미(R. Lee Ermey)로 갈리고 팀은 충격에 빠졌다. 실의에 빠진 팀은 소송을 걸겠다고 감독한테 편지를 보냈다. 결국 팀은 상사역 대신에 도어거너역을 맡아 영화에 출연하기 위해 영국으로 갔다. 거장 감독과의 첫 만남, 첫날밤 팀은 감독집에 직접 초대받았다. 첫 인상이 정말 으시시했다고 한다. 감독은 팀의 탈렌트를 믿었다.
그래서 도오 거너가 머신 건을 쏘면서 계속 떠들어 내는 대화는 모두 팀의 아이디어에서 나왔다. 그날 저녁 감독은 팀이 연기하는 데로 그대로 받아 타이핑을 하고 그 스크립대로 그대로 영화를 찍었다는 일화로 기록되고 있다.

2003년 12월 13일

2. 난(Ran)

감독: 아키라 구로자와

투자유치 기다리다 지쳐 그린 수작

산타 모니카 램리 극장 로비에 커다랗게 난(Ran) 영화 포스터가 붙어있다. 그곳은 예술 전용관으로 외국영화들을 많이 상영하기 때문에 동양 영화의 대표작 중의 하나인 이 영화 포스터가 붙어있는 것은 낯설지 않다.
동양인 감독의 거장인 구로자와 감독은 미국의 기라성 같은 스티븐 스필버그, 조지 루카스, 프란시스 포드 코플라 감독들에게 비주얼면으로 많은 영향을 미쳤다. '라쇼문', '7의 사무라이', '드림' 등의 명작들이 바로 그렇다.
그중 특히 '난' 이란 영화에 애착을 갖는 이유는 이 영화의 스토리보드 일러스트가 담긴 책을 보았기 때문이었다.
9년전 필자가 미국으로 유학 오기전에 충무로 영화판에서 잠시 스토리 보드 아티스트로 일한 적이 있는데, 김호선(작품: 겨울여자, 서울 무지개 등) 감독이 '애니깽'을 준비할 때였다.
난 홍대 미대를 막 졸업하고 유학전에 충무로의 경험을 쌓고 싶어서 연출부에서 '애니깽' 스토리보드를 그리는 작업을 했다. 그때 김호선 감독이 샘플로 보여준 책이 바로 이 책이었다. 그 책은 구로자와 감독이 직접 그린 그림들이었다. 유화로 그린 강한 붓 터치와 강렬한 색감, 아직까지 그 장면들이 생생하게 기억난다. 그 작업은 '난' 영화 투자의 지연으로 기다림에 지쳐 그 기간에 그려진 그림들이었다. 필자도 투자 문제 때문에 영화가 지연될 때가 제일 고통스럽다. 그러니 그러한 기분을 누구보다도 잘 이해한다.
기다림에 지친 스트레스를 이 그림들을 통해 풀지 않았을까. 꿈틀거리는 율동감을 보면 알 수 있다. 물론 이런 작업은 영화 전반 작업중의 하나지만 이건 촬영을 위한 것이기 보다 그 자체로 예술이었다. 그리고 각고끝에 '난'이 완성 되었다.
영화자체만 보는 것도 좋지만 이러한 배경에 깔린 것들을 볼 때도 상당히 흥미롭다.
필자는 '애기깽' 멕시코 현지로케 촬영에 동참하지 않고 뉴욕으로 영화연출을 공부하러 떠났다. 그때가 1994년 여름이었다.

2003년 12월 20일

3. 터미네이터 3 (Terminator 3)

감독: 조나단 마스토우

할리우드 일자리를 만들어준 슈워제네거

2003년은 아널드의 전성시대인가 보다. 12년 동안 잠적해 있던 '터미네이터 3'가 마침내 제작, 완성되고, 아널드는 주지사가 되었다. 그것도 같은 해에 이루어진 것이다. 그에게 운이 따랐다.
요즘 들어서 블록바스터 영화들이 대부분 캐나다와 호주, 유럽에서 촬영한 반면에 이 영화만은 의리를 지키며 다우니, 다운타운 로스 엔젤레스, 샌버난도 밸리. 베버리 힐스 등 모두 인근 로스엔젤레스에서 촬영하였다. 그렇지 않아도 LA에는 헐리우드 영화계에 종사하는 사람들이 많다. 그들은 큰 영화들이 해외 밖에서 제작하는 바람에 일자리를 많이 잃자 파업을 해오고 있다. 그러나 돈을 아끼려는 스튜디오는 아랑곳 하지 않고 지금도 그런 방식으로 영화를 제작하고 있다.
그런 상황에서 아널드에게 운이 좋게도 '터미네이터 3' 그 많은 영화인력들에게 일자리를 주었다.
특수 분장팀만 해도 150명이 넘었으며, 6개의 다운타운 스튜디오에 세트 제작에 가담한 인원만도 350명이 되었다. 그 영화제작에 딸린 식구들, 케이더링 하는 인력들까지 계산한다면 엄청난 숫자가 된다.
팔은 안으로 굽는다고 그들의 숫자가 주지사 선거에 아무래도 영향을 미쳤을 것이라고 생각한다.
첫 번째는 1984년, 두 번째 편은 1991년. 세 번째를 제작하는데 12년이 걸리는데는 영화판 내면에 보이지 않는 판권에 관계된 알력 때문이다.
터미네이터 프랜차이즈 영화가 아널드가 주지사가 되는 시기를 맞추어 영화제작자들이 기다렸다고 보지 않는다. 아무리 유명한 제작자들이라도 영화가 완성되려면 운도 많이 따라야한다. '메모리 오브 게이샤' 같은 경우만 해도 처음에 스티븐 스필버그가 감독하기로 되어 있다가 계속 연기되는 바람에 아직까지 제작에 들어가지 않고 있을 정도다.
촬영을 끝내 놓고도 투자들끼리 서로 소송에 걸려 미완성이 되는 영화를 주위에서 종종 본다. 아무튼 영화는 처음 기획에서부터 극장에 상영할 때까지 우여곡절이 있다.
일반대중들은 '터미네이터 2'를 좋아하지만 영화 매니아들은 '터미네이터 1'을 좋아하는 경향이 있다.
나도 사실 '터미네이터 1'을 더 좋아한다. '터미네이터 1'은 다음호에 언급하기로 한다.

2003년 12월 27일

4. 터미네이터 1 (Terminator 1)

감독: 제임스 카메론

'빌런' 캐릭터로 일약 스타덤에 오른 슈워제네거

매니아들의 컬트영화로 자리 매김한 '터미네이터'의 창조자는 제임스 카메론 감독이다. 그당시 제작비가 6밀리언밖에 안 들었기 때문에 500배 이상의 이익을 남길 수 있었다. '터미네이터 2'도 큰 성공을 거두었으나 첫 번째 만큼은 이익을 남기지 못했다. 규모가 커지면서 제작자들, 배우들의 개런티가 커졌기 때문이었다. 게다가 '터미네이터' 프랜차이즈 판권의 문제로 '터미네이터 3'가 완성되는데 12년 동안이나 걸렸다.
3편 프로듀서의 제작 노트에 보면 1편과 2편을 감독한 제임스 카메론은 감독제의를 거절하였다고 썼는데, 오리지날 창조자인 제임스 카메론 감독은 그 빼앗긴 판권 문제 때문에 몹시 화가 나 있었다. 또한 현명한 제임스 카메론 감독은 일, 이편보다 수준이 떨어지는 영화가 나올 것을 미리 예상했는지도 모른다.
오늘에 아널드가 있는 것도 다 제임스 카메론 감독의 '터미네이터 1'의 빌런(Villain) 캐릭터 창조 덕분이라고 해도 과언이 아니다. 그 캐릭터가 얼마나 강했던지 내가 처음 보았을때의 충격은 아직까지 생생하다. 이 영화는 또한 내 인생을 바꾸어 놓기도 했다. 1984년 겨울 단성사에서 이 영화를 봤다. 건너편 피카디리 에서는 알파치노의 '스카페이스' 상영할 때다. 당시 난 고등학교 졸업 후 홍대 미대입시에 응시하고 불합격의 충격으로 방황할 때였다.
그러나 '터미네이터'를 보고 나서 그때부터 열심히 재수하여 홍대 미대에 합격했다. 대학에 들어가서도 군대에 가기전 2년 동안 아널드 영향으로 보디빌딩 써클에 들어가서 열심히 운동만 했다. 지금 난 말랐기 때문에 이 말을 하면 아무도 날 밎지 않는다. 88년 미스터 홍익을 했는데도 말이다.
그리고 나서 84년부터 올해까지 20년의 세월이 흘렀다. 그 인연은 계속 이어져 얼마 전에 '터미네이터 1' 제작자 존 데일리까지 만났다. 내년 나의 프로젝트 프로듀서로 일할지는 아직 미정이지만 훌륭한 제작자들을 알아간다는 것이 고무 적이었다.
아널드가 주지가가 되는 바람에 과거에 찍어 논 영화들이 잘 팔린다고 한다. 그 대표적 영화로 아놀드가 보디빌더로 활동할 때 찍은 영화 '펌핑 아이언'이다. 그 영화에는 TV 씨리즈 '헐크' 주인공 루 페리그노도 우정 출연한다. 그들은 바디빌딩 대회에서 항상 라이벌이었으나 아널드에게 번번히 패했다.

2004년 1월 3일

5. 시민 케인(Citizen Kane)

감독: 오손 웰즈

오손 웰즈와 VS 윌리엄 랜더프 허스트

지난 크리스마스때 샌프란시스코를 다녀오다가 허스트 성(Hearst Castle)를 관광했다. 바로 전에 그 성이 위치해 있는 캠브리아 지역에 강진이 있었다. 함께 갔던 시나리오 작가친구 애론은 지진 때문에 가길 꺼려했으나 난 기필코 그곳을 방문하고 싶었다. 그 이유는 영화 역사상 베스트 10 중의 하나로 꼽히는 '시민 케인'의 원래 이야기 장본인인 윌리엄 랜더프 허스트(William Randolph Hearst)의 성을 꼭 보고 싶었기 때문이었다. 101 하이웨이에서 46번 지진으로 갈라진 도로를 서행하며 아름다운 태평양이 눈에 들어왔다. 1번 해안도로를 타고 북쪽으로 20분 운전해서 허스트 성에 도착했다. 지진으로 전세계에서 구입해온 조각상들이 몇 개 바닥에 떨어져 깨져 있었다.
윌리엄 랜더프 허스트는 20여개가 넘는 신문사들와 잡지사들 운영으로 엄청난 부를 축적한 사나이다. 그는 2개의 영화스튜디오도 운영했으며 이곳 언덕에 그의 부의 상징인 성을 지은 후 할리우드의 유명인사들을 성으로 초대해 성대한 파티를 했다.
45분짜리 허스트의 인생 다큐멘타리를 아이맥스 극장에서 관람했다. 혹시 '시민 케인'에 대해서도 언급하려는지 궁금했었다. 그러나 그의 인생에 오점이 드러나는 것을 보여줄 리가 없었다. '시민케인'은 그에게 프라파겐다 영화였다. 오손 웰스(Orson Welles)는 최연소 감독으로 RKO 스튜디에 전대미문 스카웃 역사를 남겼다. 그 영화가 완성됐을 때 허스트는 76세였고 감독 각본 출연을 한 오손 웰스는 단지 24세. 당시 허스트는 그 영화를 RKO 스튜디오로 부터 80만불에 사서 불에 태우려고 했다. 전국의 신문 미디아를 장악한 허스트는 '시민케인' 영화 광고를 단 한단도 허락하지 않았다. 결국 뉴욕의 한 극장에서 시사회를 갖고 아카데미 오스타상 9부문에 노미네이션 되었으나 허스트의 반대 로비활동으로 시나리오 상 하나밖에 받지 못했다. 그리고 오손 웰즈를 커뮤니스트라고 허위 기사를 쓰기 시작해 오손 웰즈의 창창한 앞길을 막았다. '시민케인'에 얽힌 두 사나이의 싸움은 유명한 일화로 알려져 왔다. 그들에 관한 'RKO 281' 영화까지 만들어졌다.
허스트가 88세에 사망한 후에서야 드디어 '시민 케인'은 광명을 찾기 시작했다. 필름 역사의 최고 영화로 남기 시작한 것이다. 허스트가 그 영화를 사서 태웠더라면 오늘날의 '시민 케인'과 오손 웰즈는 없었을 것이다.

2004년 1월 10일

6. 식스 센스( The Sixth Sense)

감독: M. 나이트 샤말란

공포와 인간 영혼의 적절한 터치

며칠 전에 시나리오 작가 릭 필립(필자의 다음 영화 '국경을 넘어서(Beyond The Border)' 공동 각본) 집에서 타이랜드의 팽 브라더스 감독의 2003년 영화 '디 아이(The Eye)'를 보다가 문득 몇년 전에 본 영화 한편이 뇌리를 스쳤다. 바로 아카데미 6개부분에 노미네이트된 영화 '식스 센스'였다.
'디 아이'는 홍콩에 사는 한 젊은 맹인 여인이 죽어가는 미스터리 환자로부터 눈이식 수술을 받으면서 이야기는 시작된다. 그 여인은 시력을 회복했으나 불행하게도 그 눈으로 보통사람이 볼 수 없는 유령을 보기 시작한다. 즉 이승에 한이 많아서 황천에 떠도는 영혼들이다.
그 내용을 보는 순간 팽 브라더스는 '식스 센스'에서 컨셉을 따온 것이 명백했다. '식스 센스'에서 콜(할리조엘 오스먼트 분) 역시 태어날때 부터 죽은자의 유령을 보는 능력을 가졌다. 그러나 그의 비밀을 아무도 이해할 수 없다. 가정 불화의 영향에 의한 정신질환인 줄 알고 아동상담 전문가인 말콤박사(브루스 윌리스 분)의 접근, 애정 어린 치료로 콜의 마음을 열고 문제를 해결하고자 노력한다. 그러나 콜의 문제가 해결될 즈음 말콤박사는 그 자신에게 엄습해온 충격적인 사실에 부딪히며 훌륭한 반전으로 영화가 끝난다. "어떤 죽은 사람들은 때로 자기자신이 죽은 줄도 모른다"는 콜의 대사가 인상적이었다. 바로 말콤 박사를 일컫는 것이었기 때문이었다.
이 영화를 연출한 인도계 미국인 M. 나이트 샤말란 감독은 최근에 영화 '사인(Sign)'으로 또 한번의 흥행을 이루며 할리우드에서 자리를 굳히고 있으며 '뉴스위크지'에서 제 2의 스필버그라고 칭송 받고 있다.
'디 아이'가 '식스 센스' 스토리에 나카타 히데오 감독의 오리지날 일본작, 할리우드 리메이크 영화'링'에서 공포적인 요소를 빌려와 시각적으로 접근했다면 '식스 센스'는 오리지널로 공포보다는 인간의 저변에 깔려있는 감정에서부터 영혼까지 잘 터치해나간 수작이다.
인터넷 영화 데이터 베이스(imdb.com)에서 8.2 평점에 탑 250 영화 중 82번째로 등급이 올라와 있다. 어떠한 작품도 오리지널보다 능가하기는 힘든가보다.

2004년 1월 17일

7. 링(The Ring)

감독: 고어 버빈스키

할리우드의 '조작극'

'링'은 여러 면에서 흥미 있는 스토리를 가지고 있다. 공포영화의 새 장르를 열었고, 코 프로덕션(공동제작)을 야기 시켰으며, 할리우드에서 동양영화의 리메크 붐을 만들어낸 작품이었다.
2년전 드림웍스에 일하는 친구 브래들리를 만나 점심을 먹다가 일본영화 '링'의 리메이크 판권을 드림웍스가 1 백만달러에 사기로 좀전에 계약을 맺었다는 얘기를 듣고, 그 당시는 무슨 말인지 잘 몰랐다. 그 리메이크 권을 중계해준 이는 한국계 '로이 리'였다. 그 후로 그는 계속 한국영화들을 가져와 리메이크권을 스튜디오에 팔았다. 그후로 미국판 '링'이 제작이 들어간다는 소식을 듣고 어떻게 나올 지 무척 기대가 됐었다.
왜냐면 필자는 일본판, 한국판을 다 보았기 때문에 미국 판까지 다 볼 때 문화적 차이점 등을 비교하는 것이 무척 흥미롭기 때문이다. 특히 동서양의 트랜지션에 관심이 많기 때문이다.
'링'의 오리지널은 1998년 일본 나카타 히데오 감독이 만든 '링구(Ringu)'이다. 일본에서 흥행에 힘입어 그당시 한국에 해적판이 많이 돌았다. 그리고 1999년 한국과 일본 합작이 이루어졌다. 한국의 김동빈 감독과 일본의 마우리시오 도아토나 감독이 공동 감독했는데 오리지널에 비해 느낌이 많이 뒤떨어짐을 느꼈다. 그리고 일본에서도 '링 2' 와 '링 3' 씨리즈가 나왔는데 모두 오리지널을 따라가지 못했다. 그러한 상황에서 미국판을 본다는 것은 흥미있는 일이었다.
미국판이 나오는 덕분에 스튜디오의 마케팅 전략으로 오리지날 '링'은 미국에서 찬밥 신세를 져야했다. 미국판 '링'은 흥행에 성공했고 많은 미국 관객들이 공포를 느꼈다. 그러나 대부분 오리지널 '링'에 대해서 보지도 들어보지도 못한 관객들이 많았다.
만약 그들이 오리지널을 본다면 미국판 '링'을 시시하게 볼 것이다. 할리우드의 시스템이 다 이런 것이다. 제도에 포장한대로 흐름은 흘러가는 것이다. 그러나 일부 관객은 그걸 알아차리고 오리지널을 인터넷이나 소텔 일본 타운, 리틀 툐교 등에서 구해서 보기 시작했다. 할리우드에도 완벽한 조작극이란 존재할 수가 없는 것이다.

2004년 1월 24일

8. 매스터 앤 커맨더(Master and Commander: The Far Side of the World)

감독: 피터 위어

이순신 장군과 닐슨제독

이 영화는 위어 감독(죽인 시인의 사회, 투루만 쇼)의 작품으로 '캐러비언의 해적' 과는 달리 스케일에 치중하기 보다는 원작 소설가 패트릭 오브라이언의 특기인 캐랙터의 성격, 대화, 그리고 소품들 그 당시 역사적인 상황 디테일에 치중한 흔적이 보였다.
러셀 크로가 연기하는 잭 오브리 선장은 소설속의 가상인물이지만 그 당시 트라팔가 해전의 영웅 함장 넬슨 제독을 연상시킨다. 영구적인 적대관계가 예수와 적 그리스도라면 역사적인 적대관계는 넬슨 제독과 나폴레옹이다.
1805년 트라팔카 해전, 나폴레옹이 이끄는 프랑스와 에스파니아 연합함대 33척중 25척이 닐슨 제독이 이끄는 영국함대 27척에게 대격파 되었다. 명랑해전때 12척으로 일본함대 133척을 격파한 이순신 장군과 비슷한 부분이 있다. 닐슨제독의 함대들도 역시 단 한대도 격파를 안 당했다는 점과 닐슨 제독 또한 전쟁 중 빅토리아호에서 전사했다는 점이다.
영화 속에서 프랑스 함대의 기습공격으로 소년 병사가 오른팔을 잃자 오브리 함장은 닐슨 제독의 생애가 담긴 책을 보여주며 닐슨 제독도 오른팔이 하나 없었던 영웅이었다고 그를 위로하는 장면이 나온다. 필자는 그 사실이 궁금하여 리서치한 결과 그것이 사실이었고 왼손으로 사인한 닐슨 제독의 친필까지 보았다.
해양소설의 대가 오브라이언은 이 소설과 '황량한 섬(Desolation Island)'에서 알바트로스(Albatross)새를 상징으로 등장시킨다. '고대 사공의 노래(Rime of the Ancient Mariner 1798)'에서 보면 알바트로스를 죽이면 불행을 가져온다고 한다. 이 새는 사공이 죽으면 영혼을 안전하게 실어 나르는 행운의 상징이기 때문이다.
이 영화에서 한 장교가 이 새를 잡으려고 총을 발사했는데 오발로 오브리 함장의 친구인 군의관의 배를 관통한다.
이 영화를 보고 나서 아쉬웠던 점은 할리우드는 닐슨 제독을 상징으로 오브리 함장 캐랙터로 내세워 프랑스 함대 한 척을 물리치는 장면을 과대 포장하여 1억 3천만 달러나 퍼부어서 영화를 만들었다는 사실이다.

2004년 1월 31일

9. 타이타닉(Titanic)

감독: 제임스 카메론

기네스북에 오른 최고 제작비

'타이타닉'은 최고 제작비가 들어간 영화로 기네스북에 올라와 있다. 제작비가 2억 달러. '터미네이터 3'은 1억 7천 5백만 달러로 2003년 최대 프로덕션 제작비로 기록됐다.
화폐가치로 따진다면 '클레오 파트라(1963년작)' 또 다른 기록을 가지고 있다. 그 당시 4천 4백만 달러였다. 지금 화폐가치로는 3억 달러가 넘는 수치다.
그에 반해 최소 제작비가 들어간 장편영화들도 있다. 필자의 2000년 데뷔작 '큐피드의 실수(Cupid's Mistake)'가 980달러로 장편영화 제작비 사상 최소 금액으로 기네스북에 올랐다.
또 하나는 캐나다의 감독이 만든 장편영화 '다이 어라이브'가 500달러로 완성되어 몬트리올 영화제서 상영되었으나 극장개봉은 못했다. 그러나 '큐피드의 실수'는 LA와 뉴욕 두 개의 극장에서 상영했다.
그 외에 저 예산으로 성공한 영화들을 보면 로버트 로드리게즈(원스 어폰어 타임 인 멕시코 감독)의 '엘 마리아치'가 7천달러, 케빈 스미스(체이싱 에이미 감독)의 '클럭'이 2만 7천달러. 지금은 배우로 많이 활약하는 에드위드 번즈(라이언 일병 구하기)의 '브라더 맥밀런'이 2만달러에 완성되어 센세이션을 일으키며 세명 모두 헐리우드 메이저로 스카웃됐다.
원래 '타이타닉'은 200밀리언 달러보다 적게 예산을 잡았으나 최고의 영화를 원하는 제임스 카메론 감독의 고집으로 촬영날짜가 늘고 세트의 규모가 커지면서 예산이 불어났다.
제임스 카메론 감독의 고집은 이 영화뿐만이 아니고 다른 영화들도 예산이 항상 초과하게 만들었다. '터미네이터 1' 같은 경우도 예산이 초과하자 마지막 장면의 촬영은 로케이션 허가도 받지 않고 찍었다. 경찰한테 발각되자 학생작품이라고 둘러대어 위기를 모면했던 일화도 있다.
거장 제임스 카메론도 무허가로 영화를 찍었다는 사실에 필자의 초기 작품을 찍을 때가 생각났다. 두번째 영화 '퍼스트 테스트먼트(1st Testament:CIA Vengeance)는 허가 없이 찍다가 경찰한테 한번 걸렸다. 첩보영화이기 때문에 실제 권총과 공포탄을 가지고 있어서 경찰한테 풀려나는데 애를 먹었던 기억이 난다. 그래도 완성이 되었기 때문에 2월 15일 미국전역에 DVD로 출시된다. 이처럼 로케이션 허락 없이 찍는 영화를 '게릴라(Guerilla) 필름 메이킹' 이라고 한다.

2004년 2월 7일

10. 프리다(Frida)

감독: 줄리 태이머

예술가의 고집

이 영화는 꿈과 현실의 패러독스적인 결합을 표현한 멕시코 여류 화가 프리다 칼로(Frida Kahlo)의 예술적인 열정과 인생, 그리고 그녀의 남편 멕시칸 벽화 선구자이자 화가 디에고 리베라(Diego Rivera)와의 사랑을 그린 작품이다. 당시에는 남편 리베라의 그늘에 가려있었지만 1954년에 사망한 프리다는 현재 멕시코 최고의 역대 화가 중 한명으로 추앙 받고 있다.
리베라가 바람둥이 남편임에도 불구하고 그들은 조건 없는 사랑을 했으며 이혼 후 다시 결혼해 죽을 때까지 사랑한 예술가 커플이었다.
멕시칸 문화를 사실적으로 영상에 담기 위해 100% 멕시코 현지 로케 촬영, 현지 멕시코 스태프를 고용했다. 멕시코 특유의 칼러, 프로덕션 디자인과 음악이 인상적이다.
이 영화의 한 장면을 통해 예술가의 고집에 대해서 얘기하고 싶다. 리베라가 뉴욕에 초청 받아 락카펠라 벽화를 그리는 장면이 있다. 몇달 전에 'The 20th Century'이란 책을 보다가 인상에 남았던 똑같은 벽화였다. 이 영화와 이렇게 연결이 될 줄이야, 필자는 이럴 때가 제일 기쁘다. 그 벽화는 뉴욕 자본주의 상징인 락카펠라 센터(Rockefeller Center) 빌딩 벽화(크기 63' x 17')에, 공산주의 상징인 레닌 초상화가 중앙에 그려져 있다. 당연히 화가 난 당시 건물 감독 넬슨 락카펠라는 리베라에게 전면 수정을 요구했다.
프리다는 남편과 함께 예술적, 성적, 그리고 정치적 성향이 강했다. 그녀 남편 리베라는 특히 멕시코 공산주의 선봉자였다.
1933년 5월 뉴욕 타임지에 넬슨 락카펠라와 리베라가 논쟁을 한 편지내용이 실렸다. 작가 리베라의 고집으로 타협을 하지 않고 결국 넬슨은 그 벽을 철거하게 된다. 그러나 리베라는 멕시코 시티에 복재본 벽화를 그렸다. 약간의 멕시코 문화와 역사를 넣고, 넬슨 락카펠라의 아버지 존 락카펠라의 냉혹한 초상화를 삽입했다.
미국의 반항 감독 래리 클락(키즈 감독)의 최근영화 '켄팍(Ken Park)'은 섹스장면과 성기의 과다노출로 미국에 배급이 금지됐다. 그러나 배급에 상관없이, 절대 그 장면들을 짤라낼 수 없다는 감독의 고집이 있다. 이러한 상황을 방지하기 위해 스튜디오 영화사들은 감독들에게 편집실에 아예 들어가지 못하게 하는 경우도 있다. 감독의 버전으로 편집된 영화를 '디렉터의 컷'이라고 한다.

2004년 2월 14일

집으로(The Way Home)

감독: 이 정향

'집으로' 영화는 필자에게 인연이 있는 영화였다. '쉬리', '인정사정 볼 것 없다(Nowhere to Hide)' 이후에 한국영화로 미국 극장에 개봉된 영화는 몇편이 안된다. 취화선' '고양이를 부탁해' '집으로'가 고작이다.
'취화선'과 '고양이를 부탁해'는 규모가 작은 인디 배급업사가 맡는 바람에 상영기간이 짧았다.
헐리우드 제작자들은 얼마나 약은지 이제 더이상 한국 영화들을 직접사서 극장개봉을 하지 않을 계획인것 같다. 왜냐면 알려지지 않은 동양배우에 광고비도 많이 들고, 또한 미국 관객들이 익숙하지 않은 서브 타이틀 때문에 흥행에 무척 모험을 걸어야 하기 때문이다.
이제는 한국 영화의 리메이크 판권만 싸게 사서 자기 배우들을 써서 자기들 스타일대로 영화를 만든다.
물론 몇몇 인디 비디오 배급업자들이 DVD를 만들어 인터넷을 통하여 아시안 영화 매니아를 상대로 판매는 하고 있으나, 많은 관객들이 보기에는 역부족이다.
더욱더 한국 문화정서를 영화를 통해 미국에 보여주기가 힘들게 된 셈이다. 요즘에 한국영화들이 미국에 리메이크 판권이 많이 팔린다고 좋아들 하지만 결코 장점만은 아닌 듯하다.
그런 와중에도 '집으로'가 파라마운트 영화사에 배급되어 지난 2002년 11월에 베버리 힐스 램리 뮤직 홀 극장에서 상영하게 되었다. 무척 자랑스러운 일이었다. 게다가 '집으로' 상영 직후에 필자의 영화 '비누 아가씨(Soap Girl)'가 개봉 되었기 때문에 더 더욱 기뻤다.
많은 한인교포와 미국 관객들이 '집으로' 영화를 보고 감동의 눈물을 흘렸다. 영화의 힘이 얼마나 대단한가.
필자의 영화 상영이 그 다음 달 12월 6일 페어팩스 램리 극장에서 상영이었기 때문에 극장측과 상의하여 '집으로' 영화 상영하기 전에 '소웁 걸' 프리뷰(트레일러)를 틀어 주었다. 그 덕에 '집으로' 관객들의 반응을 직접 볼 수 있었다. 그래서 '집으로'는 필자와 인연이 있었다.
'집으로'의 감동의 물결은 한국, 동남아, 미국은 물론 남미까지 내려갔다. 좋은 영화는 인종을 초월하고 누구에게나 감동을 주는가 보다.
만약 헐리웃 제작자들이 '집으로'를 리메이크 판권만 사서 미국 배우로 써서 미국 영화로 만들었다면 어땠을까 상상해 본다.

2004년 2월 14일

11. 반지의 제왕: 왕의 귀환(The Return of The King)

감독: 피터 잭슨

흥행이 부른 갑론을박

영화역사상 가장 큰 갬블, 뉴라인 시네마는 잠비 영화랑 드라마 한편 'Heavenly Creatures'만을 감독한 피터 잭슨에게 3억 달러에 3부작 '반지의 제왕' 계약서에 사인한 것을 시작으로 흥행에 성공하기까지 영화역사상 또 하나의 신화를 창조했다.
프랜차이즈 영화들은 갈수록 인기가 하강('매트릭스'가 대표적인 예)하는 것에 비해 이 영화는 반대였다. 인기 리뷰사이트인 Aint-it-cool-news는 초창기부터 이 영화는 스타워즈를 능가할 것이라고 예언했다. 그 예언이 적중한 것이다.
영국의 작가 톨킨(John R. Tolkien)의 '반지의 제왕'에 사람들의 관심을 끄는 이유는 '반지'의 근원적인 매력에 있다. 로마법에 약혼에 쓰인 반지는 구체적인 물증이었고, 기독교에서는 '삼위일체'의 상징이다. '니벨룽겐의 반지'는 게르만 민족의 대이동의 배경이 된 서사시이고, 고대병사들은 '무용'의 표시로 반지를 끼었다. 고대 이집트에서는 인장으로 썼으며 유럽에서는 그리스 신화에 부적이나 왕권의 상징으로 자주 등장한다.
책과 영화가 돌풍을 일으키는 만큼 신화와 종교에 관한 논쟁, 이론과 억측들도 자자하다.
카톨릭과 기독교에서는 종교적으로 해석해 선과 악의 치열한 결투, 자기 희생을 통한 구원 등은 절대적 진리에 따른 깊은 신앙심을 보여주고 있다는 것. '반지의 제왕에서 만난 하나님(Finding God in LOTR)' 책에서 보면 톨킨은 '나의 판타시는 신앙에서 출발했다'라고 했다.
어떤 영화평론 사이트(남부지역의 무신론자, 백인 우월주의자들)는 종교를 풍자했다.
이 영화의 시나리오 작가이자 제작자인 프랜 월쉬(피터 잭슨의 두 아이들의 어머니)는 모든 스토리는 카톨릭에서 따 왔으며, 종국에는 이 영화는 모두 신앙과 영계 된다고 했다.
그에 반하여 마법사 갠달프역의 이안 멕킬런은 이 작품은 문화적인 신화일 뿐 종교적인 우화는 아니라고 했다. 물론 그는 무신론자이자 게이이다.
이외에도 이 작품에 대한 논쟁은 수를 헤아릴 수 없다. 흥행을 타면 말도 많은 법이다.
피타 잭슨 감독에게 이 모든 것이 '섭리, 신의 뜻' 이냐고 물으면 감독은 '예스'라고 할 것이다.

2004년 2월 21일

12. 시카고(Chicago)

감독: 롭 마샬

오스카와 칸 사이

'시카고(2002년)'와 뮤지컬 영화의 역사를 보면 1927년에 무성영화로 만들어 진 '시카고'부터 시작된다. 1927년은 무성영화의 작별을 알리는 해였다. 최초의 뮤지컬 영화는 1927년에 완성된 '재즈 싱어'로 첫 번째 유성영화(the first talkie)의 시작이라고 볼 수 있다. 또 스테이지 뮤지컬의 대부인 밥 파세(Bob Fosse)가 태어난 해이기도 하다.
1942년에는 '시카고' 제목 대신 실화를 바탕으로 한 여주인공 이름을 따서 진저 로저스 주연의 '락시 하트(Roxie Hart)'가 만들어졌다.
1950년대에는 TV의 보급으로 뮤지컬 영화에 큰 타격을 입었다. 그 와중에도 율부리너의 '왕과 나', '남태평양', '오클라호마', '피터 팬', '파리의 아메리칸', '사랑은 비를 타고', '밴드 웨이건', '7인의 신부' 등은 뮤지컬 영화의 명맥을 이어갔다.
1975년 안무가이자 감독인 밥 파세가 브로드웨이에서 '시카고'를 초연하여 폭발적 롱런을 했다. 2000년대에 접어들면서 덴마크 출신 라스폰 트리에 감독의 작품 '어둠속의 댄서'와 호주감독 바즈 루허만의 '물랑루즈', 이어 2002년에 드디어 '시카고'가 완성됐다.
그런데 '시카고'를 보면서 자꾸 '어둠속의 댄서'가 뇌리에 떠오르는 이유는 뭘까?
여자의 인생과 살인, 감옥에서의 뮤지컬, 교수형 당하는 장면 등은 두 영화의 유사한 소재들이었으나 필자는 다른 각도에서 두 영화를 서로 비교를 해 보았다.
'시카고'는 2003년 오스카를 휩쓴 아주 화려한 할리우드 상업영화이고 '어둠속의 댄서'는 칸 영화제의 그랑프리 수상작으로 소위 예술영화로 간주된다. 여기서 상업과 예술의 비교가 재밌다.
'시카고'는 상업영화답게 초호화 캐스팅, 미녀들의 가무, 화려한 조명과 무대장치로 화면을 장악하는 한편 '어둠속의 댄서'는 여주인공을 갓 이민 온 맹인으로 비참하게 설정을 한데다가 디지털 카메라로 찍어 영상까지 거칠어 더욱 더 어두운 분위기를 자아낸다. 전자는 해피앤딩 이고 후자는 비극으로 끝난다.
또한 오스카와 칸의 비교는 미국과 프랑스의 문화차이로도 볼 수 있다. 문화적인 적대관계 말이다.
뮤지컬 하면 인도 영화들을 빼놓을 수가 없다. 즉 발리우드는 거대한 뮤지컬 영화의 산지이기 때문이다. 다음호에 발리우드의 영화들에 대해 얘기하고자 한다.

2004년 2월 28일

13. 문순웨딩(Moonsoon Wedding)

감독: 미라 나이아

발리우드의 할리우드 침공

필자는 인도를 두번 방문했다. 첫번째는 2002년 하이드라베드에 있는 '라모지' 영화 스튜디오에 초청 받아서 갔다. 라모지는 유니버설 스튜디오보다 규모가 훨씬 큰 영화 종합메카이다. 두 번째는 2003년 첸나이에 '트윈 프린스'3D 극장용 애니메이션 트레일러 제작 건으로 갔었다.
Bollywood 라는 말은 봄베이(Bombay)라는 첫글자 B에서 유래됐다. 봄베이는 최고의 영화제작 도시이며 첸나이는 영화 후반작업과 컴퓨터 그래픽이 강하다.
발리우드는 사실상 할리우드보다 영화제작편수가 더 많다. 라모지에는 세트 제작인원이 7천명이나 되어 하루밤 사이에 마을을 새로 건설한다고 한다.
인도 뮤지컬 영화들은 주로 3시간 동안 상영되며 중간에 팝콘을 먹는 쉬는 시간이 있다. 영화전반에 6-8개의 노래들이 있다. 하지만, 뮤지컬 영화들만 제작한 이유로 동시녹음이 약하다.
몇만개의 힌두신을 숭배하기 때문에 힌두(힌디) 영화들이 제일 많으며 50개 나라에 수출망이 확보돼 있다.
대표적 영화로는 2002년 오스카에 노미네이션된 라간(Lagan)이 있지만 오히려 인도 독립영화들이 미국시장에서 성공한 경우가 많다.
미라 나이아 감독의 '문순 웨딩'이 흥행에 성공했을 뿐 만 아니라 평론도 92점(rottentomatoes.com)을 받았으며 발리우드식 스타일과 인디안 음악을 선사한다.
인도 최고의 촬영감독이었던 산토시 시반의 감독 데뷔작 '테러리스트'는 필자가 배급 영화사 페드라 시네마에서 미국 극장 배급을 도왔던 영화였다. 6만불에 제작된 영화로 뉴욕타임지에 대서특필되어 흥행에 성공한 영화다. 산토시는 그후로 역사대작 '아소카'를 만들었다.
할리우드는 다른 나라의 스타일을 빌려왔다. 이탈리안의 '스파게티 웨스턴'이라든가 홍콩의 갱 스릴러 액션 말이다. 다음은 발리우드 스타일이 침략할 때가 아닌가 쉽다.
바즈 루하만 감독의 '물랑루즈'에서 벌써 발리우드식의 감각과 스타일이 보이기 시작했기 때문이다.

2004년 3월 6일

14. 나의 그리스식 웨딩(My Big Fat Greek Wedding)

감독: 조엘 즈윅

영화와 결혼

이 영화를 보고 나니 배가 불렀다. 그리스의 결혼식은 풍요하고 요란하였다. 그리스의 문화를 전혀 몰랐던 관객들도 이 영화를 보고 나면 자연적으로 '아하, 저게 바로 그리스 생활풍습 이구나' 하고 고개를 끄덕일 것이다.
맘에 안 드는 사위와 결혼을 반대하는 건 어느 나라나 똑 같은 것 같다. 그 점은 한국영화 '가문의 영광'과 비슷하다.
'블레어 위치 프로젝트' 이후 독립영화의 대 승리를 가져온 이 영화. 처음에는 108개 극장에서 시작하여 흥행에 힘입어 2016개까지 확대상영 최장기간 상영하였다. 제작 예산 5백만 달러를 들여 230,876,712 달러 수입을 벌어 들였다.
결혼에 관한 영화들이 많이 있다. 제일먼저 떠오르는 영화로는 필자가 좋아하는 호주 노처녀의 결혼에 대한 환타지와 우정을 그린 '뮤리얼의 웨딩(1994)', 지난 호에 언급한 인디안 결혼식 '문순 웨딩(2002),' 대만 1세와 2세의 갈등과 게이 소재로 잔잔한 감동의 앙리 감독의 '웨딩 뱅퀻(1993)', 등 예술 영화들이 있다.
할리웃 영화들로는 휴 그랜트의 '네 번의 결혼식과 한 번의 장례식(1994)', 스티브 마틴의 '신부의 아버지(1991)', 아메리칸 파이 씨리즈로 총각파티를 그린 '아메리칸 웨딩(2003)', 줄리아 로버츠의 '마이 베스트 프랜드의 웨딩(1997)', 아담 샌들러의 '웨딩 싱어(1998)', 제니퍼 로페즈의 '웨딩 플래너(2001)' 등이 있다.
영주권을 얻기 위한 위장 결혼에 대한 소재로는 미국여자와 프랑스 남자간의 해프닝을 그린 '그린카드(1990)' 와 뉴질랜드 오크랜드 여자와 중국남자간의 계약결혼 이야기인 '브록큰 잉글리쉬(1996)', 빌 플림톤의 애니메이션 '난 이상한 사람이랑 결혼했다(1997)' 까지 다양한 소재와 결혼 문화를 수많은 영화들을 통하여 볼 수 있다.
위에 열거한 영화들을 볼 때 각 나라, 인종, 지역에 따라 결혼 문화는 각각 다 다르다. 그러나 인간의 감정과 사랑은 똑 같다. 결혼하기 전에 신랑과 신부의 설레이는 마음은 똑같을 것이다.

2004년 3월 13일

15. 킬빌 vol 1.

감독: 퀸틴 타렌티노

피로 영상을 그리는 감독

영화학교 문턱에 들어간 적도 없이 비디오 가게에서 일하며 온갖 장르의 영화, 특히
언더그라운드 70년대 쿵푸 액션 영화를 보며 감독을 꿈꾸어 왔던 퀸틴 타렌티노는 어느새 세계적인 감독이 되어 있었다.
킬빌은 그의 6번째 장편영화로 스토리보다는 캐랙터와 영상에 치중하였고 언더그라운드 70년대 쿵푸액션, 서지오 리오니(Sergio Leone)의 스파게티 웨스턴, 화면분리, 슬로모션, 애니메이션 시퀀스, 그의 트레이드 마크인 울트라 힙 뮤지컬 액션을 종합 가미하였다.
타렌티노의 특기인 피로 영상을 페인팅하는 장면들을 즐겨 쓰는 것은 여전하다. 전 영화 '저수지의 개들'에서 피흘리는 장면을 시간별로 보여주기 위해 피를 바께스로 부어가면서 촬영했다. '펄프픽션'에서 오발로 쏜 총알이 머리를 관통하여 차 뒷유리에 퍼져 피범벅이 되는 장면은 충격적이었다.
킬빌 Vol 1. 에서는 붉은 피를 일본 야쿠자들과 싸우는 장면에서는 흑백으로 영상을 처리해 피를 내 뿜는 색깔이 흰색으로 보여 물이 뿜어 나오는 것 같이 보인다.
피를 즐겨쓰는 감독은 타렌티노 이외에도 이탈리안 감독 다리오 알젠토(Dario Argento)가 유명하다. 그의 'Unsane(1982)'에서 여자 팔이 짤리자 피가 호수처럼 뿜어나와 흰 벽에 페인팅 하는 것처럼 보이는 장면이 있다. 다리오 알젠토는 서지오 리오니 감독의 '원스 아폰 어 타임 인 더 웨스트(1969)'의 시나리오 작가이기도 하다. 그는 20편 이상 공포영화를 만든 공포영화의 대부이다.
컬트 영화의 대부 '홀리 마운틴(The Holy Mountain(1973)'의 감독 알렉산드로 죠드르스키(Alejandro Jodorowsky)도 영화에 피를 많이 쓴다. '샌타 샌그래(Santa Sangre, 1990)'에서 성소의 풀장을 아예 핏물로 가득 채워 촬영한 장면도 있다.
타렌티노는 목이 잘리는 장면 역시 즐겨쓴다. 구로자와 감독의 영화들 이외에 워너 허작(Werner Herzog)감독의 '신의 분노(Aguirre, the Wrath of God(1973)'에서 탈형병이 숫자를 세다가 목이 잘리자 잘린 순간에도 숫자를 세는 명장면이 있다.

2004년 3월 20일

16. 예수의 수난(The Passion of the Christ, 2004)

감독: 멜 깁슨

예수와 유대인

논쟁이 극도에 달했던 '예수의 수난'을 가디나 극장에서 관람했다. 가디나 극장은 필자의 영화 '소웁 걸'을 램리 극장에 이어 상영했던 유일하게 한인이 운영하는 메이저 극장이다.
800석이 되는 관람석이 거의 매진되어 있었다. 예수가 고문을 받는 순간에 관객들의 탄식소리가 들렸다. 예수가 부활하는 장면에서 대부분 기립 박수를 쳤다.
그동안 예수의 생애에 대한 종교 영화들이 많이 제작됐다. 그러나 대부분 예수의 33년 생애 긴 여정을 신약성경에 의거하여 서술하는 방식으로 영화를 만들었기 때문에 별로 차이점들이 없었다. 그래서 감독들이 영화에 자기 색깔을 넣기가 쉽지가 않았다. 그러한 금기를 깬 것이 마틴 스콜세지 감독의 '예수의 마지막 유혹(Last Temptation of the Christ, 1988)'이다. 이 영화에선 예수를 평범한 인간의 관점으로 그려 예수도 인간의 아들이기 때문에 죽기 전 바로 유혹을 받을 수도 있다는 설정이다. 비쥬얼적인 측면으로 표현된 예수와 막달리아 마리아 사이에 스캔들, 예수를 신성모독과 자기혐오로 포장되었다고 그당시 보수파 카톨릭과 기독교인들의 보이코트로 영화가 극장 개봉하는데 어려움을 겪었다.
지금 멜 깁슨의 '예수의 수난'은 누가 비방하는가. '예수의 수난'은 예수의 마지막 12시간을 묘사했기 때문에 예수의 육체적 수난은 물론, 예수를 심판대에 올려놨던 유대인 종교 우두머리들이 예수를 사형시키고자하는 부분이 상세하게 나와있다. 유대인들 때문에 예수가 십자가를 졌다는 면이 강조 된 것이다. 그 때문에 현재 유대인들이 이 영화에 반기를 들고 나오는 것이다. 그렇다면 유대인 학살에 관한 영화도 문제가 되어야 한다.
그러나 할리웃은 유대인 학살에 관한 영화를 만들면 상을 받는다. 유대인들이 오스카를 점령하고 있기 때문이다. '쉰들러의 리스트'와 '피아니스트'가 그렇다.
그전에 만들어졌던 예수에 관한 영화들은 이런 장면을 극소화하여 표현했다. 주로 영화 제작자인 유대인들이 그런 장면을 굳이 강조하여 자기들의 이미지를 실추시킬 이유가 없기 때문이다. 그러나 멜 깁슨 감독은 그런 금기를 과감히 깨고 깁슨 감독판 성서를 만들어 그 도화선에 불을 붙였다. 그렇기 때문에 할리웃을 이끄는 유대인들에게 표적의 대상이 되고 있다.
이 영화에서 예수의 손바닥에 못을 박는 것은 멜 깁슨 감독의 손이다. 깁슨은 자기의 죄를 속죄양으로 본인이 직접 손 연기를 했다고 한다.

2004년 3월 27일

17. 라스트 사무라이(The Last Samurai)

감독: 에드워드 즈윅

사무라이들의 할리우드 공격

2003년은 할리우드의 일본 증후군을 정면에 드러낸다. 할리우드에서 몇 편의 한국영화들이 리메이크 판권 판매에 그치는 동안에 일본영화들은 사무라이와 일본문화를 내세워 할리웃을 점령하기 시작했다.
'라스트 사무라이'는 2004년 오스카 조연상 후보에 일본 배우 켄 와타나베, 그리고 미술 감독상, 의상상이 노미네이트 되었다. 일본 요지 야마다 감독의 '트와이라잍 사무라이(Twilight Samurai, 2003)'는 역시 2004년 오스카 외국어 영화상에 노미네이트 되었다.
그 외에 사무라이에 관한 영화로는 퀸틴 타렌티노 감독의 '킬빌 1(Kill Bill Vol 1,2003)'이 사무라이의 액션을 빌려와 동서양의 퓨전과 오마쥬 형식으로 흥행에 센세이션을 일으켰으며, 일본 기타노 다케시 감독의 맹인 사무라이 영화 '자토이치(Zatoichi, 2003)'가 있다.
일본문화에 관한 영화로는 2004년 오스카에 감독상 후보, 각본상을 탄 소피아 코폴라 감독의 '사랑도 통역이 되나요?(Lost in Translation, 2003)'는 미국인들이 일본 여행 중 벌어지는 사건을 잔잔하게 다뤘다. 또 하나는 호주 여감독 수 브룩스의 '일본인 이야기(Japanese Story, 2003)로 호주에 사는 여 지질학자가 호주로 여행 온 일본 비즈니스맨을 인도하면서 벌어지는 이야기다.
'라스트 사무라이'의 에드워드 감독은 17살부터 아키라 구로자와 감독의 '7인의 사무라이(Seven Samuria)'를 보고 일본문화에 눈을 떳다고 한다. 이같이 미국인들이 일본에 대해 관심을 갖는 것은 이러한 것들이다. 사무라이, 닌자, 총을 이기는 검, 할복자살, 가미카제, 스모, 기모노, 게이샤, 스시 그리고 아니메 까지.
'라스트 사무라이' 가 한국과 일본에 상영할 때 독도의 영토권 문제로 양국간이 뜨거워 졌을 때 한국과 일본의 네티즌들이 한편의 미국 영화를 놓고 사이버상에서 논쟁까지 벌였다.
'라스트 사무라이'를 보고 할리우드의 영웅주의를 또 한번 본다. 케빈 코스트너 감독의 '늑대와 함께 춤을(Dances with Wolves, 1990)'에서 미국인이 인디언 그룹에 동화되는 거나, 데이비드 린 감독의 '아라비아 로렌스(Lawrence of Arabia, 1962)'에서 영국인이 아랍인들에게 들어가 그들 안에서 우상화가 되는 내용은 여전히 비슷하다.

2004년 4월 3일

18. 몬스터(Monster, 2004)

감독: 패티 젠킨스

영화와 매춘부

2004년 '몬스터'로 셜리즈 샬론(Charlize Theron)이 아카데미 여우주연상을 거머쥐자 필자는 그녀의 연기가 보고싶어 램리 썬셋 5 극장에 갔다. '몬스터'는 플로리다 주에서 남자고객들을 7명 연쇄 살인한 창녀 에이린 우노스(Aileen Wuornos)의 실화를 바탕으로 아주 비극적으로 다뤘다. '이탈리안 잡(The Italian Job,2003)에서 아름답게 보였던 셜리즈가 몸무게를 30파운드까지 늘이면서 추한 몰골로 깊은 연기에 도전했다. 로버트 드니로가 50 파운드 체중을 늘이면서 뚱보로 변신하여 열연한 '성난 황소(Raging Bull, 1980)'가 연상되었다. 체중조절 역시 액팅의 한 부분이기 때문에 그 자체로도 그들은 훌륭한 배우다.
체중을 늘이고 뺀다는 것이 얼마나 고통스러운지 필자는 잘안다. 필자가 대학교 1-2학년때 보디빌딩에 빠져 있을 때 육체미 시합준비로 30파운드 체중조절을 한 적이 있었기 때문이다.
'몬스터'를 보고 나서 매춘에 대해 생각해 본다. 인류역사와 함께 매춘이 시작되었다면 영화역사가 시작되면서 역시 매춘에 관한 소재를 다루었다.
카뜨린드 드느브가 출연한 프랑스 영화 '벨라 드 쥬어(Belle De Jour, 1967)', 죠디 포스터가 뉴욕 창녀역을 맡은 마틴 스콜세지 감독의 '택시 드라이버(Taxi Driver, 1976)', 배드 타이밍(Bad Timing, 1980)의 테레사 러셀 주연의 로스 엔젤레스 창녀를 그린 켄 러셀 감독의 '창녀(Whore, 1991)' 러시안 창녀들을 그린 '인터 걸(Intergirl, 1989)', 로맨틱 코메디로 쥴리아 로버츠가 주연한 '프리티 우먼(Pretty Woman, 1990)' 등이 있다. 할리우드의 창녀 소재로 프리티 우먼은 창녀의 꿈과 이상을 창녀에서는 매춘부를 아주 현실적으로 그렸다.
한국영화로는 임권택 감독의 1997년 작 '창'과 송경식 감독의 2003년 작 '대한민국 헌법 1조', 송감독은 창녀가 국회의원에 출마하는 것을 이태리 포르노 배우 치치 올리나가 국회의원으로 출마한 사건에서 아이디어를 얻었다.
'몬스터'에서 창녀는 자신을 비관하지만 자신을 떳떳한 직업여성으로 내세우는 긍정적인 창녀들도 있다. 런던의 한 창녀는 자신의 생활을 낙관적으로 일기를 써서 인터넷에 게시한다. 'Belle De Jour- Diary of a London Call Girl'라는 제목의 블로그도 있다.
런던 소호거리 창녀출신인 니키 로버츠는 페미니스트들이 '매매춘 근절'의 이슈로 위선적 활동을 하고 있다며 도전장을 낸 책 '역사속의 매춘부들(Whores in History: Prostitution in Western Society)'도 있다.

2004년 4월 10일

19. 라이언 일병 구하기(Saving Private Ryan)

감독: 스티븐 스필버그

영웅주의 부활시킨 영화

미국만큼 막강한 군사력을 자랑하며 전쟁광들이 많은 나라도 없을 것이다. 할리우드 전쟁 영화들을 통하여 그 사실이 자명하게 드러난다.
1940-1950년대 할리우드 전쟁영화들은 존 웨인을 영웅으로 앞세워 애국심(Patriotic War Movies)에 포커스를 맞췄다. 'The Fighting Seabees', 'Back to Bataan', 'The Sands of Iwo Jimo'. 얼마 후에 제작된 베트남전쟁에 관한 영화들도 그랬다. 'The Green Berets', 프랭크 카프라 감독의 'Why We Fight WWll'. 모두 과장된 영웅주의 영화들이다.
1960년대로 넘어 오면서 전쟁은 영광(War is Glory)에서 전쟁은 광신(War is Insanity)으로 바뀐다. 드디어 1964년 스탠리 큐브릭 감독의 '닥터 스트레인지 러브(Dr. Strangelove: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb)'라는 반전(anti-war)영화가 등장한다. 전쟁은 지옥일 뿐 만 아니라 미치광이라는 것이다.
한국영화 '황산벌'에서 김유신 장군이 한말이 여기에 일치된다. '전쟁은 미친 짓이다'.
스탠리 큐브릭 감독은 23년 후에 광상곡 베트남 영화 '풀 메탈 재킷(Full Metal Jacket,1987)' 완성한다. 그외에 '디어 헌터(Deer Hunter, The 1978)', '플래툰(Platoon,1986)', '하노이 힐튼(Hanoi Hilton, The 1987)', '하트브레이크 리지(Heartbreak Ridge,1986)' 등 반전영화들이 주목할 만하다.
광신으로 표현된 전쟁영화는 프란시스 포드 코폴라 감독의 '지옥의 묵시록(Apocalypse Now, 1979)'에서 정점을 이룬다. 게다가 2001년에 출시된 DVD 디렉터스 컷에 프랑스 식민지와 플레이보이 위문 장면이 추가되어 광적 이념을 더 부추긴다.
그리고 반전에 아이러니하게 부조리를 다룬 테렌스 말릭 감독의 '씬 레드 라인(The Thin Red Line,1998)' 나왔으나 지난 20년 동안 다룬 광적인 반전영화 스테레오 타입에 그치고 만다.
드디어 스필버그 감독의 '라이언 일병 구하기(Saving Private Ryan,1998)'에서 오랫동안 잊어졌던 애국심 전쟁영화를 다시 부활시킨다. 적이 악마라면 악마와의 전쟁은 필요한 것이며 인간 개인의 프리덤에 포커스를 맞추었으며 미국도 때때로 올바른 일을 할 때가 있음을 강조했다.

2004년 4월 17일

20. 위 워 솔져스(We Were Soldiers)

감독: 랜달 웰라스

휴머니즘을 포장한 개인주의 할리우드 전쟁영화

'라이언 일병 구하기(Saving Private Ryan,1998)' 이후 새로운 경향의 전쟁 영화들이 나왔다. 정치적인 이슈에 포커스를 맞추기 보다는 도덕성 판단 기준에 초점을 맞추었다. 정치가 부패되었든 미국의 군사적 원조가 필요하였든 간에 그 시점에는 관심이 없었고, 그 전쟁터에 막상 참전하여 지옥과 같은 현실에 부딪혀 생사를 가름하는 사병 개인의 존재에 대해 다루었다. 그러한 이슈의 대표적인 영화들이 멜 깁슨 주연, 랜달 웰라스 감독의 '위 워 솔져스(We Were Soldiers,2002)'와 리들리 스캇 감독의 블랙혹 다운(Black Hawk Down,2001)' 이다.
흥미롭게도 두 영화는 정치적 논쟁 이슈에 워싱턴 정부의 개입이 되어 있으나 그 이슈들이 고의적으로 희석된다.
랜달 웰라스 감독은 DVD 출시할 때 삭제 해 버린 정치에 관한 장면에 대해 커멘트를 했다.
"이 영화는 정치성에 관한 영화가 아니다. 나는 이 영화를 통하여 군인들이 모두 인간들 이었다는 것을 이야기하고 싶었다. 베트남 전쟁에 관한 정치적 논쟁을 넘어서 그 전쟁에 참전하여 전사한 현역 군인들은 모두 하나의 인간들이었다."
이러한 나레이션으로 영화는 끝난다. "그들은 전쟁터에 나갔다. 국가가 명령했기 때문이다. 결국 그들은 나라와 국기를 위해 싸우지 않았다. 그들은 서로 싸웠다."
그후에 나온 영국 식민지 시대를 다룬 '포 페더스(The Four Feathers,2002)' 역시 전쟁의 기억을 이상과 국기에 두지 않고 전우애에 초점을 맞췄다.
핵을 실은 소련 잠수함에 핵 유출 사고가 발생하여 그 동지들을 구하기 위해 생명을 바친 희생자들의 이야기를 다룬 캐서린 비글로우 감독의 'K-19:위도우 메이커(K-19: The Widowmaker,2002)' 역시 그렇다. 그들의 묘지 앞에서 캡틴(해리슨 포드)은 이렇게 말한다. "그들의 희생은 메달을 위한 것도 아니요, 해군과 조국을 위한 것도 아니었다. 즉 우리, 그들의 동지들을 위한 것이었다."
할리우드는 전쟁은 싫어하지만 전쟁영화 아메리칸 영웅은 좋아한다. 즉 개인주의 성향에서 온 것이기 때문이다. 그렇다면 개인주의 범주를 넘어선 휴머니즘 전쟁영화가 만들어지기를 기대해 본다.

2004년 4월 24일

21. 도그빌(Dogville, 2004)

감독: 라스 본 트리에(Lars Von Trier)

도덕성에 입각한 반미주의 영화 '개 같은 마을'

할리우드의 화려함과 거리가 먼 조용한 스웨덴의 도시, 트롤리우드 (Trollywood)로 일컷는 트롤해탄(Trollhattan)에서 제작되는 미국에 대한 유럽인들의 분노와 애통을 대변한 삼부작 '도그빌, 만데레이, 워싱턴'. 사운드 스테이지에서 미니멀 세트로 촬영된 할리우드 스타 니콜 키드만 주연의 '도그빌'이 미국에 개봉했을 때 멜깁슨 감독의 '예수의 수난(The Passion of the Christ, 2004)'처럼 비평의 찬반론이 팽배했다. 여행공포증으로 미국에 가본적도 없는 덴마크 출신 감독의 반미주의 영화이기 때문이다. 1930년 대공항때 록키산맥 조그만 마을 '도그빌'을 비유로 미국의 경제파탄과 반 이민 이슈를 표출하지만 미국만을 한정하여 가리키지 않는다. 약한자의 약점을 이용 자신의 실리를 챙기려는 인간 저변 잠재의식 속에 깔려있는 악의 근성을 이야기한다.
부유한 나라중의 하나로 자살율이 최고로 높은 덴마크의 이민정책도 미국만큼 까다롭다. 70년부터 터키, 팔레스타인, 소말리아, 이란, 나이제리아로 부터 이민을 받아 들였다. 이민인구는 전 인구의 5% 지만 24이살 이하는 외국인과 결혼할 수 없다는 조항이 있을 만큼 미국인들보다 인종차별주의가 더 심하다. 또 하나의 '도그빌'인 것이다. 이들뿐만 아니라 지구촌 많은 인간들이 '개 같은 마을'에 사는 주민일 수도 있다.
롱 테이크 샷을 찍기 위해 자전거에 카메라를 묶어 12살부터 영화를 만들기 시작한 트리에 감독. 세명의 덴마크 감독들과 결성한 도그마(Dogme 95)는 저 예산, 조악한 영상, 감정 위주의 스토리, 핸드 핼드 카메라 웍, 자연광 조명으로, 컴퓨터 그래픽이나 지나친 편집과 음악 등 기계의 속성으로부터 영화를 지키려는 반할리우드 선언이다. '도그빌'에서도 할리웃의 영화형식 화려한 배경 때문에 캐릭터에 대한 집중력이 떨어지므로 영화요소에 몰입하는 대신 영화 밖에서 비판적으로 사회를 보라는 것이다.
스티븐 스필버그 감독이 트리에 감독의 '유로파(Europa,1991 Zentropa:미국 타이틀)'를 보고 난 후 그의 재능을 인정하여 할리웃 감독 입봉 스카웃 제의를 했으나 트리에 감독은 과감히 거절했다.
트리에 감독이 아내와의 이혼과 유태계와 카톨릭계 사이 태생의 혼란으로 정신적으로 가장 어려울 때 '브레이킹 더 웨이브(Breaking The Waves, 1996)'가 완성되고 '어둠속의 댄서(Dancer in the Dark, 2000)'로 칸느 영화제에서 황금 종려상을 받는다. 희곡가 베르톨트 브레히트의 영향을 받은 그는 끈임 없는 영상 실험을 통해 디스토피아를 실증해 보인다.

2004년 5월 1일

트웬티나인 팜스(Twentynine Palms, 2004)

감독: 브르노 뒤몽

여행, 음식, 섹스, 자연... 그리고 악마

필자가 이 영화의 여 주연배우 캐씨아(Katia 본명:카탈리나 고루베바 Katerina Golubeva)를 만난 건 2003년 10월이다. 러시아 태생 프랑스 인 그녀의 눈은 보는 이들을 빨아들이는 매력이 있다. 카탈리나는 미국 배우들과 연기학교가 보고싶어 필자와 함께 친구 팀 콜세리(풀 메탈 자킷 출연)가 운영하는 연기학교를 갔다. 영어에 서툰 그녀는 영어로 연기를 시도했으나 힘들어했다. 그 이유 때문인지 '트웬티나인 팜스'에서도 남자주인공 데이빗(데이빗 위삭)은 영어를 하지만 그녀는 불어를 한다.

그녀를 스크린에서 처음 본 것은 1994년 뉴욕 쿼드라 극장에서 카날리나가 주연한 영화 '불면증(I can't Sleep,1993)'였다. 그때 필자는 유학을 갓 온 상태였다. 그리고 두 번째로 레오 카락스 감독의 '폴라엑스(Pola X,1999)'였다. 카날리나 만큼 과감한 연기를 하는 배우를 미국에서는 찾기가 힘들다. 그녀의 정사장면 연기는 '폴라 엑스'에서 큰 논쟁을 일으켰다. '폴라엑스'가 한국에서 개봉할 때 카탈리나는 기자회견에서 한국기자들의 한결같은 질문에 불쾌했다고 했다. 영화에서 실제로 정사를 했는지에 대한 질문이었다.

'트윈티나인 팜스'에서도 그녀의 연기는 과감하다. 그녀의 연기는 브르노 뒤몽 감독이 추구하는 야수와 인간의 동화를 표출한다. 황량한 캘리포니아 사막 트윈티나인 팜스: 죠슈아 츄리 지역을 여행하는 젊은 남녀, 데이빗과 캐씨아, 데이빗은 잡지 사진 로케이션 헌팅을 하러 왔다. 그들은 먹고, 자고, 섹스 하면서 차로 불모지대를 누빈다. 종국에는 낯선 남자들에 의해 강간을 당하고 그들은 비극적인 결말을 맞는다. 미국 로컬 사람들의 잔인함은 존 부어맨 감독의 '딜리버런스(Deliverance,1972)'를, 예고 없이 뜻하지 않는 폭력은 9/11 사건을 연상케 한다. 그 비극은 황량한 돌 바위와 사막 선인장과 잘 어우러진다. 뒤몽 감독은 결말부분에 반미주의를 약간 삽입한 흔적이 보인다. 라스 본 트리에 감독의 '도그빌(Dogville,2004)'과 같이 미국은 나쁜 사람, 땅, 음식, 차, 섹스의 나라라는 것이다. 이 영화는 미국에서 촬영했지만 프랑스 영화다. 뒤몽 감독의 스타일은 스토리에 충실하는 미국 감독들과 차별화가 된다.

필자도 로케이션 헌팅 때문에 '트윈티나인 팜스:죠슈아 츄리'에 간적이 있다. 황량한 아름다움은 데스 벨리와 쌍벽을 이룬다. 이 영화는 그 자연의 경관을 인간의 원초적 본능과 부합시켜 잔인한 아름다움을 극도로 표현하기 위해 시네마스코프로 촬영했다.

2004년 5월 8일

헬보이(Hellboy, 2004)

감독: 길러모 델 토로(Guillermo Del Toro)

영화계를 장악한 만화 영웅들

비록 태생은 사탄의 아들이지만 종국에는 인간에 의해 자라나 악을 대항하며 인류를 구하는 '헬보이'의 캐릭터는 성악설의 이론에 기반을 둔다. 즉 태생은 악하더라도 후천적인 환경에 의해 선하게 된다는 것이다.

헬보이(론 펄먼)의 캐릭터는 흥미롭다. 그는 성장하여 몸은 거구지만 아직 틴 에이저로 쵸코렛을 좋아하며, 잃어버린 고양이를 찾아 소녀에게 건네줄 때 그의 눈에 슬픔이 깃들어 있다. 잔인하고 포악한 괴물과 상대하면서도 심성은 어린아이와 같다. 또한 삼각관계에서 질투를 느끼며 불의 초능력을 가진 여인 리즈셔만(셀마 블레어)에게 연민의 정을 느낀다. 로맨스 장면은 '미녀와 야수'와 '프랑켄시타인'을 연상시킨다. 악의 상징인 뿔의 성장을 막기 위하여 면도 하듯이 매일 그라인드로 뿔을 갈아낸다. 뿔이 성장한다는 것은 악마로의 완성을 나타내기 때문이다.

1963년 인류학자 마시아 엘리아드(Mircea Eliade)는 "연재만화의 캐릭터들은 현대판 신화와 우화의 영웅들을 대변한다."고 했다. 나약한 현대인들은 신화의 각색에 바탕을 둔 세속적인 현대사회 만화속의 영웅들에게서 위안을 갖는다. 영웅 찬미와 신격의 구제를 통한 복귀를 바라는 현대인들의 갈망 때문에 많은 만화의 수퍼히로 캐릭터들이 영화로 만들어지는 것이다.

'수퍼맨 씨리즈(Superman I-IV,1978-1987), 배트맨 씨리즈(Batman I-IV,1989-1997), 딕 트레이시(Dick Tracy, 1990), 닌자 터들(Teenage Mutant Ninja Turtles 1-3, 1990-1993), 새도우(1994), 저지 드레드(Judge Dredd, 1995), 바브 와이어(Barb Wire, 1996), 팬덤(The Phantom, 1996), 스폰(Spawn, 1997), 스틸(Steel,1997), 블레이드(Blade I-II,1998-2002), 미스터리 맨(Mystery Men,1999), 엑스 맨(X-Man I-II,2000-2003), 스파이더 맨(Spider-Man I-II, 2002-2004), 데어 데블(Daredevil,2003), 헐크(Hulk,2003).

위에 열거한 영화들은 모두 TV 쇼로도 만들어졌으며, 그 외에 유명한 TV 쇼는 '원더우먼(Wonder Woman,1974)', '스몰빌(Smallville,2001)'이 있다.

할리웃은 지금 코믹 북 수퍼 히로 캐릭터 판권과 리메이크 쟁탈전이다.

덕분에 수많은 만화 판권을 소유한 마블사가 재미를 본다. 게다가 일본 만화 '망가' 까지 미국시장을 서서히 잠식해 영화판은 이제 만화 영웅들로 들끓을 것이다.

2004년 5월 15일

부서진 글래스(Shattered Glass, 2003)

감독: 빌리 래이

저널리스트의 기사 조작

닉슨 대통령 사임을 초래한 워터 게이트 스캔들을 다룬 더스틴 호프만과 로버트 레드포드 주연, 알란 패큘라 감독의 '대통령의 사람들(All The President's Men,1976)' 이후로 '스타워즈 에피소드 2'에서 주인공 아나킨 스카이워커역(Anakin Skywalker)을 맡았던 헤이든 크리스튼슨 주연의 '부서진 글래스(Shattered Glass,2003)'가 저널리스트를 다룬 영화 중 수작으로 손꼽힌다.

'부서진 글래스'는 1998년 뉴 리퍼블릭(New Republic) 시사잡지사에서 기사들을 조작해 해고당한 저널리스트 스테판 글래스(Stephen Glass)의 실화를 바탕으로 했다.

90년대 중반 25살에 글래스는 뉴 리퍼블릭 잡지사의 장래가 총망되는 각광받는 스태프 저널리스트였으며 1998년에는 롤링스톤, 조지와 하퍼스 매거진 프리랜스 기자로 허위 기사를 써서 10만불 이상의 수입을 올렸다.

거짓말은 또 다른 거짓말을 낳는 법. 글래스는 조작된 기사들을 뒷받침하기 위하여 인터뷰 인물들, 사건, 행사장, 회사이름, 이메일, 전화번호, 웹 사이트 들을 모두 허위로 제작했다.

그러나 꼬리가 길면 잡히는 법. 1998년 그의 상사 편집장 찰스 레인에게 '배니티 페어 아티클'이 허위기사라는 것이 들통나면서 그는 거짓말쟁이로 베일을 벗는다. 그가 조작한 기사는 수십 건에 이른다.

그는 거짓말장이 저널리스트로 유명세를 타며 CBS 뉴스 '60 Minutes' 토크 쇼에 출연하여 인터뷰를 했다. 현재 그는 뉴욕에 살면서 자서전 '우화작가(The Fabulist)'라는 책도 출판했다.

스테판 글래스는 이 영화를 보고 '나의 자서전적인 공포영화'라고 했으며, 그의 상사였던 찰스 레인은 '스테판과 단 둘이 맑은 날 밖에 서 있을 때 스테판이 '오늘은 날씨가 맑네요' 라고 말해도 난 다른 두 사람들에게 진짜 날씨가 맑은 지 물어 볼 것이다' 라고 했다.

저널리스트들의 기사 조작은 이 사건 말고도 2003년 5월 1일 뉴욕 타임즈 기자 제이슨 블레어(27)가 36건 허위 기사를 쓴 사건으로 파면을 당하고, 신문사 측은 5월 11일 사과문을 발표했다. 뉴욕 타임즈에 이어 USA 투데이도 국제부 기자인 잭 켈리(43)가 8건 이상의 허위 기사를 쓴 것으로 신문사 측은 2004년 3월 19일 독자들에게 사과문을 발표했다.

2004년 5월 22일

질리(Gigli, 2003)

감독: 마틴 브레스트

최악의 영화로 유명해진 영화

24년 역사를 가진 최악의 영화와 배우들을 뽑는 영화제 래지 어워드(Razzie Award) (골든 래즈베리 어워드)가 있다. 2004년 래지 어워드에선 벤 에플릭과 제니퍼 로페즈 주연의 영화 '질리'가 최악의 배우(벤 애플릭), 최악의 여배우(제니퍼 로페즈), 최악의 감독(마틴 브레스트), 최악의 영화, 최악의 스크린 커플(벤 애플릭과 제니퍼 로페즈), 최악의 시나리오(마틴 브레스트)로 6관왕의 불명예를 안았다. 게다가 이 영화의 조연으로 출연했던 알파치노와 크리스토퍼 월큰도 래지 어워드에 노미네이트 되었다.

놀랍게도 '질리'의 마틴 브레스트(Martin Brest)감독은 에드 머피 주연의 '베버리 힐스 캅(Beverly Hills Cop, 1984),' 로버트 드니로 주연의 '미드나잇 런(Midnight Run, 1988),' 알파치노 주연의 '여인의 향기(Scent of a Woman, 1992)'를 연출했던 할리우드 거장 감독이다. 그래도 '질리'의 비디오 렌탈 성적은 꽤 좋은 형편이다. 왜냐면 얼마나 형편없는지 궁금해서 렌트해 보기 때문이다.

1998년 래지 어워드에 케빈 코스트너 주연의 '포스트 맨(The Postman, 1997)'은 5관왕의 불명예를 안았다. 최악의 시나리오상을 받은 브라이언 헬지랜드는 같은 해 명작 러쏄 크로 주연의 '엘에이 컨피덴셜(L.A. Confidential, 1997)'의 시나리오 작가이기도 하다. 그 작가는 유일하게 시상식장에 참석하여 트로피를 받았다.

주로 이 상에 단골 배우들은 마돈나, 실버스타 스텔론 등이 있다. 마돈나가 주연을 맡은 영화 '스윕트 어웨이(Swept Away, 2002)' 가이 리치 감독은 마돈나의 남편이다. 전 영화들 '락, 스탁 앤 투 스모킹 배럴스(Lock, Stock and Two Smoking Barrels, 1998),' 브래드 피트가 출연한 '스내치(Snatch, 2002)'등 명작들이 있지만 마돈나를 출연시킨 영화 '스윕트 어웨이(Swept Away)'로 역시 2003년 레지 상, 최악의 여배우(마돈나), 최악의 감독(가이 리치)를 포함 5관왕을 받아 그의 얼굴에 먹칠했다.

스텔론은 '스파이 키즈 3-D(Spy Kids 3-D: Game Over, 2003)'로 2004년 래지 어워드 최악의 조연남우 후보로 오름으로써 마침내 30번째 노미네이션의 불명예 위업을 달성했다.

일등 아니면 꼴찌가 되라는 말이 있다. 필자의 친구인 컬트 영화 감독 빈스는 '언더그라운드 코메디 무비(The Underground Comedy Movie, 1999)'라는 영화가 개봉될 때 최악의 리뷰를 받았다. 그는 하워드 스턴 쇼에서 인터뷰 할 떄 오히려 그 최악의 리뷰를 이용해 시청자들에게 관심을 샀다.

2004년 5월 29일

매트릭스(Matrix, The 1999)

감독: 앤디래리 워쇼스키형제

매트릭스속의 여러가지 종교

‘매트릭스’는 종교적이고 철학적인 사상을 담고 있다. 영화를 매트릭스, 기독교, 그리스 신화와 철학, 불교로 비교 분석해 봤다.

‘니오(Neo)’를 기독교론 ‘아들, 새 아담’이고, 그릭어로는 ‘New, One’이다.

‘트리니티(Trinity)’는 기독교론 성신(Holy Spirit)이고, 그릭은 여신(Goddess)이다.

‘모피우스(Morpheus)’는 기독교론 그리스도를 선언한 세례 요한(John the Baptist)이고, 그릭어로는 꿈의 신(God of Dreams)이다.

‘니오’를 배신한 사이퍼(Cypher)는 예수를 배반한 가롯 유다(Judas)다.

‘오라클(Oracle)’은 기독교선 예언자(Prophet)고, 그릭으론 델포이의 아폴로 신전의 신탁(Oracle of Delphi)이며, 불교선 보살(Bodhisattva)이다.

‘더 원(The One)’은 기독교선 메시아(Messiah), 그릭철학은 플라톤의 철학의 왕(Plato; Philosopher-King)‘, 불교선 부처(Buddha)다.

’기계(A.I.)로부터 노예는 요한복음 8장 34절의 “죄를 범하는 자마다 죄의 종이라”, 철학적으론 무지(Ignorance)에서 오는 플라톤의 동굴에 비유되었고, 불교도 역시 무지 때문에 생긴 윤회와 전생의 노예들(Slaves to Samsara)이다.

‘현실에 눈이 먼 것’은 고린도 후서 4장 4절 “이 세상 신이 믿지 아니하는 자들의 마음을 혼미케 하며 그리스도의 영광의 복음의 광채가 비취지 못하게 함이니...,” 철학에선 플라톤의 동굴에서 벽에 그림자를 보고 실재라고 여기는 것이며, 불교선 마야, 환각의 세계(Maya; World of Illusion)다.

‘니오의 부활’은 예수의 부활이며, 영화 마지막 장면에 ‘니오가 하늘을 향해 날아가는 것’은 예수의 승천이다.

‘니오가 더 원으로 탄생’하는 것은 예수의 재림(Second Coming)이고, 불교선 다섯번째의 부처 미륵(Maitreya The Fifth Buddha)의 재림이다.

인간의 마지막으로 존재하는 도시 ’시온(Zion)‘은 기독교선 신의 도시인 약속의 땅이다. 불교선 존재의 상태인 열반, 해탈(Nirvana)이다.

2004년 6월 5일

메달리온(Medallion, The 2003)

감독: 고든 챈

성룡대역과 스턴트맨

메달리온’에 관심을 가지는 이유는 영화가 좋다는 것보다 이 영화에 성룡 대역을 한 한인 액션 배우 브루스 칸에 대해 얘기하고 싶어서다.

브루스는 현재 필자의 영화 ‘라스트 이브(The Last Eve 2004)’에 주연과 무술감독을 맞고 있다. 브루스는 필자랑 만나기 전까지 홍콩에서 무술 배우 겸 스턴트맨으로 활동하다가 2년전 할리우드로 이주하여 필자의 2번째 영화 ‘퍼스트 테스타먼트: CIA 복수(2001)’ 시사회때 만나서 여기까지 인연이 되었다.

브루스는 홍콩에 있을 때 메달리온 제작에 참여했다. 당시 무술감독을 맡은 홍금보 밑에서 일하며, 메달리온의 앞부분 성룡이 잠수복을 입고 싸우는 장면과 병원안에서 싸우는 씬을 성룡 대역은 물론 무술 씬 전체를 만들기도 했다. 즉 ‘다찌마와리’를 짠 것이다. 다찌마와리란 영화에서 무술 격투 장면의 씨퀀스 및 동선까지를 만드는 것이다. 한국말로는 ‘합’이라고 한다.

발차기가 일품인 브루스가 성룡의 대역을 하기 위하여 잠수복을 입었으나 성룡과 몸 모양이 너무나 틀렸다. 성룡의 몸은 굴곡이 없고 부드러운데 브루스는 근육질의 몸이다. 게다가 성룡은 브루스 보다 머리가 컸다. 외형이 너무 틀려 카메라 앵글을 타이트하게 잡을 수 밖에 없었다. 그러한 제약이 많아 편집에서 많이 짤려 나갔다고 아쉬워 했다.

보통 관객은 성룡이 직접 스턴트를 전부 하는 걸로 알고 있는데 사실과 다르다. 기본적인 것은 본인이 해도 발차기 같은 것은 대역을 주로 쓴다.

심지어 이연걸도 ‘황비홍(1991)’을 찍을 때도 이연걸의 발차기는 대역을 썼다. 홍콩영화 대역의 주역들은 주로 한국 스턴트맨들이다. 한국사람들의 발차기는 타인의 추종을 불허한다.

옛날 홍콩 무술 영화 때부터 한국인들이 그런 대역들을 했다. 그러나 홍콩에서는 대접을 제대로 받지 못했다. 주연배우 자리를 주지 않았기 때문이다. 조연 내지는 스턴트맨이 고작이었다. 그 대표적 인물들이 황인식, 황정리, 왕호, 거룡, 권용문 씨 등이다. 그 조연들의 발차기가 홍콩 주연 배우 보다 좋아 보일 때는 주인공의 이미지 때문에 장면이 짤려 나가는 서러움을 당하기도 했다. 권용문씨는 필자의 영화 ‘소웁 걸(Soap Girl 2002)’ 시사회때 참석하기도 했다.

‘메달리온’에 배우와 스턴트 맨으로 출연하는 백인 루빈 랭던 역시 ‘라스트 이브’에서 맹인 검객으로 열연한다.

2004년 6월 19일

킬빌 2(Kill Bill Vol. 2, 2004)

감독: 퀸틴 타렌티노

드라마와 액션

대부분 훌륭한 액션 영화는 탄탄한 드라마를 바탕으로 액션 구조가 잘 짜여있다. 그래서 타렌티노 감독은 ‘킬빌 2’에서 액션보다 드라마에 더 중점을 두어 액션씬이 훨씬 많은 ‘킬빌 1’보다 오히려 작품성은 더 높게 인정 받았다.

타렌티노 감독은 관객을 심리를 미리 파악하는 재주를 가졌다. 관객이 기대했던 ‘킬빌 1’보다 더 액션이 한층 깊을 거라는 ‘킬빌 2’를 완전히 반대방향으로 이끌었다. 즉 드라마로 액션을 풀어나갔다. 드라마와 액션을 자유자제로 조절하는 훌륭한 감독임에 틀림없다.

액션 감독들의 난제는 드라마의 선상 위에 액션을 어떻게 풀어 나가야 되느냐에 달려있다. 아무리 액션이 뛰어나더라도 드라마가 약하면 ‘액션 B영화’라는 칭호를 받는다. 반면에 드라마가 좋고 액션이 약하면 ‘수준 낮은 액션영화’가 된다.

드라마 출신 감독의 액션영화와 액션감독 출신의 액션영화와 차이점이 있다. 그래서 어떤 제작자들은 일부러 드라마감독 출신을 액션 영화에 스카우트 하기도 한다. 물론 드라마 출신의 감독이 메가폰을 잡을 때는 뛰어난 무술감독을 선출하여 액션 부분을 보강한다.

앙리(Ang Lee) 감독이 ‘와호장룡(Crouching Tiger, Hidden Dragon, 2000)’을 제작하면서 많은 어려움에 직면했던 일들을 털어 놨다. 앙리 감독은 드라마 감독 출신이었기 때문이다. 그러한 이유로 드라마가 튼튼한 가운데서 액션이 잘 이루어진 ‘와호장룡’은 액션에만 치중된 홍콩 무협영화와는 큰 차별화를 두며 크게 성공하여 오스카에 입성하기까지 한다. 그러나 ‘헐크(Hulk, 2003)’에서는 너무 억지적인 드라마와 CG 헐크와 조율이 잘 안돼 실패하는 결과를 낳았다.

극장 안에 앉아 있는 100분은 잠 묘한 시간들로 이루어져있다. 영화 앞부분 1시간동안 액션을 아무리 화려하게 장식을 한다 해도 나머지 30-40분 동안 드라마를 받쳐주지 못하면 화려한 액션도 지루해지기 시작한다. 절정 부분에서 더 이상 올라갈 에너지도 잃어버리고 영화는 힘없이 끝나 버리기가 쉽다. 주로 할리우드 블락바스터 영화들이 종종 이러한 오류를 범한다. 유럽 영화들은 정반대로 전반부는 시간 때우기만 하다가 후반부터 스토리에 집중하게 만든다. 그렇기 때문에 영화전체가 지루할 때가 많다. 그래서 할리웃 대형 영화나 애니메이션은 그러한 관객의 시간별 감동지수를 도표로 분석하여 영화를 제작하기도 한다. 그렇다고 그 비율에 항상 적중하진 않는다. 영화흥행은 이외성도 많이 따르기 때문이다.

미국에서 ‘킬빌 2’의 성공은 영화도 훌륭하지만 타랜티노 극성 매니아들의 영향이다. 그렇다고 그런 영향이 다른 나라에서도 모두 같을 수는 없다. 한국 관객은 아직도 타랜티노의 포스트 모던 폭력성보다 미국에서 흥행에 실패한 멜로 드라마인 ‘아이 샘(I Am Sam, 2001)’ 같은 영화가 흥행에 성공하는 묘한 동서양 관객의 차이점도 흥미를 갖게 한다.

2004년 6월 19일

슈렉 2(Shrek 2, 2004)

감독: 앤드류 아담슨 외

3D 애니메이션 영화

3년 전 ‘슈렉(Shrek, 2001)’ 이 만들어 질 때 필자는 한국 애니메이션 ‘트윈 프린스(Twin Princes, 2005)’ 제작 건으로 황인형 총감독과 드림웍스 애니메이션 기획실에 방문한 적이 있다. 드림웍스 영화사는 유니버설 스튜디오 안에 있지만 애니메이션 프로덕션은 그랜데일에 있다. 드림웍스애니메이션 행정 프로듀서와 ‘트윈 프린스’에 관한 미팅을 한 후 현재 드림웍스에서 제작하는 애니메이션 한편을 소개했다. 바로 ‘슈렉’이었다. 필자는 그때 처음으로 ‘슈렉’ 제작과정을 볼 수 있는 기회를 가졌다. 100% 3D로 제작된다고 했다. 프로듀서 오피스에서 본 ‘슈렉’은 마지막 제작단계로 일부 캐릭터들은 3D 랜더링이 체 되지도 않은 체 선만 움직였다. 캐릭터들이 재미와 위트로 가득 차 있었다.

그 당시만 해도 100% 3D 애니메이션은 월트 디즈니와 픽사 애니메이션 스튜디오의 공동작 ‘토이 스토리(Toy Story, 1995)’와 ‘토이 스토리 2(Toy Story 2, 1999)’, ‘벅스 라이프(Bug’s Life, A 1998)’, 드림웍스의 ‘앤츠(Antz, 1998)’가 고작이었다. 그 외에 소니 영화사의 ‘파이널 판타지(Final Fantasy, 2001)’와 독립영화로는 인도 회사 팬터미디어 제작하고 트라이 마크 픽쳐스가 배급한 ‘신바드(Sinbad: Beyond the Veil of Mists, 2000)’ 선 보였으나 두 작품 모두 흥행에 참패한다.

그 외에 다른 애니메이션들은 간혹 2D 캐릭터에 3D 백그라운드 정도였다. 그만큼 3D 애니메이션은 2D 애니메이션 보다 제작과정이 힘들고 예산이 많이 들어간다. 100% 컴퓨터 그래픽으로 작업하기 때문이다.

디즈니 보다 늦게 출발한 드림웍스도 디즈니를 따라잡기 위해서는 3D 애니메이션을 제작 할 수 밖에 없었다. 그러나 1998년 드림웍스의 ‘앤츠’는 같은 해에 릴리스 된 디즈니의 ‘벅스 라이프’에 패배한다. 모두 곤충에 대한 소재이고 제작비는 오히려 ‘앤츠’가 더 들어간 상황이었다.

게다가 드림웍스에서 ‘슈렉’ 전에 제작된 애니메이션 영화들은 그동안 재미를 못 보고 있는 상황이었다. 그러니 ‘슈렉’ 한테 거는 기대는 부담이 될 수 밖에 없었다.

예상대로 ‘슈렉’은 박스오피스에 1위를 기록하며 크게 흥행에 성공 한다. 그 덕에 드림웍스 애니메이션은 숨통이 터진다. 흥행의 이유를 스토리상에서 기존의 리메이크에서 과감히 탈피, 캐릭터의 코믹요소와 신선함으로 보고있다. 그 흥행의 여파로 3년 후 ‘슈렉 2’가 완성된다. ‘슈렉 2’ 역시 흥행에 성공한다.

디즈니의 2D 애니메이션 영화들의 연속실패와 3D 애니메이션 ‘파인딩 니모(Findimg Nemo, 2003)’의 흥행성공으로 스튜디오의 애니메이션의 제작 시스템이 완전히 바뀐다. 디즈니 뿐만 아니라 스튜디오 애니메이션 영화사들이 3D에 집중하고 2D 애니메이션 제작부 아티스트들을 대거 레이오프 시킨다. 그동안 테크놀로지도 많이 발전하여 제작기간과 예산을 많이 줄일 수 있게 되었다. 다음은 어떤 스타일의 애니메이션이 나올 지 궁금하다.

2004년 7월 3일

터미널(The Terminal, 2004)

감독: 스티븐 스필버그

터미널 인생

인생은 터미널이라고나 할까. 기다림. 만남과 헤어짐. 어떤 사람은 이별의 슬픔으로, 어떤 사람은 해후의
기쁨으로 다양한 감정들이 교차되는 곳이 터미널이다. 비록 한정된 공간이지만 그 안에서 인간들의
군상(Microcosm)을 볼 수 있다. 비행기 연착으로 공항에서 몇시간 이상을 보낸사람이라면 이 영화에 큰
공감이 간다. 필자는 이 영화를 보며 주인공 빅터와 큰 공감대를 형성했다.
주인공 빅터(탐 행크스)는 뉴욕 JFK 공항에 도착했으나 동유럽 고국에 구데타가 발생해 국적을 상실하게 되어 공항에 묶기게 된다. 빅터가 뉴욕 JFK 터미널에 갇히게 되는 사연은 필자가 유학시절에 뉴욕 JFK 공항에서 폭설때문에 15시간을 공항안에서 기다린적이 있다. 그 지루했던 시간… 이 영화를 보는 순간 내 자신의 기억을 떠올렸다. 영화를 볼 때 이러한 순간이 스토리에 가장 몰립하게 만든다.
빅터는 오도가도 못하는 상황에서 국제선 트렌짙 터미널 안에서 생활하는 신세가 된다. 빅터가 갖혀있는 터미널 안에서 창문너머가 바로 자유의 땅 미국이다. 아주 가까이 있으면서 가질 수 없는 빅터의 심정. 필자가 비자문제로 캐나다에 갔을때 토론토에 머물면서 나이아가라 폭포에 갔다. 이 폭포는 캐나다와 미국
국경선에 있다. 뉴욕 유학시절 버팔로에 왔다가 봤던 그 폭포. 미국쪽에서 본 것보다 캐나다쪽에서 본 광경이 훨씬 웅장해 보였다. 캐나다 편에서 보트를 타고 폭포밑에 접근했다. 바로 강건너가 미국인데 갈 수
없었던 안타까움은 빅터의 심정과 똑같았다. 미국이 바로 저긴데….
빅터라는 한 인간을 장기간 터미널에 가두어 놓는 상황은 미국 이민국 공무원들의 융통성이 없슴을 시사한다.
융통성이 없는 강경한 이민정책때문에 이민자들이라면 누구나 이와 같은 서러움을 경험했을 것이다. 그렇지만 빅터는 아메리칸 드림을 포기하지 않고 언젠가는 미국땅을 밟으리라는 희망속에 터미널 안에서 열심히 살아간다. 그 꿈은 비록 한정된 공간이지만 그안에서 사람들을 사랑하며 사람들과 더불어 살며 사람들을 감동시킨다. 빅터가 뉴욕을 가겠다는 한치의 희망을 안 버리듯이 필자도 그당시 미국에 다시 돌아가겠다는 꿈을 한시라도 버린적이 없었다.
고국에 구데타가 진압되고 국적을 뒤찾은 빅터, 그러나 이민국 사무장은 그를 고국으로 송환하려고 한다. 모든 꿈이 무너지려는 순간, 빅터는 터미널 가족들의 도움으로 기적적으로 그의 꿈을 성취하게 된다. 빅터가 드디어 터미널을 빠져나왔을 때 첫 미국땅을 밟으며 감격하는 순간, 뉴욕에 함박눈이 내린다. 빅터는 두팔을 벌려 크게 쉽호흡을 한다. 바로 미국땅이다. 그 장면에서 필자는 눈물이 핑 돌았다. 필자가 어렵게 미국에 도착하여 뉴욕스카이라인을 볼 때의 그 순간, 그 감격이였기 때문이다.
터미널안에서의 아메리칸 드림을 성취하는 우리의 주인공 빅터는 우리들에게 비록 어려운 환경이 처하더라도 희망을 갖고 주어진 현실안에서 행복을 찾으라는 또 하나의 교훈을 남긴다.

2004년 7월 10일

화씨 9/11(Fahrenheit, 2004)

감독: 마이클 모어

부시에게 큰 부담준 다큐멘터리

‘화씨 9/11’은 종교적으로 큰 논쟁을 일으켰던 멜 깁슨감독의 ‘패션 오브 크라이스트(The Passion of the Christ, 2004)이후 또 하나의 정치적 논쟁과 스펙트럼으로 예리하게 인습을 과감하게 타파하는 프라파겐다 다큐멘터리이다.
마이클 모어 감독은 전쟁광 부시에 대한 극도의 분노를 나타내며 이 다큐멘터리는 부시의 재선거에 치명타를 줄것으로 예상된다. 뿐만아니라 지난 3년동안 역사적인 사건들을 새로운 각도에서 볼 수 있는 시선으로 양자택일의 대안의 넓은 폭을 제시한다.
이영화는 단지 부시가족과 사우디 아라비아 가족과의 유대관계에 대한것이 아니라 지나친 애국법(Patriot Act)과 이라크 침공의 헛점을 드러낸다. 납치된 여객기가 두번째 무역센터를 들이박는 동안에도 부시는 플로리다 초등학교에서 사진첩 읽는 수업에 참관하는 장면과 9/11사건직후 부시는 미국에 있는 사우디 가족과 오사바 빈 라덴 친척들을 탈출 시키는데 급급한 장면들이 들어가 있다.
그러나 일부 리퍼블릭 옹호자들은 이 영화를 비판한다. 이 영화를 통해 전세계에 아메리카의 이미지를 손상시킬 우려가 있다고 한다. 경제적으로 아주 가난한 동네 미시건 플린트에 군인들이 굶즈린 늑대가 먹이를 찾아나서듯 군사징집을 하는 장면, 이라크 침공 바로직전 이라크인들이 천국에 사는 것처럼 모두 행복하게 웃는 장면은 꼭 미국의 한 동네에 미국계 이라크인들을 데려다 찍은 것 같은 이미지로 너무 과장되었다고 지적한다.
마이클 모어 감독은 워싱턴 국회거리에서 이라크 전쟁에 찬성표를 던진 위원들에게 그들 자녀를 이라크에 보낼 의향이 있는 묻는다. 물론 모든 의원들이 그를 피한다. 그리고 이들은 애국법 조항조차 읽지 않고 투표를 했기 때문에 모어 감독 스스로 아이스크림차를 타고 스피커 방송으로 법조항를 읽는 장면은 폭소를 터뜨린다. 현재 의원 자녀중에 1명만이 이라크에 징집되어있다.
이 영화는 뉴스쇼가 아니라 논쟁이다. 정치적인 부조리 냉소와 위트, 그리고 비극과 감동이 모두 들어가 있다. 모어 감독은 외친다. ‘아메리카여 깨어나라, 여러분의 자녀들이 성장할 나라이다!’
마이클 모어 감독을 처음으로 알게 된 건 6년전 필자의 유태인 친구 윌리아드 모건을 알고 부터다. 모건도 역시 다큐멘타리 감독으로 그당시 ‘마이클과 나(Michael & Me, Fever Pitch, 2001)’를 만들고 있었다. 그 다큐멘터리는 정확하게 마이클 모어 감독의 첫 다큐멘터리 ‘로저와 나(Roger & Me, 1989)’를 흉내낸 것이었다. 3만명의 일자리를 읽게 한 GM CEO 로저 스미스을 집요하게 인터뷰하기 위한 과정을 만든 다큐멘터리이다. 마이클 모어 감독이 로저 스미스 회장을 취재했듯이 모건도 정확하게 그 전철을 밟으며 마이클 모어감독을 집요하게 따라 다니며 촬영했다. 모건은 카메라를 들고 마이클 모어 감독의 사무실은 물론 집까지도 따라 다니며 촬영하다가 스토커로 몰려 봉변을 당하기도 했다. 모어 감독의 초대 행사장에 따라갔다가 경비원에게 쫒겨나기도 한다.
‘화씨 9/11’ 역시 마이클 모어 감독이 집요하게 부시를 따라다니며 자료를 수집하고 촬영했다.

2004년 7월 17일

트로이(Troy, 2004)

감독: 볼프강 피터슨

영웅을 움직이는 건 여자

‘트로이’는 신화를 바탕으로 한 호머의 일리아드(Homer’s Illiad)를 원작으로 트로이 전쟁의 발발과 결말의 긴 역사를 며칠로 압축시킨 서사극 영화다.

이 영화에서 트로이 전쟁의 원인은 여자였다. 트로이와 그리스의 평화교섭을 위해 그리스에 초대된 트로이의 두 왕자, 트로이의 둘째 왕자(올란도 볼룸)가 스파르타 왕비 헬렌(다이에나 크루거)과 눈이 맞아 트로이로 달아난다. 그에 분개한 스파르타 메넬레스 왕은 그리스와 협공하여 트로이를 공격한다. 그들의 사랑은 수만명의 목숨을 담보로 하고 트로이의 멸망을 초래한다. 그만큼 헬렌은 마력을 가진 여자로 트로이의 목마라는 전설을 남긴다.

트로이의 첫번째 왕자이자 용장인 헥터 왕자(에릭 바나)를 움직였던건 바로 헥터의 부인이다. 갓난아이를 안고 항상 헥터의 안전을 간구한다. 마력적인 미모의 헬렌과는 대조적으로 자상한 모성애의 상징으로 보인다.

그리스의 용장 비운의 주인공 아킬레스(브레드 피트) 역시 포로로 잡힌 트로이의 왕가 브리시스(로즈 바이언)와 사랑에 빠진다. 그녀의 미모와 나약함에 강한 영웅 아킬레스는 쉽게 감정이 무너진다. 그녀를 구하기 위해 비참한 최후를 맞이하기 까지.

헥터왕자와 아킬레스의 비극적인 숙명적 대결. 영웅끼리 죽음을 걸고 싸울 때, 그들의 생사를 바로 눈앞에서 지켜보는 그 영웅의 여인들의 심정은 어떨까. 필자는 싸움보다 그 여인들의 애절한 표정에 더 시선이 간다.

여자때문에 영웅들이 흔들리고, 영웅의 진로에 따라 역사가 바뀐다. 세상를 다스리는 건 남자고, 남자를 다스리는 건 여자라고 했다.

‘트로이’와 쌍벽을 이루는 서사물 리틀리 스캇 감독의 ‘글래디에이터(Gladiator, 2000) 역시 주인공 막시무스(러셀 크로)를 사모하는 왕비, 그 때문에 코모두스 왕은 막시무스에 대한 질투로 그를 계속 죽이려고 한다. 존 부어맨 감독의 엑스칼리버 (Excalibur, 1981)에서 킹 아더, 기네비아 왕비와 기사 란스롯의 삼각관계도 비극적인 사랑이다. 멜깁슨 감독의 브레이브 하트(Braveheart, 1995) 역시 스코틀랜드 용장 윌리암(멜 깁슨)은 적군인 영국 공주 이사벨라(소피 마르소)와 숙명적인 사랑을 한다. 이루어지기 힘든 사랑일 수록 더욱 강하다. 세익스 피어의 로미오와 줄리엣 역시 그렇다.

필자가 본 영화중 영웅이 여자를 멋지게 사랑했던 제일 기억에 남는 장면은, 크리스토퍼 램버트가 주연한 하이랜더(Highlander, 1986)이다. 주인공 카너는 중세 하이렌더라는 특수한 부족의 피를 받고 때어난 영웅이라 시대가 지나도 절대 늙지 않는다. 카너는 중세 아름다운 여인과 사랑과 빠진다. 그러나 그 여인의 아름다움은 잠시뿐, 카너는 다른 나라로 여행을 떠나야 되는 상황인데도 불구하고 사랑하는 여자가 늙어 죽을 때까지 그 여자를 지키다가 그 여자의 장례를 치른 후 다른 나라로 여행을 떠난다. 시간이 지나도 변치 않는 진정한 영웅의 사랑이 아닌가. ‘트로이’에서 사랑하는 여인을 위해 헌신하는 영웅 아킬레스 처럼.

영웅이 남자의 전유물은 아니다. 예수의 조상이 된 용기있는 여인 다말, 이집트의 여왕 클레오 패트라, 그리스의 최고의 지성 아스파시아, 로마법의 구원자 테오도라, 대서양 시대를 연 전략가 엘리자베스, 여성해방운동의 선구자 월스톤크래프트, 이스라엘의 건국 영웅 골다 메이어, 그리고 현대 마거릿 대처까지 여걸들도 많이 있다.

2004년 7월 24일

스파이더맨 2(Spider-Man 2, 2004)

감독: 샘 라이미

수퍼히로의 초능력과 사랑

6월 29일 ‘스파이더맨2’ 가 개봉되기 전날 밤 12시 가디나 극장에서 공개 상영전 미리 관람하는 스니크 프리뷰를 관람했다. 스니크 프리뷰를 보는것은 두가지면에서 기분이 좋다. 보통관객보다 하루먼저 영화를 본다는 우월감과 첫 프린트라 스크레치가 전혀없는 따근따근한 필름을 본다는 기분 때문이다. 그 두가지에 매력을 느끼는 거미인간 매니아들은 밤 12인데도 불구하고 극장자리들을 채우고 있었다. 영화가 끝나고 남자 관객들은 액션씬은 좋은데 로맨스 씬이 너무 길다고 했으나, 여성관객은 오히려 그 로맨스씬을 더 좋아했다.

전편보다 캐릭터의 묘사는 더 깊게, 러브 스토리는 더 달콤하게, 악당은 더 강하게 표현되었다.

수퍼히로의 사랑과 갈등, 스파이더맨인 피터 파커(토비 맥과이어)는 메리 제인(커스틴 던스트)를 너무나 사랑하기에 고백할 수 없는 상황에 처한다. 만약 자신이 스파이더맨이라고 고백할 경우 악당한테 노출되어 메리 제인은 목숨을 잃게

되기 때문이다.

사랑에 대한 신념이 약해지자 의지가 약해지고, 거미인간의 초능력마저 약해진다. 초능력은 신뢰와 믿음에서 온다. 성경에서 믿음이 있으면 이산을 저산까지 옮긴다고 했다. 예수 제자 베드로도 믿음이 있을 때 물위를 걸었지만 의심이 생기자 마다 물속으로 빠졌다. 스파이더맨도 그런 신념이 부족할 때 공중을 향해 날아가지만 건물 밑으로 떨어져 차 지붕위에 들이박아 고통스러워 할 때 안스럽고 웃기기까지 하다. 하나님이 선물한 달란트, 초능력을 받았으면 받은 만큼 공헌을 해야되는데 주인공은 그걸 포기하려고 했기 때문이다.

그러나 거미인간은 갈등 후에 달란트를 써야 된다고 의식하고 신념을 되찾을때 다시 초능력이 넘쳐난다. 되찾은 초능력은 악마를 물리치고 사랑을 되찾는다.

60년대 코믹북 원작을 보면 스파이더맨이 옷과 손목에서 발사되는 거미줄 무기들을 모두 발명한 것으로 되어있다. 그러나 그당시 관객들은 논리가 맞지 앉아도 스토리를 모두 긍정적으로 수응하고 받아 들였으나 현대로 갈 수록 젊은 층은 탄탄한 교육을 바탕으로 과학 지식과 논리가 풍부하기 때문에 스토리가 논리적으로 맞지 않으면 반응이 안좋다. 그렇기 때문에 지금 영화는 스파이더 맨의 거미줄의 발사는 파커의 발명품이 아니라 거미인간 자체 초능력에서 나온다. 일부 코믹 매니아들은 오리지널과 틀리다고 또 그 점을 싫어한다. 그러나 대중을 따라갈 수 밖에.

사람은 누구나 초능력을 꿈꾼다. 수퍼맨처럼 하늘을 날기를 원하고, 스파이더맨 처럼 벽을 기어오르고, 6백만불의 사나이처럼 초능력의 눈과 소머즈 처럼 초능력의 귀와 원더우먼 처럼 총알을 막아낼 수 있는 힘을 꿈꾼다.

그렇다고 수퍼히로들이 모두 완벽할 수는 없다. 모든 영웅들은 사랑에 약하며 신체적으로도 약점을 하나씩 가지고 있다.

2004년 7월 31일

나폴레옹 다이나마이트 (Napoleon Dynamite, 2004)

감독: 재러드 헤스

바보도 영웅이 되는 시대

‘나폴레옹 다이나마이트’ 는 선댄스 영화제를 통해 배출된 독립 저예산 작품으로 스튜디오 영화사에 픽업되어 성공한 영화중의 하나다. 올해에 들어 ‘나폴레옹 다이나마이트’ 이외에 성공한 저예산 작품으론 아메리칸 정크 푸드 햄버거를 실랄하게 비판한 다큐멘터리 ‘수퍼사이즈 미(Super Size Me, 2004)’가 있다.

‘나폴레옹 다이나마이트’는 변명답지 않은 바보에 대한 영화다. 괴짜는 ‘Geek’ 이고 ‘Nerd’는 바보 멍청이다. 이 영화에서 나폴레옹(존 헤더)은 이 두 가지를 다 가지고 있다. 우선 나폴레옹은 여자들에게 인기가 없다. 무선 외모에서 매력이 없기 때문이다. 그 예로 전쟁광 부시를 집요하게 비판한 ‘화씨 9/11(Fahrenheit 9/11, 2004)’ 다큐멘터리를 만들어 크게 성공한 마이클 모어 감독은 학창시절 뚱뚱하고 못난 외모 때문에 여자들에게 인기가 없었다고 한다.

나폴레옹은 멀대같이 큰 키에 깡말랐다. 머리는 산발한 곱슬머리로 싼 가발처럼 보인다. 커다랗고 두꺼운 안경을 쓰고 있으며 무표정한 얼굴에 입은 항상 헤하고 벌어져 있다.

이 영화에서 나폴레옹은 현실세계와 판타시 세계를 구별하지 못한다. 그는 우물쭈물 거리며 부정확한 발음으로 말하며, 말할때는 언제나 자기 방어적인 소극적인 쑥 들어가는 말투를 쓴다. 고등학교에서 완전 바보로 찍혀 조롱당한다. 물어보는 여자마다 거절을 당해 댄스파티에 함께 갈 여자도 없다. 그러나 종국에는 학회장 선거운동 프로모션에서 요상한 댄스시범을 멋지게 보여 최고의 인기를 얻게된다. 잔잔한 웃음을 선사하며 학창시절을 회상케 하는 영화다.

오하이오 프리스톤 출신으로 24살로 감독 데뷰한 재러드 헤스는 이렇게 말한다. ‘사람은 누구나 바보가 된 순간이 있다. 심지어 멋장이도 마찬가지다.’

탐 행크스가 주연한 ‘포레스트 검프(Forrest Gump, 1994)’에서 주인공은 본인의 바보성향 때문에 자기자신이 느끼지도 못한 체 그의 삶의 여정에서 미국역사를 바꾸는 중요한 인물이 된다.

바보 스타는 나폴레옹외에 윌리엄 헝(William Hung)이라는 중국계 미국인이 있다. 그는 아메리칸 아이돌(American Idol)쇼에 출연하여 노래에 재주가 전혀없다는 이유로 심사위원들에게 조롱을 받으며 예선 탈락한다. 그 순간 그 바보의 변병과 멍한 표정은 프로그래머의 눈에 들어 바보 윌리엄 헝이라는 캐릭터가 탄생하게 된다. 윌리엄 헝은 마케팅 툴로 변신하여 일약 스타로 둔갑한다.

온라인 스토어와 로컬 토이 스토어에서 GeekMan 토이 장난감 캐릭터를 살수있다. GeekMan은 마르고 검은 티셔츠에 청바지를 입고 있다. 검은 뿔테안경을 끼고 왼속에는 커피 컵이 들려있다. 허리춤에는 전자계산기가 달려있고 티 셔츠 앞 호주머니에는 연필과 볼펜이 꽂혀있다.

컴퓨터 Geek은 현대에 가면 갈수록 옛날의 Geek의 단순 의미가 아니다. 그들은 온라인 상에서 대단한 파우어를 가지고 있기 때문이다. 그들은 일부 ’또라이’ 기질을 가지고 있다. 그 또라이들은 종종 훌륭한 아티스트로 인정받을 때도 있다.

2004년 8월 7일

킹 아서(King Arthur, 2004)

감독: 안토인 푸쿠아

전설에서 역사로 살아나는 아서왕

6세기 웰쉬(Welsh)의 시인 탤라이신의 ‘아서왕’에 대한 시다.

‘Let me sing with inspiration
Of the man born of two nations,

Of Rome and of Britain…

… Arthur the blessed

Led his assault from the Great Wall…’

이 시에서처럼 어서왕(클라이브 오웬)은 로마와 영국 이중국적인으로 태어나 로마의 용병장에서 자유의 뿌리를 찾는 영국인으로 바뀌면서 그의 역사성과 정체성을 찾아간다. 이 영화는 전설적인 요소를 배제하고 있을법한 역사적 사건들을 토대로 만들었다.

존 부어맨 감독의 엑스칼리버(Excalibur, 1981)’에서 선과 악을 넘나들었던 마법사 ‘멀린’은 이 영화에선 전설의 마법사가 아니라 영국의 독립을 위해 몸과 얼굴에 파란 문신을 바른 게릴라 와즈부족의 추장으로 나온다. 얼굴에 푸른색을 칠하는 것은 ‘브레이브하트(Braveheart,1995)’에서 윌리엄 웰레스(멜 깁슨)과 비슷하다.

전설에서 처럼 아서왕이 바위에 꽂힌 엑스칼리버를 멋지게 뽑는 장면도 없다. 전설에서 존재했던 원탁은 그 위상을 잃고, 이 영화에서 고집센 이교도 원탁의 기사들은 전설상의 성배를 찾아 나서지도 않는다.

기네비어(키라 나이틀리) 왕비를 사이에 두고 아서왕과 기사 랜슬롯과의 전설적 삼각관계대신, 이 영화에선 기사 랜슬롯은 기네비어에게 마음에 사무치는 눈길을 몇번 줄 뿐이다. 추장 멀린의 딸 기네비아 역시 단지 사랑에만 머물지 않고 와즈부족의 여전사로 치열한 전투를 한다.

리들리 스캇감독의 ‘글래디에이터(Gladiator, 2000)’를 쓴 데이빗 프렌조니가 역시 시나리오를 썼으며 맥시무스(러셀 크로)가 처음에는 로마에 충성하다가 나중에는 로마 권력에 대항하는 내용은 시나리오 구성상 비슷하다.

사실성에 초점을 두고 실제적인 진짜 영웅터치를 주기 위해서 아서왕 캐스트를 거친 인상에 말수가 적은 묵직한 영국배우 클라이브 오웬이 발탁됐다. 볼프강 피터슨 감독의 ‘토로이(Troy, 2004)’에서 아킬레스 역을 맡았던 여성팬들의 우상 금발의 미남배우 브레드 피트와는 대조가 된다.

역사성을 강조하기 위하여서인지 영화의 장면은 전반적으로 거칠다.

기울어져가는 로마인들이 영국에서 후퇴하는 틈을타서 색슨족이 영국을 정복하려고 할 때 아서왕과 기사들은 영국의 원주민 와즈족들과 합세하여 그들을 물리치고 영국의 독립을 선언한다. 그리고 아서왕은 즉위하고 기네비어는 왕비가 된다.

색슨족의 리더역을 맡은 빌런 캐릭터 스텔란 스카스가드는 스웨덴 버전 크리스토퍼 월큰을 연상케 한다.

전설상의 삼각관계에서 벗어나 이 영화에서 기사 랜슬롯은 기네비어에게 마음에 추파를 몇번 던질 뿐 아무런 기승전결이 없이 마지막 전쟁터에서 허무하게 죽는다.

기네비아도 단지 전투장면에서 얼굴표정 크로즈업과 섹시한 몸매만 과시할 뿐 캐릭터가 애매모호한게 흠이다.

2004년 8월 14일

마이너리티 리포트(Minority Report, 2002)

감독: 스티븐 스필버그

미래는 어둡지만 자동차는 멋지다.

미국 박스오피스 흥행가도를 달리고 있는 블록 바스터, 다음주에 언급할 윌 스미스 주연 ‘아이 로봇(I, Robot, 2004)’를 말하기 전에 ‘마이너리티 리포트’를 안 집고 넘어갈 수가 없다. 첫째로 두 영화의 원작가들이 공상과학소설의 쌍벽을 이루는 대가들이기 때문이다.

‘마이너리티 리포트’의 원작은 필립 케이 딕으로 ‘블레이드 러너(Blade Runner, 1982), 토탈리콜(Total Recall, 1990), 페이첵(Paycheck, 2003)’ 등이 있다.

‘아이 로봇’의 원작자 아이작 아지모프의 스토리들은 ‘스타트렉’ 등 20여편 TV 영화로 만들어 졌으며 영화로는 ‘바이센트럴 맨(Bicentennial man, 1999)’과 ‘나이트 폴(Night Fall, 2000)’이 있다.

이 두작가의 작품들의 공통점은 지구의 미래를 아주 어둡고 암울하게 표현한데 있다. 그들의 미래에 대한 시각은 상당히 부정적이다.

둘째로 두 영화에 출현하는 두 종류의 자동차 디자인 역시 쌍벽을 이룬다.

미래의 인간사회는 암울하지만 상대적으로 영화에서 보는 미래의 세트나 프로덕트 들은 화려하다. 그중에서 미래 자동차들은 정말 멋지다. 특히 디자인이 멋지다. 자동차의 디자인은 인간의 미래를 알 수 있는 표상이다.

‘마이너리티 리포트’ 에서 출현하는 미래차들은 모두 ‘렉서스’이다. 근육 모양으로 뒤덮힌 형태의 디자인, 공격적인 선, 예상할 수 없는 비율, 첫눈에 앞 뒤가 구분이 가지 않는다.

자동차의 디자인은 보기 좋으나 실용성에 대한 것은 의문이다. 훌륭한 디자인은 보기도 멋있어야 되지만 테크놀로지와 어울려 실용성이 있어야 한다. 그러나 그 차들을 타보지 않는이상 실용성에 대한 것은 말하기 힘들다. 그리고 영화이기 때문에 일단 비주얼이다.

스티븐 스필버그 감독은 렉서스 SUV를 타고 다닌다. 렉서스 SUV는 할리우드에서 유명인사들에게 인기가 있는 차들중의 하나다. 교통 경찰들도 이차에게는 티켓도 잘 떼지 않는다. 렉서스의 매력때문에 스필버그 감독은 이 영화에 렉서스 디자인을 선택한것 같다.

렉서스는 이 영화뿐만이 아니라 프로모션 캠페인으로 내쇼널 TV 광고, 스크린 프로그램, 극장 디스플레이, 온라인 광고, 자동차 쇼, 전시, 딜러쉽 범위 확장까지 다양하게 사업적으로 연계시킨다.

그렇지만 ‘아이 로봇’에서 델 스프너(윌 스미스)가 타는 차는 ‘아우디 RSQ 스포츠 카’이다. 렉서스보다 디자인이 더 세련되다는 평이다. 이 자동차들은 모두 PPL(Product Placement)이다.

렉서스는 5백만불을 ‘마이너리티 리포트’ PPL에 쏟아 붇는다. 그외에 아메리칸 익스프레스, 갭, 기네스, 노키아, 리북 등 총 PPL은 2천 5백만불에 달한다. 이만큼 영화에서 PPL의 위상은 엄청나게 작용한다.

그러나 영화에 PPL이 너무 과다하면 영화적인 요소들을 해칠 우려가 있다. 스토리와 흐름에 맞는 PPL만이 환영받는다. 한국영화 ‘여자 친구를 소개합니다’ 같은 경우 PPL의 과다사용으로 영화의 흐름을 캐 아쉬움을 남긴다.

2004년 8월 21일

아이 로봇(I, Robot, 2004)

감독: 알렉스 프로야스

만약 로봇이 꿈을 꾼다면.

아무리 고도로 발달된 로봇일지라도 로봇은 기계에 불과하다. 정말 그럴까? ‘아이 로봇’을 보고나면 이런 명제들이 궁금증으로 떠오른다. 암울한 인간의 미래에 로봇은 인간의 지각능력만큼 계속 발전한다. 바로 인간이 신의 경지에 다다르고 싶듯이 말이다. 구약성경에서 구약시대 인간들은 신의 경지에 다다르기 위해 바벨탑을 쌓기 시작한다. 그들이 생각했던 신은 하늘 높은 곳에만 존재하는 줄 알았다. 그들은 오랜 기간 동안 바벨탑을 계속 쌓아 올렸다. 그러나 신은 그들이 괘씸하게 여겨 그들에게 각기 다른 언어들을 내렸다. 그 후부터 그들은 커뮤니케이션이 통하지 않아 바벨탑을 더 이상 쌓을 수 없게 된다.

만약 로봇이 꿈이 있다면 인간의 경지에 이르는 것이다. 스티븐 스필버그 감독의 ‘인공지능(Artificial Intelligence: A.I. 2001)’ 에서 꼬마 로봇 데이빗(헤일리 조엘 오스멘트)은 인간 부모에게 양자가 되어 인간 가정에 들어온다. 그는 로봇이지만 그의 마음속에서 인간의 정을 느끼고 인간이 되고 싶어한다.

‘아이 로봇’ 에서도 로봇들이 미쳐 쿠데타를 일으켜 인간을 지배 하려 하나 실패로 끝난다.

로봇을 지배하는 것은 컴퓨터 인공지능 메인 컨트롤 마더 보드이다. 바로 그 컨트롤을 통해 선과 악의 경계를 넘나드는 것이다. 뇌에서 사고하는 인간처럼 복잡하고 미묘한 감정과는 거리가 멀다.

이 영화에서 로봇은 인간에게 복종하기 위해 3개 조항이 있다. 1조는 ‘로봇은 절대 인간을 해칠 수 없다.’ 2조는 ‘1조의 위반되는 경우 외에 로봇은 인간의 명령에 복종해야 된다.’ 3조는 ‘1조와 2조에 위반되는 경우 외에 로봇은 스스로 방어할 수 있다.’

그러나 로봇들은 3조항을 역이용해 미쳐버리고 반란을 일으킨다. 모든 능력에서 월등한 로봇들 앞에 인간들은 무력한 존재가 된다. 그러나 모든 로봇이 악하게 변하지는 않는다. 수 많은 로봇 중에 하나의 로봇 ‘소니’ 만이 선한 로봇으로 끝까지 인간을 지킨다. 그는 인간처럼 윙크하며 인간 감정까지 가진 것처럼 행동한다.

만약 로봇이 꿈을 꾼다면… 그러나 이 영화에선 ‘소니’는 꿈을 꾼다. 로봇 ‘소니’가 꾼 꿈은 바로 다가오는 미래를 정확하게 예언하며 그대로 실현된다. 즉 인간을 구하고 로봇을 평정시키는 것이 바로 본인이라는 것이다.

여기서 로봇 ‘소니’의 꿈과 인간의 꿈은 비교가 된다. 인간이 꾸는 꿈은 미래에 그대로 적중하는 것이 드물다. 물론 개중에는 다른 방향으로 해석되어 적중하는 경우도 있지만 100% 그대로 꿈에서 본대로 똑 같을 수는 없을 것이다.

그렇기 때문에 꿈을 희망으로도 표현한다. 미래에 대한 희망을 100%를 성취하기는 힘들다. 그렇기 때문에 꿈이다. 그러나 로봇 ‘소니’의 꿈은 영상 그대로 정확히 시각적으로 이루어진다. 그렇다면 로봇이 꾸는 꿈은 인공지능 데이터 베이스에 의한 기억장치에 위한 반응이 아닐까?

그렇다면 만약 인간과 똑같은 두뇌를 개발하여 로봇에게 이식한다면 인간과 똑같은 꿈을 꿀 수 있을까? 그렇다고 우리는 그를 인간이라고 부를 수 있을까?

이 영화의 원작자 아이작 아지모프의 단편 작들을 보면 모두 로봇과 인간의 정신 세계의 경계와 정체성에 대한 많은 의문들을 제시한다.

2004년 8월 28일

헤롤드와 쿠마 화잍케슬에 가다(Harold and Kuma Go to White Castle, 2004)

감독: 대니 레이너

할리웃의 한국배우들

드디어 할리우드에서 동양배우의 스테레오타입을 깬 영화가 등장했다. 그동안 동양배우의 캐릭터는 무술을 하는 깽단아니면 리커스토어 주인이 고작이었다. 그러나 이 영화에서 주연을 맡은 한인배우 존 조는 그 전형적인 할리웃의 벽을 무너뜨린다.

필자가 존 조를 만난 건 첫 아시안 아메리칸 독립영화 ‘옐로우(Yellow, 1998)’를 통해서다. 그당시 그는 신인배우였다. 그후로 ‘아메리칸 파이 1,2(American Pie 1,2, 1999, 2001)’와 ‘솔라리스(Solaris,2002)’, ‘아메리칸 웨딩(American Wedding, 2003)’등에 단역으로 출연하면서 서서히 할리웃에서 발판을 다져갔다.

한국말인지 중국말 혹은 일본말인지 개념이 없는 할리웃 영화에서 한국말은 단지 노리개감에 불과했다. 액션배우 개리 다니엘 친구 중국계 배우 조지 청은 ‘스타스키와 허치(Starsky & Hutch, 2004)’에서 한국인 마약딜러로 나오는 데 취조실 안에서 “김치찌게 맛있어요” 라고 이상한 한국말을 지껄인다. 그의 아들은 경찰한테 부얶칼을 무식하게 집어던진다. 그는 어색한 한국말로 “계속 던져” 라고 한다.

‘007 다이 어나더 데이(Die Another Day, 2002)’에서도 북한장교로 출연하는 릭윤과 윌륜 리는 서로어색한 한국말로 주고받는다.

30년대 할리웃에서 최초의 한국배우 파이오니어는 도산 안창호 선생의 첫째아들 필립 안이다. 그는 초기 할리웃 영화에 주로 중국인이나 일본인 캐릭터로 등장했다. 그는 100편이상 영화와 TV에 출연했다.

60년대말 이민 1세로 할리우드에 진출한 오순택은 ‘뮬란(Mulan,1998)’등 40편이상 영화와 TV에 출연했다. 같은해 ‘옐로우’에도 출연한다.

릭윤은 007영화 이외에도 ‘삼나무에 내리는 눈(Snow Falling on Cedars, 1999)’, ‘패스트 앤 퓨리어스(Fast and the Furious, 2001)’에 출연하며 윌윤 리 역시 ‘토크(Torque, 2004)’, 일렉트라(Elektra, 2005)’에 조연으로 나온다.

릭윤의 동생 칼 윤도 ‘아나콘다스(Anacondas: The Hunt of the Blood Orchid, 2004)’에서 출연한다.

‘매트릭스(Matrix Reloaded, 2002)’에서 키 메이커로 등장하는 랜달 덕 킴, ‘주라기 공원3(Jurassic Park3, 2001)’, TV쇼 ‘엔터프라이즈(Enterprise, 2001)’에서 열연하는 린다 박, ‘퍼펙트 스코어(Perfect Score, 2004)’에 출연하는 레오나르도 남.

‘스타트렉(Star Trek: Generations, 1994)’에 재클린 킴은 독립영화 ‘샬롯테 섬타임스(Charlotte Sometimes, 2002)’에 출연한다.

‘프린세스 다이너리(Princess Diaaries,2001)’에 출연한 캐나다 출신 샌드라 오, ‘파고(Fargo, 1996)’에 출연한 스티브 박, ‘옐로우’와 ‘아이언 팜’에 출연한 찰리 천, MAD TV 코메디안 바비 리는 ‘헤롤드와 쿠마 화잍케슬에 가다’에도 출연한다.

‘진주만(Pearl Harbor, 2001)’와 ‘베터 럭 트모로우(Better Luck Tomorrow, 2002)’에 출연한 성 강, 존 조 역시 ‘베터 럭 트모로우’에 출연한다.

클로스 콜(Close Call, 2003)에 출연한 애니 리와 앤지 리 자매.

한인 액션배우들은 필립 리, 사이몬 리, 줄리앙 리, 필자의 현재 제작중인 ‘라스트 이브(The Last Eve, 2004)’의 부르스 칸, 필자의 영화 ‘퍼스트 테스트먼트’와 ‘소웁 걸’에 출연한 정종오 관장이 있다.

2004년 9월 4일

콜래터럴(Collateral, 2004)

감독: 마이클 만

한인타운에서 촬영한 영화

마이클 만은 필자가 존경하는 미국감독 거장중의 한 명이다. 그 외에 존 카사베티스, 알프레드 히치콕, 리들리 스콧, 존 세일스 감독들이 있다.

마이클 만 감독의 ‘맨 헌터(Manhunter, 1986)’는 닥터 하니발 렉터 씨리즈 중 오리지널 뿐만 아니라 최고로 인정 받는다. ‘라스트 모히칸(Last of the Mohicans, The 1992)’, ‘히트(Heat, 1995)’, ‘인사이더(Insider, The 1999)’ 등 걸작들을 감독했다.

‘히트’에서는 로버트 드니로와 알 파치노가 만나 명 콤비 연기를 했으며, 존 쿠삭 주연의 ‘런어웨이 쥬리(Runaway Jury, 2003)’에서는 진 헥크만과 더스틴 호프만의 명연기 장면이 인상 깊다.

콜래터럴은 여러 면에서 재미있다. 일단 택시운전기사 맥스(제이미 폭스)와 살인청부업자 빈센트(탐 크루스) 사이에 하루 밤 사이에 일어나는 이야기의 단선구조가 그렇다.

로스 엔젤레스의 밤의 비정하고 거친 이미지를 위해 35mm필름 대신 디지털로 촬영한 후 후반작업에서 다시 35mm로 키네 스코프 했다.

그리고 촬영을 대부분 한인타운에서 했다. 영화를 보다 보면 눈에 익은 로케이션들이 많이 등장한다. 우리들이 매일 운전하며 다니는 곳이다.

채프만 플라자가 단연 눈에 들어오고 윌셔 뒷골목이 여러 번 등장한다. 뒷 골목에서 찍은 대부분의 장면들 백그라운드에는 다운타운 고층빌딩들이 눈에 들어온다.

다운타운 고층빌딩을 백그라운드로 찍을 수 있는 샷들은 수없이 많다. 어디를 가더라도 눈에 들어오기 때문이다. 파리에서 에펠탑이 보이는 것과 마찬가지다. 그걸 볼 때 보는 각도에 따라 여러 가지 관점이 나올 수 있음을 시사한다.

윌셔 뒷골목 가운데 윌셔와 버몬에 쌍둥이 빌딩 골목에서 찍은 장면이 있다. 살인 청부업자가 갱 두명을 총으로 사살하는 장면이다. 그 로케이션은 필자가 7년전 TV CF 광고를 찍었던 곳이다. 금강안경 광고로 여자가 벤츠에 쫒기는 장면이다. 그 연기자는 한인배우 토야 조이며 필자의 데뷰 영화 ‘큐피드의 실수(Cupid’s Mistake, 2000)’에도 출연하여 열연했다.

영화 마지막 씬은 다운타운 빌딩에서 클라이맥스를 이루며 인물들이 지하철 안으로 들어가며 그 안에서 최종 액션과 함께 영화는 끝난다.

가스 스테이션에서 주인공 택시운전사가 차에 가스를 넣는 장면, 백그라운드 배경에 한글로 된 간판 ‘미용실’이 어색하게 눈에 들어온다. 이 영화 프로덕션 디자이너가 한국문화센터에서 일하는 릭 필립에게서 얻은 샘플을 확대 시킨 것이다.

영화에 나오는 나이트 크럽 내부 씬은 모두 세트다. 그 나이트 크럽 씬을 찍기 위해 많은 엑스트라들이 동원했다. 필자가 아는 배우들만해도 10여명이 그 씬에 출연했으나 영화 안에서는 아무도 알아 볼 수가 없었다.

그러나 필자의 영화 ‘소웁 걸(Soap Girl, 2002)’에서 주인공 해리의 에이젠트 겸 친구로 출연한 에릭(데이빗 머솔트)이 이 영화에서 범죄현장 경찰 단역으로 출연한다.

영화를 보며 본인이 아는 장소나 인물이 나올 때는 영화를 보는 또 다른 재미가 있다.

2004년 9월 11일

빌리지(Village, The 2004)

감독: 엠 나이트 샤말란

범죄 없는 마을

인도에서 태어나 미국에서 자란 엠 나이트 샤말란 감독은 ‘식스 센스(Sixth Sense, The 1999)’, ‘언 브레이커블(Unbreakable, 2000)’, ‘사인(Signs,2002)’, 을 만들며 메이저 감독으로 떠올라 차세대 스티븐 스필버그 라고 칭송 받는다.

샤말란 감독의 작품들은 공포와 초능력 초자연적인 소재들을 다룬다. 그의 4번째 작품 ‘빌리지’에서도 초자연과 공포를 다룬다.

첩첩산중, 시대와 장소를 알 수 없는 고립된 마을은 겉으로는 평화롭게 보이지만 공포에 떨고 있다. 전설 대대로 내려오는 빨간 괴물이 숲속을 지배하고 있기 때문이다. 그 괴물은 가끔 마을에 내려와 가축들을 약탈한다. 마을 사람들은 그 괴물 때문에 숲에 들어갈 수가 없다.

마을 사람들은 그 괴물에게 고기 덩어리를 정기적으로 재물로 바친다. 일부 영화에서 오지의 원주민들이 마을을 위협하는 괴물이나 거대한 뱀에게 어린아이나 처녀를 재물로 바치듯이 말이다.

그 마을은 괴물의 경계선을 넘지 못하도록 노란 깃발들로 경계선을 표시한다. 마을 사람들도 숲에 들어갈 때면 괴물의 습격을 받지 못하도록 노란 옷을 입고 다닌다.

괴물의 망토 빨간색은 공격을 마을 사람들의 노란색은 방어를 나타낸다. 샤말란 감독은 이와 같은 칼라 대조로 영상을 이끌어 나간다.

클라이맥스 부분에서 숲속에서 노란 옷을 입고 쫓기는 봉사 소녀와 그녀를 죽이려 공격하는 빨간 망토의 괴물과의 추격전 영상대비가 흥미롭다.

샤말란 감독의 작품들의 특징은 모두 강한 반전으로 클라이맥스를 맺는다. 그러나 ‘빌리지’에서는 반전이 전 작품들에 비해 좀 약한 느낌이 든다.

그 마을의 미스터리 괴물은 모두 그 마을의 노장들이 모두 만들어 놓은 연극임이 밝혀진다. 도시생활에서 범죄에 충격을 받은 멤버들이 모여 그룹을 결성, 국립 공원 안에 들어가 모든 속세와 인연을 끓고 새로운 범죄 없는 마을을 설립한 것이다. 그 멤버들은 가족이 번성하고 젊은 세대들이 그 마을 벗어날 수 없도록 그런 연극을 한 것이다. 반전은 약하지만 자연에의 귀화사상 메시지는 강하게 들어가 있다.

그러나 아무리 그렇게 자연 안에서 문명의 이기와 인연을 끊고 산다고 범죄가 없는 완벽한 세상이 될까? 이 영화에서 젊은 남자 정신병자는 사랑에의 질투로 주인공 남자를 칼로 찌른다. 완벽함을 추구하던 마을에 범죄가 발생한 것이다. 인간이 많고 적든 간에 사회를 이루고 사는 한 범죄는 존재함을 암시한다.

주인공은 사경을 헤매고 그를 사랑하는 봉사 소녀는 약을 구하러 숲을 통과하여 다른 마을을 향해 떠난다.

샤말란 감독은 자기가 연출한 작품에 항상 출연한다. 물론 단역이나 엑스트라다. 그러나 이 영화에선 아주 미묘하게 살짝 출연한다.

숲에서 나온 봉사소녀를 발견하는 국립공원 패트롤은 소녀에게 약을 갖다 주려고 관리 사무실에 들어와 상관 몰래 약품선반을 살짝 연다. 그 순간 유리에 반사되는 이미지, 신문을 보고 있는 그의 상관. 그가 바로 샤말란 감독이다.

알프레드 히치콕 감독이 항상 이런 방식으로 자신의 영화에 출연했었다.

2004년 11월 1일

41. 빅 피쉬(Big Fish, 2003)

감독: 팀 버튼

진실과 과장

영화 끝부분에 아버지 에드(Albert Finney)가 임종을 하며 아들 윌(Billy Crudup) 한테 유언을 하는 장면은 이 영화에서 절정을 이루는 부분이다. 그동안 어버지의 과거사를 모두 허풍으로 믿었던 아들은 아버지의 소원대로 그가 죽는 순간에 아들식의 과장법으로 장례식 장면을 이야기 해준다. 아들이 늘 들어왔던 아버지가 과거에 만났던 인물들을 모두 장례식에 참여시킨다. 15 피트 거인, 샴 쌍둥이(siamese twins) 자매, 늑대인간인 서커스 단장 등등…
아버지가 사망한 후 장례식 할 때, 아들은 그동안 아버지가 말해왔던 인물들이 모두 장례식에 모이는 것을 본다. 그러나 15 피트 거인은 보통사람보다 약간 큰 7 피트의 남자, 몸이 붙었던 자매는 단지 쌍둥이 일 뿐이다.
여기서 누가 과장이었고 진실이었나를 생각하게 한다. 아버지가 진실로 얘기했는데 아들이 과장해서 들었는지, 아니면 아버지가 좀 과장하여 얘기했는지.
판타시의 천재감독 팀 버튼은 이 영화에서 감독의 판타시와 현실 세계의 벽을 놓고 고민한 흔적이 보인다.
홍수를 만난 후 물속에서 인어를 보고 나중에 그차가 나무 꼭대기에 걸려있는 장면은 누구나 쉽게 접할 수 있는 있는 꿈의 세계다.
영화 앞부문에서 주인공이 어릴 때 본 유리눈을 통해 미래를 보여준마녀, 그리고 그 동네에 마녀별명을 가졌던 고양이 수집가 소녀가 성장한 후 쓰러져가는 집에 사는 처녀는 같은 인물(Helena Bonham Carter)이다.
심볼리즘을 잘 이용해 판타시와 현실, 부자관계를 따뜻하게 소화해 낸 영화다.
샴 쌍둥이로 출현했던 아다와 아린 자매(Twin sister of Ada and Arlene Tai)는 필자가 2년전 레단도 비치 친구 스티븐의 집 파티에서 만났던 배우들이다.
한가지 아쉬웠던 장면은 청년 주인공 에드(Ewan McGregor)가 스파이로 중국 군사기지에 잠입해서 그들이 공연하는 도중에 기밀 서류를 빼내는 장면이 있는데, 에드가 그들 사무실 안에 들어갔을 때 갑자기 장교 두명이 북한말(사투리가 없는 한국말)을 하더니 에드를 보고 이상한 쿵후 자세를 잡는 장면은 오버다. 게다가 비밀문서에 중앙일보 글씨가 보이기도 했다.

2004년 12월 4일

42. 나비효과(The Butterfly Effect, 2004)

감독: 에릭 브레스

과거를 바꾼다면

제목을 보는 순간 윤회사상이 들어간 영화임을 짐작할 수 있었다. 주인공 이반(Ashton Kutcher)은 여러 형태의 현재의 자기자신과 주위 사람들과 환경이 마음이 들지않아 과거를 계속 바꾸어 보지만 과거를 바꾸면 바꿀수록 더욱 악화만 되어간다. 주인공의 과거를 바꾸고자 하는 욕망을 제일 강하게 불러 일으키는 것은 바로 그가 사랑하는 여자 케일리(Amy Smart)다.
현재 이반은 케일리와의 사랑을 성취하고 싶지만 운명은 뜻대로 되지않고 어긋나 이반은 계속 과거를 바꾸어 본다.
이반은 자기 욕심대로 현재 자기자신을 훌륭한 캐릭터로 변하도록 과거를 바꿀수록 주위 사람들, 친구들과 케일리는 비참해진다. 친구는 정신병자가 되고 케일리는 창녀로 까지 변해있다.
이반은 그 현재가 싫어 다시 과거를 바꾸자 이번에는 본인 이반이 두팔을 잃은 장애자가 되어있고 친구와 케일리는 서로 사랑하는 사이가 된다.
다시 과거를 바꾸는 이반, 그러나 현재는 그의 만족대로 되지 않는다
결국 현재 케일리를 행복하게 하기 위해서 이반은 다시 또 과거를 바꾸나 현재 이반과 케일리는 남남이 되어 그저 모르는 사람들로 뉴욕 거리를 그저 스치고 지나간다.
그러나 디렉터스 컷은 끝부분이 완전이 다른 버전이다. 이반은 아예 태아로 있을 때 어머니 배속에서 탯줄로 그의 목을 감고 자살한다. 아예 현재 본인의 존재를 말살시키는 것이다.
스튜디오 버전과 디렉터의 컷중에서 어느것이 좋은지 관객들의 의견이 팽배하다.
과거를 바꾼다면 현재의 내 모습은 어떤 모습일까? 과거 중요했던 순간들, 중요한 진로를 결정을 내려야 했던 순간들, 중요한 사람을 선택 했던 순간들…. 그순간에 다른 방향으로 진로를 바꾸었고 다른 사람을 선택했다고 가정해보자. 그렇다면 지금 현재 내 모습은 어떻게 변해 있을까. 현재 상태보다 좋은 상황에 있을까? 아니면 더 비참해져 있을까?
우리들의 인생도 나비효과와 같은 영화인생이다. 특히 과거에 사랑했던 사람과 계속 인연이 되어 현재까지 왔다면 과연 그 사랑은 여전한가.
아니면 과거의 사랑했던 사람과 인연이 되지않아 현재 남남이 되어 있다면 그 아름다운 추억만 간직하며 사는 것이 더 행복할까?

2004년 12월 9일

43. 피아니스트의 전설(The Legend of 1900, 1998)

감독: 주세떼 토르나토레

피아노와 유리

이 영화에서 인상이 남았던 장면이 있다. 첫째 장면은 피아노 경연대회다. 천재 피아니스트 주인공 대니 부드맨(팀 로스)은 1900년에 태어났다고 하여 "1900"라고 불리게 된다. 대니는 그 당시 미국 재즈 피아니스트 젤리 몰 모튼과 피아노 치기 시합을 한다. 이 장면을 위해 천재 피아니스트 역을 맡은 팀 로스는 실재로 연주하는 리얼리티 모션을 살리기 위해 촬영 1년전부터 혹독한 연습을 했다.
재즈의 대가 젤리의 피아노 치는 솜씨에 관중들은 열광을 한다. 대니는 계속 장난을 치다가 마지막 곡에서 혼신을 다해 피아노를 친다. 손가락이 20개로 변하고 얼굴은 땀으로 범벅이 된다. 피아노를 다 치고나자 관객들은 모두 얼어버린다. 피아노 선에 담배를 대자 불이 붙는다.
관객들이 정말로 감동을 받았을때는 관객의 반응은 열광보다 얼어버리는 것이다. 극장에서도 마찬가지다. 관객들은 시원챦은 영화를 본 후에는 영화가 끝나기도 전에 투털거리며 극장을 나간다. 그러나 정말 감동받은 영화는 엔딩 자막이 다 올라갈 때 까지도 묵묵히 앉아있는 것이다.
이 영화의 엔딩 크레딛에 흘러 나오는 "Last Boys Calling"은 엔니오 모리코네가 작곡한 곡에 핑크 플로이드를 이끌었던 로저 워터스가 가사를 입히고 직접 불렀으며, 아련하게 흘러나오는 기타 솔로는 에드워드 반 헬렌의 연주이다.
두번째 장면은 대니가 아름다운 여인을 보며 피아노를 치는 장면이다. 대니는 선박안에서 음반을 내기위해 제작자에게 압박을 받고 있던 중 유리창 너머로 보이는 아름다운 여인을 발견하는 순간 손가락이 움직이기 시작한다. 그 유리는 안에서는 볼 수 있지만 바깥에서는 볼 수 없는 것이다.
그 장면에서 주인공의 철학을 읽을 수 있다. 주인공은 비록 평생 배안에 살고 있으며 육지에 발을 내딛은 적이 없다. 배안에 갇혀 있다고 보지만 그는 바깥세상을 전부 볼 수 있는 것이다. 즉 속세를 깨우쳤기에 세상에 나가지 않는 것이다. 그러나 세상의 보통사람들은 그를 이해하지 못한다. 즉 그 유리처럼 그가 속해있는 진리의 세계를 볼 수 없는 것이다. 그렇다면 안과 밖이 시점에 따라 틀리게 볼 수 있을 것이다. 그렇다면 그의 관점에서 그의 세계인 배안은 세상보다 더 넓은 것이다. 결국 대니는 배의 폭발과 함께 운명을 같이 한다.

2004년 12월 14일

저수지의 개들(Reservoir Dogs. 1992)

감독: 퀸틴 타렌티노

프레쉬 백

타렌티노의 영화들은 모두 카피에서 출발한다. '저수지의 개들' (Reservoir Dogs)은 홍콩영화 주윤발 주연의 'Long hu feng yun (1987) aka City on Fire'를 카피했다.
캐릭터의 설명, 스토리 구성을 먼저 현재 시간부터 보여준다. 즉 결말부터 보여 준 다음 왜 그랬는지 설명을 프레쉬 백(Flashback)를 이용한다. 프레쉬 백을 아주 잘 이용하는 감독중의 하나다. 프레쉬 백을 잘 이용하는 거장 감독이 있다. 바로 아키라 구로자와 감독이다. 타렌티노는 구로자와 감독의 프레쉬 백을 카피했다고 고백한다.
영화는 어짜피 카피의 연속이다. 헐리우드 영화의 모든 장르와 기법들은 1980년대에 이미 다 나와 버렸다. 그 후에 나온 영화들은 모두 기법만 복잡해졌을 뿐 더 이상 새로운 것이 없다. 그렇기 때문에 리메이크가 범람하며 서서히 동양적인 소재에 눈을 돌리는 것이다.
카피를 하는 것이 이슈가 아니라 그 카피를 이용하여 어떻게 자기 것으로 소화하여 만들어 내는 것이냐가 중요한 것이다. 타렌티노의 '저수지의 개들'은 카피한 영화임이 명백하나 타렌티노 특유의 색깔을 집어넣어 크게 성공한 영화다.
몇가지 특이한 점들을 보면, 캐릭터들의 이름을 색깔로 정리했다.
이름뿐만이 아니라 캐릭터들의 성격까지도 색깔로 아주 잘 나타냈다.
캐릭터들이 서로 좋은 이름을 가지려고 말싸움을 하는 유머스런 장면이 있다.
여자 캐릭터가 전혀 등장하지 않는다. 제목 그대로 저수지의 개들, 즉 암흑가의 갱들을 더 부각하기 위해 등장인물의 단순구도를 그렸다.
그 심플 구성은 로케이션에서도 보인다. 전체 로케이션이 10군데도 체 되지 않는다. 그렇지만 100군데가 넘는 장소보다 더 힘이 있다.
타렌티노는 언어의 마술사다. 야부리 깐다, 즉 농담을 모르면 갱이 될 수 없고 타렌티노 영화안에 낄 수가 없다. 주인공 언더커버 캅이 갱단에 스파이로 잠입하기 위해 깽단이 좋아하는 농담들을 연습하는 장면은 실제 배우들이 오디션을 준비하는 과정과 다를 바 없다. 타렌티노 감독 스스로도 말이 정말 많은 감독이다. 그와 시간을 보낸 사람들은 그의 끊임없는 야부리에 모두들 녹초가 되곤한다.

2004년 12월 19일

스카페이스 (Scarface, 1983)

감독: 브라이언 드 팔마

마음의 상처

"스카페이스"는 1932년 폴 무니(Paul Muni)주연의 하워드 혹(Howard Hawks)의 영화를 1983년 알파치노(Al Pacino)를 주연으로 브라이언 드 팔마(Brian DePalma)감독이 1980년대 피델 카스트로(Fidel Castro)의 정치적 목적아래 미국으로 이민 온 쿠바 범죄자 난민들을 백그라운드로 리메이크를 한 폭력영화다.
1980년 5월 카스트로는 미국 쿠바 미국 이민자들의 가족상봉을 이유로 Mariel Bay항구를 오픈하나 그의 정치적 술수는 쿠바의 범죄자들을 미국으로 이민시키는데 있었다. 쿠바 125,000명이 그당시 미국에 왔으나 그중 범죄기록이 있는 자는 25,000명이나 되었다.
이 영화에서 그 범죄자중의 한명 안토니오 몬타나(Al Pacino)는 경찰서 조서실에서 그의 얼굴에 난 상처를 통해 범죄자였음을 시사한다. 안토니오(토니)는 아메리칸 드림(?)을 꿈꾸며 마약의 제국을 세우며 갑부로 둔갑하기 위해 어떤일이든 서슴지 않는다. 토니는 어느정도 돈을 번 후에 오랜만에 어머니와 여동생 지나(Mary Elizabeth Mastrantonio)를 방문한다. 어머니는 더럽게 돈을 벌고있는 토니를 문전박대하나 지나는 반갑게 맞이한다. 지나는 토니의 마지막 남은 희망이자 그의 인간내면에 깔려있는 선한쪽의 분신이다. 자기와는 정반대로 그녀가 깨끗하게 성장하기를 기대한다. 그의 기대는 점점 심해져 지나의 데이트까지 관여한다. 지나를 찝적대는 놈들은 모두 적으로 상대한다. 그러한 집착은 광기로 이어져 파트너이자 오랜 친구인 매니(Steven Bauer)가 지나와 사랑에 빠져 몰래 결혼하자 토니는 매니를 죽이는 비극까지 초래한다.
토니는 부와 권력, 아름다운 아내 엘비라(Michelle Pfeiffer) 모든걸 성취했으나 남은 것은 마음속에 공허뿐.
스카페이스는 얼굴의 상처뿐이 아니라 마음속 깊숙히 빅힌 상처이다. 토니는 그 상처를 가지고 있기에 동생 지나만은 그 상처를 주고 싶지 않은 것이다. 자기는 나쁜짓 하더라도 자기 자식만은 선하게 성장하길 바라는 것이 그러한 인간의 근성이다. 일종의 보상심리다. 스카페이스는 그러한 인간의 욕심과 타락, 보상심리를 잘 나타낸 영화다. 바로 인간의 모순을 잘 드러낸다.

2004년 12월 26일

더 아워스 (The Hours, 2002)

감독: 스테판 달드리

여성작가

이 영화는 버지니아 울프(Virginia Woolf)의 백그라운드를 바탕으로 세 여성의 인생을 시간과 공간을 초월하여 내면세계를 표현한 작품이다. 1923년 Virginia Woolf (Kidman)는 그녀의 소설 `Mrs. Dalloway'를 쓰고 있다. 'Mrs. Dalloway'의 원래 제목이 'The Hours'였다.
1951년 Laura Brown (Moore)는 'Mrs. Dalloway' 소설을 읽고 있고, 2001년 Clarrisa Vaughn (Streep)는 울프의 소설속에 인물로 살고 있다. 이 이야기는 세 여성이 하루동안 일어나는 일로 그들 자신들의 삶의 고뇌와 그들 주위의 사람들과 공유하며 세 여성의 인생을 버지니아 울프는 글을 쓰면서, 라우라 브라운은 읽으면서, 클라리사 본은 직접 체험하면서 그들 나름대로의 인생의 공통분모를 찾아간다.
이 영화를 보면서 대표적 여성주의자인 작가 버지니아 울프의 고독, 우울증과 고뇌를 일부 볼 수 있다.
버지니아 울프는 '역사적으로 훌륭한 여성 아트스트들은 왜 많이 존재하지 않는가?" 라고 불만을 토로했고, A Room of One's Own 에서 "여성이 소설을 쓰려면 돈과 그녀 자신만의 룸이 있어야 된다."고 주장했다. 그녀는 두개의 전쟁이 여성의 역사를 바꾸었다고 했다. 나이팅게일 (Florence Nightingale)이 참전한 크림(Crimean)전쟁과 여성들에게 참정권을 부여하게된 유럽전쟁(the European War)이다.
그리고 역사적 최고의 여성인물들로는 BC 625년 그리스의 여류시인 샤포(Sappho), 973년 일본 여류작가 무라사키(Lady Murasaki), 1818년 출생한 폭풍의 언덕(Wuthering Heights, 1847)의 작가 에밀리 브론테(Emily Bronte)를 손꼽았다.
울프는 세계 2차대전 기간동안 고통의 나날을 보냈으며 1941년 결국 정신병에 시달리다가 차가운 강물에 몸을 던져 자살한다. 그녀는 수영을 아주 잘 했음에도 불구하고 그녀는 용감하게 그 자살을 선택한다. '어떻게 하면 당신처럼 글을 잘 쓸수 있나'는 질문에 그녀는 '항상 일기를 쓰라'고 했다고 한다. 이 영화 이외에도 버지니아 울프의 원작 울란도(Orlando)가 1992년 영화로 만들어 졌다.

2005년 1월 2일

47. 28일 후(28 DAYS LATER, 2004)

감독: 대니 보일(Danny Boyle)

호러 영화

대니 보일 감독의 '28일 후'는 호러영화를 단지 시각이나 음향을 이용하여 순간적인 말초신경을 자극하여 공포를 느끼게 하는 차원을 떠나서 캐릭터와 주제에 의미를 부여한 영화다.
The Day of the Triffids(1962), The Omega Man(1972), 조지 로메로(George A. Romero's Dawn of the Dead" - USA, 1978)과 Night of the Living Dead(1968), 2004년 리메이크 버전 Dawn of the Dead, 이 영화들의 스토리와 스타일을 모두 짬뽕하여 만들었다.
미국은 호러영화팬들이 많이 있다. 그만큼 호러영화들도 많이 있고 지금도 계속 호러영화들이 만들어지고 있다.
공식적으로 알려진 호러영화들을 보면 고전 몬스터(Classic Monster) 부분만 보더라도 1909년 사일렌트 필름(Slient Film) 'Vampire of the Coast'의 시작으로 프랑켄쉬타인(Frankenstein) 영화 50편, 웨어울프(Werewolves) 영화 70편, 뱀파이어/드라큘라(Vampires/Dracula) 영화가 300편, 마녀(Witches) 영화들이 60편, 닥터 재클과 미스터 하이드(Dr. Jekyll and Mr. Hyde)영화가 40편, 머미(Mummies)영화들이 80편, 잠비(Zombies)영화들이 70편 정도이다.
여기에 릴리스가 안된 비공식 영화를 합친다면 엄청난 숫자가 된다. 단지 몬스터 부분만 예를 들었을뿐 이외에 공포의 동물과 곤충(Animals and Insects - 설인(Cryptozoology), 공룡(Dinosaurs), 고질라(The Godzilla Clan), 원숭이(Apes), 거미(Spiders) 등등…
다른 종류의 괴물들 외계인(Aliens), 로보트와 기계(Robots & Machines), 카니발(Cannibals), 인형(Dolls of Death), 악마광대(Evil Clowns), 연쇄살인범(Psychopathic Killers), 어둠의 그림자(A Dark Shadows Gallery), 컨템퍼러리 호러(Contemporary Horror)까지 다양하다.
미국 호러영화 베스트 텐을 보면, 1)샤이닝(The Shinning), 2)이블데드(The Evil Dead), 3)나이트 메어(Nightmare on Elm Street), 4)헌팅(The Haunting 1963), 5)할로윈(Holloween), 6)에일리언(Alien), 7)죽음의 새벽(Dawn of the Dead), 8)새벽의 죽음(Dead by Dawn: Evil Dead 2), 9)사이코(Psycho), 10)엑소시스트(Exorcist) 이다.

January 07, 2005

48. 투모로우(The Day After Tomorrow, 2004)

감독: 로랜드 에머리치(Roland Emmerich)

수나미(tsunamis)와 헐리우드 영화들

2005년 1월 7일 금요일, 인도네시아의 지진으로 인한 수나미(tsunamis)피해로 보고된 인명피해가 오늘 4,000 명이 추가로 늘어나 현재까지 총 145,000명이 사망하였다고 인도네시아의 정부가 보도했다.
'투모로우(The Day After Tomorrow)' 에서는 지구의 재앙이 지구의 표면 온도 상승에 기인한다. 그 결과로 하룻밤만에 북극이 꽁꽁 얼어버리고, 연쇄적인 수나미(tsunamis)가 뉴욕을 강타하여 하루만에 뉴욕커 몇백만명 인구가 다양한 인종 색상의 얼음조각들로 변해 버린다. 계속 거대한 홍수와 수나미(tsunamis), 허리케인, 회오리 바람으로 할리우드 사인과 자유의 여신상은 모두 빙하시대 전유물로 변한다.
존 카펜터의 L.A. 탈출(John Carpenter's 'Escape from L.A., 1996)'에서는 신의 분노로 저주받은 도시 로스 엔젤레스는 거대한 지진과 수나미(tsunamis) 로 도시가 파괴된다. 그 와중에도 카펜터 감독의 도시는 여전히 엘에이다. 히피들의 나이트 클럽, 운전중 총격, 거리 섹스, 죽음을 담보로 하는 농구경기, 그리고 서퍼들(surfers)은 수나미(tsunamis) 의 파도를 이용, 윌셔 거리에서 파도타기 한다.
'딥 임펙트(Deep Impact, 1998)', 거대한 혜성이 지구에 떨어져 거대한 수나미(tsunamis) 가 맨하탄 도시를 삼켜버린다. 뉴 멕시코에 소재한 로스 알라모스 천문대 과학자들은 만약 3마일 지름 크기의 혜성이 대서양 한 가운데 떨어진다면, 거대한 수나미(tsunamis) 가 북미 동해안 애팔래치아 산맥과 유럽쪽에는 프랑스와 포루투칼 해안까지 삼킬 것이라고 추정하고 있다.
'007 다이 어나더 데이(Die Another Day, 2002)'에서 제임스 본드는 자동소총을 난사하는 대신에 주먹으로 적을 갈기며, 헬리콥터를 조종하며, 수나미(tsunamis) 로 파도타기 한다. 고전미를 전혀 찾아볼 수 없는 제임스 본드이다.
필자의 영화 '라스트 이브(The Last Eve, 2005)'에서도 아담과 이브의 해후 장면에서 백 그라운드로 거대한 혜성이 로스 엔젤레스 다운타운 한복판으로 떨어진다. 그후에 수나미(tsunamis) 현상은 예산초과로 제작에서 제외되었다.

2005년 1월 8일

49. 이터널 선샤인(Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004)

감독: 마이클 곤드라이, 스토리 찰리 카프만(Charlie Kaufman)

추억 지우기

이영화 특이한 제목은 알렉산더 퐆(Alexander Pope (1688-1744)의 시 Eloisa to Abelard에서 인용했다. 이시는 찰리 카프만의 전 영화 'Being John Malkovich(1999)'에서도 사용됐다.
이 영화는 어떻게 우리들의 기억을, 우리들이 원하는 방향으로 바뀌기를 원할 때 아니면 우리들의 마음을 통하여 일어났던 기억들을 보며 종종 바꿀 수 있음을 시사한다. 우리는 그러한 기억들이 그대로 기록할 수 있는 캠코더가 아니다.
만약 이 영화가가 카프라의 이론을 근접하게 따라갔으면 좀 더 강했을 것이다. 카프라(Franz Kafka)의 단편 "The Metamorphosis"에서 어느 셀러리맨은 여행중에 하루밤을 지내고 다음날 일어나니 자신이 거대한 갑충으로 변해있음을 알아차린다. 그의 가족과도 언어가 불통되지만 그는 그들을 이해한다. 이 이야기는 그를 둘러싸고 있던 세상과 멀어지며 그가 나락으로 떨어지는 정체성을 잘 드러내주고 있다. 카프라의 이론은 우리가 불가능한 일들(인간이 곤충으로 변하거나 이 영화처럼 기계로 기억력을 지워버리거나)을 받아들일 때는 그 이론들이 완벽하게 자연스럽고 평범해야 된다는 것이다. 불가능한 일들이 전제로 받아드려 질때는 그것들의 결과가 정확한 이론과 현실성에 바탕을 두고 따라가줘야 한다는 것이다.
기억력을 지우는 소재는 '마이너리티 리포터'의 원작자 핍립 딕(Philip K. Dick.)의 "Total Recall"의 "We Can Remember It For You Wholesale" 에서도 묘한 꿈의세계, 악몽과 정신착란, 불안감을 볼 수 있다.
찰리 카프만이 좋아하는 작가 스테판 딕슨(Stephen Dixon)의 "The Play and Other Stories" 단편 "The Letter" 에서 초현실주의 적 느낌을 참고할 만 하다. 카프만의 훌륭한 시나리오, 곤드라이 감독의 뛰어난 비주얼 작업 이외에도 짐 케리와 케이트 윈슬렛은 부분 즉흥연기로 사랑과 이별, 고통을 사실감 있게 연기해 현실감을 더해 주었다.
퍼즐타입의 영화들이다; Being John Malkovich(1999), Adaptation(2002), Donnie Darko(2001), Memento(2000), Cube(1997), Vanilla Sky(2001), Open Your Eyes(1997), Naked Lunch(1991), Eraserhead(1977)…

50. 네온 바이블(The Neon Bible, 1995)

감독 테렌스 데이비스(Terence Davies)
원작: 존 케네디 툴 (John Kennedy Toole)

예술가와 어머니

영화 "사이드웨이(Sideways, 2004)"에서 주인공 마일스(Paul Giamatti)는 출판사로부터 자신이 쓴 소설이 출판 거절을 당해 낙심해 있다. 그의 친구 잭(Thomas Haden Church)은 그를 위로하기 위해 작가 '존 케디니 툴' 이름을 말한다.
1969년에 존 케네디 툴은 "쥐의 똥구멍을 꿰멘 여공 - 바보들의 결탁" 이라는 책을 썼다. 이 제목은 조너선 스위프트의 다음과 같은 말에서 착상했다. "어떤 진정한 천재가 이 세상에 나타났음은 바보들이 단결해서 그에 맞서는 걸 보면 알 수 있다."
존 케네디 툴은 자기가 쓴 소설을 출판해 줄 출판사들로부터 거절을 당하자, 낙심하여 서른두 살에 자살을 한다. 하늘이 무너지는 고통으로 아들의 시신 발치에서 그의 원고를 발견한 그의 어머니는 그 글을 읽어 보고 나서 자기 아들이 인정을 받지 못한 것은 부당하다고 생각했다. 그의 어머니는 아들의 출간을 거절한 출판사를 찾아가 사무실에서 농성을 벌였다. 그녀는 샌드위치 하나로 끼니를 때우며 뚱뚱한 몸으로 사무실의 출입구를 막았다. 츨판사 사장은 자기 사무실에 드나들 때마다 힘겹게 그녀를 넘어 다녀야 했다. 사장은 그 농성이 오래가지 않으리라고 예상했으나 툴의 어머니는 끈질기게 버텼다. 출판사 사장은 결국 두 손을 들고 그 원고를 읽어 보겠다고 약속했다. 그렇지만 그 원고가 좋지 않다고 판단되면 출간하지 않겠다고 미리 쐐기를 박았다. 그 사장은 그 원고를 읽어보고 놀랐다. 훌륭한 작품이었기 때문이다. 드디어 그는 그 원고를 출간했다. 그 책이 바로 "바보들의 결탁" 이다. 그 작품은 퓰리쳐 상까지 받는다.
1년 후 이 출판사는 툴의 다른 소설 "네온 바이블"을 출판한다. 바로 그 원작으로 이 영화가 만들어진 것이다.
자기의 유일한 소설 조차 출간해 줄 출판사를 찾지 못해서 자살한 사람이 어떻게 계속 소설을 낼 수 있었던 것일까? 그 출판인은 존 케네디 툴이 살아 있을 때 그를 발견하지 못한 것이 너무나 아쉬웠던 나머지, 툴의 책상 서랍을 뒤져 거기에 있던 단편소설은 물론이고 학창 시절의 작문까지, 그의 모든 글을 모아서 계속 출간하였다. 그의 어머니의 헌신과 사랑이 아니였더라면 이 예술가의 작품들은 종이 쓰레기로 영원히 묻혀 있었을 것이다.

51. 사이드 웨이(Sideways, 2004)

감독: 알렉산더 페인(Calexander Payne)

샤토 슈발 블랑(Chateau Chavel-Blanc)

이 영화를 통해 와인과 인생을 다시금 생각하게 하며, 이 영화를 보고나면 사랑하는 사람과 와인을 한잔 마시고 싶어진다. 이영화 '사이드웨이'는 미국 캘리포니아 세계적인 와인 농장이 있는 산타 바바라(Santa Barbaba) 와인지대를 가로지른다.
결혼 10주년 기념일에 따려고 67년산 '샤토 슈발 블랑(Chateau Chavel-Blanc)'을 아껴두는 마일스(Paul Giamatti)는 늘 행복을 유예하다 아내에게 버림받는다. 산타바바라 와인 여행중에 그는 이혼녀 마야(Virginia Madsen)를 만나 사랑에 빠진다.
포도 속에 삶을 따뜻하게 관조하는 마야는 말한다. "전 와인의 삶을 찬미해요. 한 생명체가 포도밭에서 익어가는 모습. 그다음엔 햇볕과 비가 내리고, 오랜 숙성을 거쳐 오랜 세월 죽어간 사람들의 모습이 보이죠. 언제 마셔도 다른 맛을 느끼게 하고, 최고의 맛을 선사한 후에 생을 마감하죠."
마야는 마일스에게 "그 와인을 따는 순간이 특별한 날"이라고 조언한다. 영화의 마지막 부분, 패스트푸드점에서 햄버거에 홀로 샤토 슈발 블랑을 곁들이는 순간 마일스는 비로소 과거 사랑의 상처로부터 벗어난다. 그리고 새로운 사랑 마야를 찾아간다.
영화에서 언급되는 모든 와인들은 다음과 같다.

1) 샤토 슈발 블랑(Chateau Chavel-Blanc): 메독과 생테밀리옹(Saint-Emilion) 등 유명 와인 산지인 프랑스 물의 도시, 보르도 지방의 산물이다. 1955년 생테밀리옹이 뒤늦게 이 지역 자체의 포도주 등급을 갖게되자 샤토 슈발 블랑은 또다른 와인 명가인 샤또 오손(Chateau-Ausone)과 더불어 최상의 등급을 받게 되었다. 프리미어 크뤼 'A' 의 등급을 받았다.
도대체 슈발 블랑의 향은 어디에서 연유하는 것일까. 그건 만들 때 사용되는 포도의 배합이 전혀 다르기 때문이다. 브랜딩에 사용되는 포도의 주품종은 까베르네 프랑(Cabernet Franc)으로서 60%에 달하며, 그 뒤를 이어 메를로 느와(Merlot Noir)가 37%, 꼬(Cot)가 2%, 그리고 까베르네 소비뇽(Cabernet Sauvignon)이 1%를 차지한다.
여기서 눈 여겨 볼 점은 까베르네 프랑이다. 보르도에서 와인을 만들 때 까베르네 프랑은 조연에 불과하다. 까베르네 소비뇽과 메를로의 맛을 받쳐주면서 와인에 짜임새를 갖춰주는 역할을 하고, 섬세한 향을 만들어주는 게 까베르네 프랑의 역할이기 때문이다. 하지만 슈발 블랑에서 만큼은 까베르네 프랑이 아리따운 히로인처럼 주연을 맡는다. 보르도의 다른 어떤 샤또도 슈발 블랑 만큼 까베르네 프랑을 많이 쓰지 않는다. 그리고 신기하게도 까베르네 프랑은 슈발 블랑에서만 그 맛이 정점에 달한다.
이 영화 끝부분에 마일즈가 햄버거 식당에서 몰래 마신 1961년 샤토 슈발 블랑(Chateau Cheval Blanc)은 경매에서 가격은 $1,295 - $1,820.

2) 피노 누아(Pinot Noir): 카베르네 쇼비뇽과 함께 최상급으로 인정받는 피노, 영화속에서 주인공 마일스는 카베르네 쇼비뇽은 척박하고 오염된 땅에서도 품종자체가 워낙 강해서 성장이 잘되지만, 피노 누아 품종은 껍질자체가 얇아 매우 민감하며 오염되지 않은 청정지역에서, 포도 재배자들의 세심한 보살핌과 노력으로만 결실을 맺을수가 있기때문에 자신은 이러한 포도재배자들의 피와땀 그리고 노력의 결실로 탄생한 피노 누아 품종을 최고로 여긴다는 것이다.
작황이 뛰어난 해의 피노 누아 는 비단처럼 매끄러운 식감으로 와인 애호가의 마음을 사로잡지만, 형편없을 때에는 body가 너무 진하거나 별다른 맛을 느낄 수 없다. 숙성을 하지않은 고급 피노 누아 와인 에서는 달콤한 여름 과일의 향을 느낄 수 있고 최고급 와인은 숙성을 통해 송로, 아금류,낙엽 썩는 냄새 등 복합적인 아로마 를 풍긴다.
최근에는 피노 누아 를 재배하는 곳이 상당히 많아졌다.
피노 누아의 원산지는 프랑스의 부르고뉴이다. 피노 누아 재배에 새롭게 뛰어든 전세계 와인 회사들의 목표는 볼네이(Volnay)나 보네로마네(Vosne-Romanee) 같은 위대한 부르고뉴 레드 와인의 맛을 재현하는 것이다.
피노 누아 는 전세계적으로 가장 재배하기가 까다로운 품종이다.
제대로 꼼꼼하게 살피지 않으면 피노 누아 본연의 맛을 살리기가 좀처럼 쉽지않기 때문이다. 그러나 , 캘리포니아, 오리건, 뉴질랜드의 최고급 피노 누아 와인을 보면 해당산지의 와인 회사들이 그 맛의 비결을 터득했슴을 알 수 있다. 그러나 그 외의 지역에서 생산된 피노 누아 와인은 그다지 신뢰할 만하지 못하다.
피노는 대체로 금방 마시는 것이 좋지만 최고급 피노 누아 라면 보관할 만하다. 이와 품질이 비슷한 카베르네 소비뇽 와인을 보관할 때처럼 오래 보관해서는 안된다.
코트도르의 단일 포도원에서 생산한 그랑 크뤼 부르고뉴 와인은 피노 누아 와인의 정수를 보여주는 와인이다. 그 중에서도 라 로마네콩티(La Romaneeconti) 는 세계에서 와인애호가가 선호하는 가장 귀한 와인으로 평가받고 있다.
피노 누아 와인은 적정한 가격대이며 칠레는 가격대가 상당히 높다.
피노 누아 와인과 어울리는 음식은 담백하고 맛 좋은 소고기나 양고기 요리에 곁들여 마셔도 좋고, 연어나 참치 같은 생선요리 에도 아주 잘 어울리는 품종이다.
이 영화덕에 미국시장에 반영되어 그해 첫분기에 피노 누아 와인의 판매량이 55%나 늘었다.

3) 까베르네 소비뇽(Cabernet Sauvignon): 우리에게 가장 잘 알려져 있는 포도의 종이 바로 까베르네 소비뇽(Cabernet Sauvignon)이다. 프랑스 와인 애호가들에게는 양조장을 가리키는 샤또란 단어와 함께 가장 흔하게 접하는 용어가 바로 이것이다. 오늘날 세계의 와인 시장에서 가장 많은 양을 차지하는 와인의 주 재료 종이 바로 까베르네 소비뇽이다. 특히 세계 레드 와인 제조에 있어서 으뜸으로 사용된다.
이 포도의 원 고향은 프랑스 보르도 지방이며 그중에서도 메독(Medoc)이 원산지이다. 이 포도 종의 특성은 한마디로 거친 탄닌을 함유라고 있다는 점이다. 바로 이 탄닌으로 인해 와인의 초기에는 떫은 맛이 강하게 남고 입안의 미각은 혼란할 정도이다. 그러나 제대로 숙성 시키거나 다른 포도 종과 블랜딩을 하는 경우에는 아주 훌륭한 명주를 빚기도 한다.

4)소비뇽 블랑(Sauvignon Blanc): 청포도 품종으로 샤르도네 다음으로 많이 사용되는 테이블 와인용 포도 품종으로 상큼하고 달콤하며 허브와 비슷한 향과 맛을 지니고 있으며, 원산지는 프랑스 보르도의 남서부, 르와르 계곡이다. 소비뇽 블랑만큼은 기후 조건을 불문하고 동일한 맛을 낸다는 것이 주목할 만한 특성이다. 쇼비뇽 블랑은 샤도네이의 새로운 대체 와인으로 허브 향이 특징인 가벼운 화이트 와인이다. 샤르도네 와인이 이상적인 맛이라면 쇼비뇽 블랑 와인은 독특한 향으로 이 영화에서 마일즈 같은 와인 애호가들에게 강한 인상을 남긴다. 레몬 향과 구운 생선이나 칠면조, 조개류, 간단한 해산물 요리와 마시기에 좋은 와인이다.

5)리쉬부르(Richebourg) 미디엄: 풀바디의 와인. 우아하고, 미묘하며 드라이하고 균형된 산도, 다소 오크의 영향을 느낄 수 있고, 탄닌이 부드럽다. 왕자의 식탁에 오를 수 있는 와인이라 할 수 있고, 극히 적은 한정 수량이다. 그래서 이 영화에서 스테파니의 자랑이자 손도 댈 수 없는 와인이다. 도멩 드 라 로마네 꽁띠 (Domain de la Romanee-Conti)회사에서 생산하는 로마네 꽁띠는 세계에서 가장 희귀하고 비싼 레드 와인이다. 프랑스 리쉬부르 지역에서 생산한 포도로 만든 로마네 꽁띠는 이 영화에서 "리쉬부르(Richebourg)"로 불린다. 이 와인은 피노 느와 품종을 기본으로 하여 양조해서 상상할 수 있는 한 가장 우아하고 귀족적인 와인이라 불린다.

6)시라(Syrah): 와인 '시라'는 완전숙성된 짙은 색과 질감의 레드 와인으로 까다로우면서도 진중한 면을 지닌 시라 역시 이 영화의 주인공 마일즈가 사랑할 수 밖에 없는 술이다. 이 포도로 만든 와인은 숙성이 오래 걸리고 또 그만큼 오래 보관할 수 있으며 깊은 맛을 갖는다. 잉크 같은 진한 갈색과 자극적인 향을 가진 와인을 만든다. 주로 '버건디'라는 이름을 지닌 와인에 많이 사용된다. 음식과 함께 곁들일 때 가장 진가가 발휘되는 와인이다. 시라(Syrah)는 원산지가 프랑스 '론' 지방이지만 호주의 대표적인 품종이다. 미국에서도 시라의 재배가 활발하며 포도의 풍부한 맛과 향을 지닌 까베르네는 묵직한 타닌 성분으로 이름 높은 레드 와인이다.

7)리즐링(Riesling): 독일을 대표하는 품종으로 라인과 모젤 지방 그리고 프랑스의 알사스에서 생산되는 화이트와인의 대표적인 품종이다. 드라이에서 스위트까지 여러 가지 타입으로 독특한 맛을 낸다. 이 리슬링 와인은 신선하고 향이 독특하며 포도 자체의 향을 지니고 있다. 와인의 초보자가 마시기에 가장 적합한 와인이라고 할 수 있으며 닭고기, 야채 등과 잘 어울린다. 캘리포니아에서는 Johanisberg Riesling, White Riesling, 이태리는 Rheinriesling, 오스트레일리아에서는 Rhine Riesling이라고 한다.

8)하이라이너(Highliner): 하이라이너 피노누아는 캘리포니아의 가장 강렬한 와인이다. 피노중의 스타라고 일컷는다. 1997 년 피노누아 하니라이너(Pinot Noir "Highliner")는 가격이 $33.99. 딸기, 감, 계피 향기가 나며 아주 독특한 풍미가 난다. 2001년 하이라이너는 산타바바라 산으로 오크를 조합했으며 하얀 후추 향신료와 체리 향이 난다. 2002년 하이라이너는 나무딸기, 건포도, 체리, 오크의 향으로 어두운 루비색을 뛰며, 실속있고 섬세한 피노의 향을 극대화 시켰으며 5-6년 이상 최상의 맛을 즐기며 마실수 있다.

9)앤드류 머래이 시이라(Andrew Murray Syrah): 이 영화에서 마일스는 피노를 찬양할때 마야는 앤드류 머래이 시이라를 손꼽는다. 왜냐면 와인은 생활과 밀접해야 되므로 이 와인이야 말로 "House Wine" 이기 때문이다. 오늘저녁 당장 마실 수 있는 와인으로 통한다. 이 포도들은 앤드류 머레이 소유 포도농장에서 재배되며 선택된 파트너의 농장들의 포도들과 브랜드를 한다. 앤드류는 이 와인을 "Tous Les Jours"("Everyday") 이름을 지였으며, 아주 가치가 높으며 마시기 편한 와인으로 통한다. 앤드류는 최고의 표현을 낼수있는 브랜드의 테크닉은 그의 소유인 특이한 로케이션의 덕택이라고 말한다.

10)사시까이아(Sassicaia): 이태리 와인이 프랑스 와인에 밀려서 제 값을 못 받고 세계 와인 시장에서 밀리고 있을때, 이태리 와인의 정통성과 가치를 세계에 떨치고 제 평가를 받게 만들었던 와인이다. 해외 경매 시장에서 이태리 와인 중 최고가로 경매되고 있는 이 와인은 이번 설문조사에서도 절반 이상(90개 식당)의 식당이 최고의 와인으로 꼽고 있어 역시 이태리 최고의 명품 와인임을 다시 한번 입증하고 있다. 까베르네 소비뇽 85%, 까베르네 프랑 15%로 블랜딩되고 있으며 묘목은 1944년 프랑스 보르도에서 최초로 수입되었다. 재배지역 역시 보르도 지방과 기후, 지질이 매우 흡사한 이태리 중서부 해안가 볼게리(Bolgheri)라는 지역이다.

11)메를로(Merlot): 메를로는 부드럽고 원만한 맛을 내기 때문에 유럽에서는 옛날부터 카베르네 쇼비뇽에 블렌딩하는 품종으로 사용되었는데, 요즈음은 단일 품종으로 많이 사용된다. 보르도 지방에서는 카베르네 쇼비뇽, 카베르네 프랑과 함께 중요한 품종이다. 맛이 부드럽기 때문에 긴 숙성기간이 필요하지 않다. 이 영화에서는 마일즈가 싫어하는 와인으로 표현되었기 때문에 영화 개봉 후 이 영화의 영향으로 미국 메를로의 판매가 한때 부진했다.

참고) 와인 리스트
- 2001 Hitching Post Pinot Noir
- 2001 Sanford Pinot Noir, Chardonnay and Vin Gris
- 2001 Fiddlehead Happy Canyon Sauvignon Blanc
- 1992 Byron Santa Maria Valley Brut Reserve
- 1988 Tenuta San Guido Sassicaia
- 2002 Tantara Pinot Noir
- 2002 Sea Smoke Cellars Botella Pinot Noir
- 2002 Andrew Murray Cellars Syrah
- 1995 Opus One
- 2002 Talley Pinot Noir Estate
- 2001 Kistler Camp Meeting Ridge Chardonnay
- 2002 Melville Vineyards Pinot Noir
- Richebourg (Domaine de la Romanee-Conti)
- 1998 Dominique Laurent Pommard

52. 주온-미국판 '더 그러지(The Grudge, 2004)'

감독: 시미즈 다카시

리메이크 붐

이 영화는 '주온'을 리메이크한 헐리우드 영화로 동일한 시미즈 다카시가 감독을 했으며 제목은 미국에서는 공포의 대상을 살인마나 악마에서 찾고, 동양인은 원한관계 때문에 된 귀신에게 공포를 느끼기 때문에 동양공포 '원한'을 'Grudge' 라고 했다.
"그러지" 제작자들이 리메이크 판권을 사기위해 '주온'을 보고 특수 효과가 없기 때문에 사실감에 더 입각해 더 무서웠다고 한다.
호러장르는 어느문화나 민족을 막론하고 쉽게 공감하나 드라마나 코메디는 언어와 문화차이 해석때문에 공감하기가 힘들다. 그래서 호러나 액션은 아시안 영화 리메이크의 주요장르다.
미라맥스 사에서 계속 묻혀있다가 비디오로만 출시가 될 예정이었던 중국영화 '영웅'은 중국 영화 광 퀸틴 타렌티노 감독의 독촉으로 미국에서 극장개봉되어 빛을 보게 되었다. 장 이예모 감독의 '영웅(Hero)'는 다중시각으로 본 스토리 텔링 기법을 구로자와 아키라(Akira Kurosawa)의 '라쇼문(Rashomon)'에서 빌려왔다. 구로자와 감독의 영화 'Throne of Blood'는 세익스피어(Shakespeare)의 Macbeth, 'Ran'은 'King Lear'에서 따왔다.
박찬욱 감독의 올드보이는Garon Tsuchiya & Nobuaki Minegishi 의 일본 그래픽 소설에서 스토리를 빌려왔다
'링'의 리메이크 성공이후로 액션 무술 영화 리메이크는 중국에서, 스릴러는 홍콩과 한국영화에서 들여와 아시아 영화들이 할리우드에서 바쁘게 리메이크가 되고있다. 링2(Ring 2), 무간도(Internal Affairs), 올드보이(Oldboy), 장화 홍련(Tale of Two Sisters) 등등 영화들이다.
60-70년대 유럽영화, 프랑스, 이탈리아 영화들의 전성기 였던 것처럼 하나의 일시 작용인지도 모른다. 안토니오니(Antonioni), 트리포(Truffaut), 고다르(Godard) 같은 감독들이 수준높은 영화들을 만든 것처럼 오늘날 아시안 감독들이 그런 추세다. 장 이예모, 첸 카이거, 왕가위, 김기덕, 박찬욱, 강제규, 타카시 미케, 시미즈 다카시 등등…
외국영화에 익숙하지 않은 미국관객들이 아시아 영화들이 얼마나 성공할지 귀추가 주목된다.

53. 2001: 스페이스 오딧세이 (2001: A Space Odyssey)

감독: 스탠리 큐브릭(Stanley Kubrick)

감독의 고집과 포용력

이 영화는 필자의 역대 영화 베스트 텐중의 하나이며, 스탠리 큐브릭 감독 또한 역대 영화감독 베스트 텐중의 한명이다.
2006년 1월 20일, 이 영화의 두명의 주연중 한명인 개리 락우드(Gary Lockwood)를 드디어 개인적으로 만나 즐거운 대화의 시간을 가졌다. 개리는 지금 60대 후반임에도 불구하고 아주 건강하고 자신이 넘쳐있었다.
개리를 통해 들은 스탠리 큐브릭 감독에 대해 말하고 싶다.
1966년 그당시 이 영화를 준비할때 개리는 스타트랙 티비 씨리즈 "Star Trek: Where No Man Has Gone Before" 로 명성이 나 있는터라 스탠리 큐브릭 감독은 개리를 오디션도 없이 캐스팅 했다. 개리는 이 영화를 위해 영국으로 갔다. 그의 역할은 주인공 우주선 조종사 Dr. Frank Pool였다.
우주선 안, 프랭크(개리)가 무중력 상태에서 음식을 먹는 장면이 있다. 스튜디오 세트에서 그 장면을 찍기위해 개리는 거꾸로 매달려서 음식을 포크로 뜨자 음식이 밑으로 떨어졌다. 큐브릭 감독은 그것때문에 그날 촬영을 취소했다.
우주선 안에서 프랭크(개리)가 조깅하는 장면을 찍기위해 거대한 원형 세트를 제작했다. 그 원형 우주선 세트는 서서히 돌아가게 만들었다. 동시에 프랭크(개리)는 제자리에서 조깅했다. 카메라는 개리뒤에서 고정되어 있었고 모션 컨트롤로 이동하며 개리가 움직이는 것처럼 보이는 효과를 만들었다.
필자가 제일 좋아하는 장면은 컴퓨터 할(HALL 9000)이 두 조종사 데이브와 프랭크를 배신하는 장면이다. 컴퓨터 할이 배신한 것을 알아채린 데이브와 프랭크는 이 문제를 상의하기 위해 장소를 찾는다. 우주선 안에는 모두 카메라와 도청장치가 설치되어있다. 두 조종사는 컴퓨터 할이 사운드를 도청할 수 없는 소형 우주선속에 들어가 대화를 나눈다. 그러나 컴퓨터 할은 그들의 입모양만 보고 그들이 무슨 얘기를 하는지 알아채린다.
이 장면은 원래 시나리오에 의거하면 세트가 좀 복잡하며 화려했다고 한다. 개리는 그 장면 시나리오를 읽어본 후 세트를 살펴보았다. 맘에 들지 않았다. 기존의 영화 컨셉에 너무 욕심부린 느낌이 들었다. 큐브릭 감독이 의견을 묻자 개리는 맘에 안든다고 솔직이 대답했다.
배우가 큐브릭 같은 거장 감독에게 그런 말을 한다는 것은 큰 용기가 필요했다. 왜냐면 말 한번 잘못했다가 해고 당할 수 있기 때문이다.
그러나 큐브릭 감독은 개리의 의견을 존중하고 촬영을 중단했다. 큐브릭 감독은 개리한테 이 장면을 시나리오로 써오라고 과제를 줬다. 개리에게서 새로운 아니디어가 나올때까지 촬영을 연기한다고 했다.
호텔에 돌아온 개리는 밤늦게서야 아이디어가 떠올랐다. 시계를 보니 밤 11시였다. 너무 늦었기 때문에 큐브릭 감독에게 전화를 할까 망설이다가 결국 전화를 했다. 큐브릭 감독은 기다렸다는 듯이 개리한테 지금 당장 감독 집으로 오라고 했다.
개리는 큐브릭 감독 저택에서 다음날 오전 10시까지 감독과 함께 시나리오 작업을 끝마쳤다. 개리의 아이디어대로 그 장면은 그렇게 탄생된 것이었다.
큐브릭 감독의 베트남 전쟁영화 "풀 메탈 자킷(Full Metal Jacket, 1987)" 또한 비슷한 일화가 있다. 필자의 첫번째 영화노트 "배우의 고집이 만들어낸 명장면"에 배우 팀 콜체리와 큐브릭 감독의 내용을 참고하기 바란다.
이렇게 큐브릭 감독은 세트장에서 모든 배우와 스탭진들의 의견을 수렴했다. 심지어 영화를 전혀 모르는 기계 수리공의 의견까지 수렴하는 감독이었다.
필자의 이글을 읽고 큐브릭 감독을 최고로 존경하는 독자하나가 불만을 토로했다. 큐브릭 감독을 비하했다는 것이다. 큐브릭 같은 천재감독이 일개 배우들의 아이디어를 수렴해 영화를 만들었다는 것은 믿을 수가 없다는 것이다. 그러나 필자는 배우 개리 락우드랑 팀 콜체리한테 직접들었다. 훌륭한 감독이란 큐브릭 감독처럼 모든이의 의견을 수렴할 줄 아는 감독이 진정 천재감독이라고 필자는 생각한다.
이렇게 포용력이 넓은 큐브릭 감독의 이면에는 아주 고집스런 부분도 있다.
1959년 큐브릭 감독이 "스파르타쿠스(Spartacus, 1960)"를 촬영 할때였다.
이 프로젝트만이 유일하게 거대 예산으로 큐브릭 감독의 맘대로 컨트롤 하지 못했다. 캘리포니아 데스 밸리에서 촬영 할때 였다. 그당시 촬영감독 또한 헐리우드 촬영감독 조합 협회에서 선출된 거장이었다. 그 촬영감독은 조명을 세팅해 넣고 감독의 큐 사인을 기다렸다. 그러나 큐브릭 감독이 맘에 안든다고 카메라 렌즈를 통해서 볼려고 하자 그 촬영감독은 허락을 않했다.
촬영에 관한 것은 자기가 더 전문가라고 하며 큐브릭 감독한테 감독의 일만 하라고 했다. 그 사건 이후로 부터 큐브릭 감독은 헐리우드 영화 시스템을 증오하게 된다. 큐브릭 감독은 평생 죽을때까지 영국에서 영화를 찍는다. 심지어 베트남 전쟁 영화 "풀 메탈 자킷"도 영국에 베트남 세트를 만들어서 촬영했다.
큐브릭 감독의 고집은 "스파르타쿠스"를 스페인에서 촬영할때 나타난다. 큐브릭 감독은 촬영시 촬영감독의 카메라를 빼앗아서 직접 촬영했다. 화가난 촬영감독은 이 영화에서 자기 이름 크레딛을 빼라고 했다. 큐브릭 감독은 비록 자기가 촬영했어도 자기 이름을 촬영감독 크레딛에는 절대 넣지 않았다. 결국 이 영화는 아카데미에서 촬영상 받았다.
이 이야기도 개리를 통해서 들었다. 개리는 "스페이스 오딧세이"의 한장면을 마지막으로 얘기했다.
조종사 프랭크(개리)가 부모님한테 비디오를 통해 생일선물을 받는 장면이다. 개리는 그 장면을 아주 사실대로 자기의 경험을 토대로 부모와의 안좋았던 과거를 회상하며 그대로 연기했다. 씬이 끝나고 개리는 큐브릭 감독의 평가를 기다렸다. 큐브릭 감독은 지금 했던대로 똑같이 다시한번 가자고 했다. 개리는 감독의 말대로 똑같이 이 씬을 연기했다. 비디오에서 생일인사말이 끝나자 큐브릭 감독이 직접 마이크에 대고 "생일 축하해, 프랭크" 했다. 개리는 그 소리를 듣고 그 말에 신경 안쓰는 표정으로 연기했다.
개리는 지금도 그 장면을 보며 만족한다고 한다. 얼굴을 자세히 보면 그때 그 심정을 아직까지 생생하게 느낄 수 있다고 한다.
이 영화 한편이 개리의 인생을 바꾸어 놨다. 개리는 지금까지도 스탠리 큐브릭 감독 회고전, 사이언스 영화제 등, 여러나라에서 팬 사인회에 초대받는다. 감독은 죽었어도 그 이름과 작품들은 영원히 남는다.

54. 홀리 마운틴(The Holy Mountain, 1973)

감독: 알레한드로 조도로프스키(Alejandro Jodorowsky)

스크린 쿼터 폐지가 죽인 천재감독 알렉한드로 조도로프스키

정부가 스크린쿼터(한국영화 의무상영일수)를 현행의 절반 수준인 73일로 축소하는 방안을 전격 발표했다(2006년 1월 26일). 미국측은 한미FTA 개시 전제조건으로 스크린쿼터 축소와 소고기문제를 줄곧 거론해 왔다.
스크린 쿼터(screen quota)란, 자국영화 의무 상영 일수를 말한다.
스크린쿼터제는1927년 영국의회에서 영국내 모든 극장은 영국영화를 30%이상 반드시 상영해야한다는 규정을 담은 '영화 헌장'(Cinematograph Act)을 제정함으로서 영국에서 처음 실시되었다. 이후 프랑스·이탈리아 등 유럽 일부 국가와 남아메리카·아시아 국가 일부가 이 제도를 시행했다.
우리나라에서는 법적(영상진흥법)으로는 1966년 2차 영화법 개정 당시 명문화 되었으나 실제 시행은 1967년 1월 1일부터 이루어졌다. 한국의 영화진흥법은 모든 극장이 연중 5분의 2에 해당하는 1백46일 이상 한국 영화를 상영하도록 의무화하고 있다.
미국이 세계 영화시장의 85%를 독점한 상태에서 근래 영국 독일 멕시코 등은 10% 안팎의 자국 영화 점유율을 보이고 있다. 스크린쿼터 유지로 우리는 지난 해 50%가 넘었다.
헐리우드 영화는 스타들의 개런티 비대와 터무니 없는 제작비의 증감으로 미국내 자체 수입(Domestic Sale) 만으로는 이익을 낼 수 없기 때문에 해외마켓(International Sale)에서 수입을 충당해야한다.

헐리우드 영화가 왜 그렇게 많은 제작비가 들어가는지 잠시 짚고 넘어가자. 영화 자체 순수 제작비는 영화 전체 예산에서 절반도 채 안된다. 그렇다면 절반이상을 넘는 제작비가 어디로 새어 나가는가?
우선 에이전트 시스템(Agent)이다. 헐리우드는 에이전트, 매니져, 변호사 들이 영화배우나 스탭진들보다 일은 적게 하고 이익금은 훨씬 더 많이 챙겨간다. 스타들도 그들에게 지불해야되는 엄청난 수익금 때문에 개런티 비용이 올라가는데 한 몫을 한다. 배우뿐만이 아니라 작가, 스탭들도 에니전트들이 따라다니며 수익금들을 챙긴다. 그들은 대부분 유대인들이 많으며 가족대대로 이어오는 경우가 많다.
몇년전에 헐리우드에서 제작자 몇명이 모여 인터넷으로 작가, 시나리오 선별, 배우와 스탭진을 고용하는 웹사이트를 개설한적이 있다. 그렇게 될 경우 에이전트들이 필요없고, 영화 제작비를 많이 절감할 수 있기 때문이다. 시장으로 말하면 이익금들을 제일 많이 챙겨먹는 중간 상인들을 제외시킨다는 얘기다. 그러나 에이젼트들의 거센 반발과 위협으로 그 사이트는 문을 닫아야 했다.
두번째가 파인더스 비용(Finder's Fee) 이다. 즉 소개비용이다. 영화제작을 위해서는 투자를 받아야 하는데, 제작자가 직접 투자자와 협상하는 경우도 있지만, 대부분 투자자와 제작자 중간에 다리를 놔주는, 즉 소개를 시켜주는 브로커들이 많이 있다. 그들은 투자 성사를 시켜주고 제작비 전체에서 5%에서 많게는 20%까지 파인더스 비를 챙겨간다. 이 시점에서 벌써부터 제작비는 삭둑 잘리어 나가는 셈이 된다.
세번째가 제작자들이 제작비를 빼돌리는 경우다. 영화제작비 어카운트 장부를 만드는 것은 귀에 걸면 귀걸이, 코에 걸면 코걸이다. 영화 제작비가 쓰이는 곳마다 어떻게 딜을 하느냐에 따라 들어가는 비용의 액수가 천차만별이다. 예를 들어, 필자의 영화 '라스트 이브(The Last Eve)'에서 베버리 힐스 저택에서 촬영한 씬이 있다. 그 로케이션은 보통 영화사들에게 하루 촬영 대여비가 5만 달러 이다. 필자는 친구의 소개로 집 주인 마크 윌버를 만나 필자의 저예산영화의 상황을 설명하고 도움을 요청했다. 결국 마크는 촬영을 허용했으며, 공짜로 촬영을 할 수 있게 됐다. 이런 내용이 필자가 2004년 11월 말 KBS TV 1에 출연한 한민족 리포트 "서산촌놈 강영만, 헐리우드에 가다."에 나온다.
제작자의 재량에 따라 얼마든지 비용의 삭감과, 제작자의 실수로 비용이 증감할 수 있다. 그런 조정 가능성을 이용하여 제작비의 많은 양을 빼돌리는 경우도 있다. 필자가 아는 제작자 몇명이 투자받은 제작비를 빼돌려 집을 산 것이 투자자에게 발칵되어 소송에 휘말린 것을 봤다.
스타들과 제작자들이 거액을 가져가는 반면에, 일부 스탭진들은 형편없는 월급을 받는다. PA (Production Assistant) 라는 직급이 있다. PA들은 세트장에서 제일 밑 바닥일을 한다. 그들은 제일 힘든 일을 하며 일당 $50 - $100 받아 생계를 유지한다.
네번째 불 필요한 직원들이다. 예산이 많은 헐리우드 영화 세트장에 가보면 꼴불견이다. 막상 일하는 스탭진들은 얼마되지 않는다. 나머지 스탭진들은 세트장에서 빈둥빈둥 자리만 채우며 시간을 때운다. 그들은 할일이 없고 시간이 남아, 배우들과 농담이나 찌껄인다. 그래도 그들은 꼬박꼬박 일당이 나온다. 예산이 많으니 무조건 스탭명부에 나와있는 직책들은 일단 다 고용한다. 게다가 마케딩 부서에서 일하는 사무직원들은 얼마나 많은가. 그들에게 모두 월급이 나간다. 물론 모두 투자받은 제작비에서 말이다.

헐리우드 영화들은 제작비의 비대로 일년에 800 - 1000편을 만들어 낸다. 200편 이외에는 모두 쓰레기다. 그 쓰레기들로 돈을 거두어 들여야 다음 영화를 만들수 있기 때문에 해외시장을 독식할 수 밖에 없다. 그럼, 어떤 방식으로 해외시장을 독식할까.
끼워팔기 형식이다. 팻키지 딜(Package Deal)이라고 한다. 일년에 헐리우드 흥행작들은 몇편이 되지 않는다. 헐리우드는 직배사들을 통해 극장주들에게 흥행작을 주는 대신 10편정도 쓰레기들을 끼워 판다.
그럴경우 헐리우드 영화들은 물량공세로 극장의 상영일수를 잠식하게 된다. 일년내내 할리우드 영화들만 상영해도 일수가 부족할 정도로 헐리우드 영화의 물량은 대단하다. 제작편수가 적은 한국영화는 낄 수가 없게 된다. 한국영화 중 흥행이 확실한 영화만 연장되고 나머지 영화들은 일주일만에 극장에서 내려야한다. 입소문을 통해 서서히 진행되는 흥행은 기대할 수도 없을 것이다. 아무리 좋은 영화라도 금방 극장에서 내릴 경우 "왕의 남자"같은 결과는 다시는 볼 수도 없을 것이다. "왕의 남자" 처럼 마케팅 비용의 부족으로 적은 극장수를 잡아서 관객들의 입소문으로 퍼지는 데까지는 최소 몇주 시간이 필요하다. 그나마 146일이라는 스크린 쿼터제가 있었기 때문에 100일을 흥행 가능성 높은 영화로 채우고 난 후, 끄트머리에 겨우 매달려 개봉한 영화라며 이준익 감독은 스크린쿼터의 영향이 컸음을 주장했다.
진정 한국영화를 살리는 길은 한국영화들 자체에도 스크린 쿼터가 필요하지 않을까. 할리우드에 대항하여 한국영화가 40%를 스크린 쿼터를 요구하듯이 한국 메이져 영화들에 대해, 예술영화, 독립영화들의 40%의 스크린 쿼타가 필요하지 않을까.
한국 영화들도 요즘은 독식이다. 어떻게 보면 헐리우드 축소판이라고도 볼 수 있다. 몇몇 안되는 거대 계열사들이 극장체인을 독식하기 때문에 계속 조폭 영화, 흥행위주의 영화들이 계속 양상된다. 제작자들도 힘들게 작품성있는 영화을 만들는 것 보다 쉽게 흥행성 위주로 영화를 만들것이다. 그럴경우 한국 영화는 발전을 후퇴되고 홍콩 같은 결과를 맞이할 것이다.

스크린 쿼터가 지켜지지 않을 경우 폴란드나 멕시코 같은 영화산업으로 치닫을 것이다.
폴란드의 경우 80년대 1년에 70~80편 제작되던 자국의 영화는 현재 10 여편 조차 되지 않는다.
멕시코도 예전엔 100편 이상 상당히 많은 자국영화를 만드는 국가였고 알레한드로 조도로프스키 같은 유명한 감독도 많이 배출하였으나 지금은 10편 미만으로 영화제작 산업이라는 것이 이젠 아예 실종되어 버렸다.
제도라는 굴레 때문에 천재 아티스트가 죽는다는 것은 슬픈일이다. 알레한드로 조도로프스키 같은 천재 감독의 작품을 접한다는 것은 문화생활에서 행운이다. 필자가 그의 영화들을 처음 보았을때 충격과 함께, 영화가 좋고 나쁘고를 떠나, 사고에 대한 고정관념을 깨워주는 계기가 되었다.
현대인들은 다람쥐 체바퀴속에서 산다. 매일 같은 시간, 직장, 장소, 사람들….. 그런 삶에서 시각이나 관념도 고정되어 간다는 것이다. 그렇지만 그나마 문화생활을 통해 다른 세계로의 탈출을 꿈꾸며, 간접경험을 할 수 있게 된다. 그러나 항상 보는 진부한 내용의 영화들은 오히려 더 스트레스를 준다.
알레한드로 조도로프스키 감독의 특이한 영화들은 잠자고 있는 뇌에 충격이나 경종을 울린다.
그의 영화 "엘 토포(El Topo, 1970)" 전세계 영화팬의 컬트 클레식이 되었다. "홀리 마운틴(The Holy Mountain, 1973)", "섄타 섕그레(Santa Sangre, 1989)"등이 전세계 매니아들에게 유명하다.
조도로프스키 감독은 이외에도 헐리우드에 한이 많다. 데이빗 린치 감독의 '둔(Dune, 1984 )' 영화도 원래는 도조도로프스키 감독의 작품이었다. 그러나 헐리우드의 배신으로 결국 데이빗 린치 감독에게로 넘어가게 된다. 조도로프스키 감독이 만들었더라면 아마 더 훌륭한 오리지널 영화가 나왔을 것이다.
조도로프스키 감독의 영화 "Fando y Lis, 1968"가 멕시코 극장에 상영될 때, 그 도시 깡패 보스 한명이 그 영화를 너무 혐오하여 조도로프스키 감독을 죽이려고 까지 마음 먹었다. 그럴정도로 관객의 신경을 건드린 영화였다. 그 깡패에게 위스키 선물을 보내 둘이 친구가 되었다는 에피소드도 있다.
이런 감독의 영화들도 한번은 볼 기회를 가지라고 필자는 권하고 싶다. 거부 반응이 올 수 있어도 한번 이런 세계도 있다는 것을 경험해 보라는 것이다.
이런 영화들도 이젠 더 이상 멕시코에서는 나오지 않는다. 그는 벌써 노장이 됐다. 스트린 쿼터 폐지 제도의 희생물이다. 멕시코에 계속 스크린 쿼터가 있었더라도 이런 천재감독의 작품이 계속 더 나왔을 것이다.
우리 나라도 이런 절차를 밟지 않기를, 관객을 진정으로 사랑하는 마음에서 영화인의 한사람으로서 기대해 본다.

55. 신의 도시(City of God, 2002)

감독: 페르난도 메이렐레스

악마의 도시

이름은 신의 도시지만 현실은 신이 떠난 아이러니한 도시(City of God).
마약 딜러들이 독점한 신의 도시라 불리는 빈민가(Ghetto), 브라질 리오 데 자네리오(Rio de Janeiro, Brazil).
이 영화는 6,70년대 이 악마의 도시의 무대로 10대들의 범죄와 마약딜러의 보스에 관한 폴로 린스(Paulo Lins)의 충격적인 자전적 동명 소설을 영화화한 수작 범죄 드라마이다. 수많은 등장인물들은 실제 리오 데 자네이로 안의 '시티 오브 갓'에 사는 연기 경험이 전혀 없는 사람들을 데리고 제작되었기 때문에 영화의 리얼함이 영화 전체에 배어있다.
리오 데 자네리오는 마약 딜러들이 이지역을 다스리고 통제한다. 경찰과 마약딜러들의 전쟁은 끊임없으며, 살인과 타락이 난무하는 중에도 일반 시민들은 오히려 마약 딜러의 도움을 받기도 한다. 마약딜러들은 빈민들에게 가끔 생활 필수품도 나눠 주고 장례식도 치러준다. 경찰들은 시민들에게 오히려 천대받는다.
경찰들이 한달내내 받는 월급보다 보통 마약 딜러들이 일주일 동안 버는 돈이 세배가 더 많다. 일부 경찰들은 부족한 월급을 충당하기 위해 마약딜러들에게 무기들을 밀매하기도 한다. 이렇게 무기고에서 나온 무기들은 도시전체에 깔린다. 5살짜리 어린이도 권총을 가지고 다니는 무법지대다.
마약딜러들은 남녀노소를 막론하고 거대한 그룹을 형성한다. 어린 꼬마부터 무기를 들고 임무를 수행한다. 어린 꼬마들은 경찰이 나타나면 화약 불꽃을 튀기는 신호로 마약딜러들에게 경찰의 출동을 알린다. 심지어 어린이들도 경찰과 대적하여 총질을 하기도 힌다. 감옥은 어린이들 범죄자들로 들끓는다.
가난이 가져온 비극은 사람들의 의식부터 바꿔놓는다. 젊은 여자들은 남자들을 보는 기준이 교육수준과 장래 희망을 보는 것이 아니라, 얼마나 더 큰 총을 가지고 있느냐에 관심을 갖는다. 큰총과 총을 많이 가진 남자들에게 미녀들이 더 많이 접근한다.
남미 나라들의 비극은 여기서 끝나지 않는다.
쿠바의 영웅 체게바라(Che Guevara)의 이야기를 기초로 해 만든 영화, '모터 사이클 다이어리(The Motorcycle Diaries, 2004)'에서 두 젊은이는
모터싸이클 영국산 노튼(British-made Norton International)으로 남미를 여행한다.
남미 정치적 이념때문에 일자리를 잃은 사람들이 몰리는 칠레 추까까마따 광산(Chuquicamata copper mine in in Chile)에 이르기까지 자신들이 알고있던 현실과 다른 세상의 불합리함에 분노한다. 그 광산은 전세계에 관광의 명소로 알려져 있어나 내면을 보면 이런 고통이 숨겨져 있다.
의대생인 푸세는 여행중 라틴 아메리카 아마존 중부 최대의 나환자촌 산빠블로(San Pablo leprosarium)에 머무르게 된다. 이 세상에 알려져 있지 않은 고통받은 사람들이 얼마나 많은지를 그들을 보면서 삶의 진수를 깨닫는다.
'내 이름은 쿠바(I Am Cuba, 1964)' 이 영화는 쿠바의 바티스타 정권의 몰락 전후 시기의 열광적 정치 이데올로기를 통해 여러 다양한 쿠바의 어둡고 비참한 사회 실상을 스펙타클하게 보여준다. 빈부의 격차, 관광객들에게 몸을 팔아 삶을 연명하는 여자, 갑부의 강매에 넘어가게 된 옥수수밭을 태우는 농부, 부패 경찰을 암살 하려는 청년, 혁명에 참가하는 대학생 등등. 흑백 영상은 칼러 보다도 더 선명하며 아름답다.
정치적으로 지지하는 입장에서 수탈의 섬, 쿠바에서 고통스러운 삶을 이어가는 가난한 사람들을 위해 싸우는 영웅 카스트로를 묘사한다. 영화 후반부에서는 혁명에 능동적으로 참여하는 개인들의 삶을 점점 더 깊이 탐구하며 다양한 정치계급의 삶의 모습을 포착해 나간다.
필자의 다큐멘타리 '헤이티 노예 어린이들(Haitian Slave Chilren, 2001)'에서도 남미의 섬 헤이티의 실상을 고발한다. 중미 카리브해상 북부에 위치한 섬나라 헤이티는 흑인인국 95%, 문맹률 55%로의 가난하며 범죄와 실업률이 높은 나라로 이곳에서 실재 자행되고 있는 30만 어린이 노예가 참상을 당하고 있다. 대부분 실업자인 가난한 부모 밑에서 어려운 생계를 유지하고 있는 이 아이들에 대한 보고서인 '헤이티 노예 어린이들'은 영화제작의 어려움을 무릅쓰고 현지 100% 로케로 촬영을 감행했다.
필자는 처음으로 헤이티라는 낯선땅을 방문했다. 헤이티의 수도 Port-Au-Prince 공항에 도착하자마자 온몸에 살기를 느꼈다. 로스 엔젤레스에서 가져온 카메라 Cannon XL-1을 검은 쇼핑백에 넣어 감추었다. 만약 검사대에서 발칵이 날경우 카메라를 뺏기는 것은 물론이거니와 군인들에게 잡혀가 무슨일을 당할지 모른다. 타락한 헤이티 정부에서는 미디아를 통해 비참한 자기나라를 세상에 알리기 싫어서다.
무사히 검사대를 통과한후 공항을 나와 헤이티 거리를 밟았다. 무장한 군인들이 거리에 깔려있었다.
영화스탭진을 배웅나온 미니 밴을 탄 후 거리를 달리는데 차가 정지할때 마다 집없는 어린이들이 우루루 몰려와 손을 내밀었다. 옷은 넝마를 걸치고 모두 맨발이었다.
한때 노예 생활을 했던 어린이들을 보호해주는 고아원을 찾아가 그들을 인터뷰했다.
한 어린이는 부엌에서 일하다가 주인이 불에 달군 후라이 팬으로 머리를 짖이겨, 머리 반 이상이 화상을 입은 상처로 덮혀 있었고, 한 어린이는 배고파서 빵 한조각을 홈치다가 들켜 도끼로 손가락을 두개나 잘려 나갔으며, 또 한 어린이는 도망가다 잡히자 주인은 그 어린이를 땅 바닥에 뉘어놓고 트럭으로 발 위를 지나가 그 어린이의 발이 완전 불구가 됐다.
4일 동안 헤이티에 머물면서 카메라를 항상 쇼핑백에 넣어 가지고 다녔다. 렌즈가 향한 쇼핑백 모서리에 구멍을 뚫어 촬영을 해야했다. 갱들이 들끓는 거리에서는 차 안에 숨어서 촬영했다.
헤이티의 빈부의 격차는 엄청났다. 부자들은 거대한 성같은 저택에 위성 TV 까지 설치되어 있었다. 부자들이 즐기는 카지노에 카메라를 숨겨 들어가 촬영도 했다.
섬 전체에 백인은 거의 없고 모두가 흑인이었다. 4일 동안 아무리 눈을 씻고 봐도 동양인은 필자 혼자였다.
이 다큐는 2002년 휴스턴 국제 영화제에서 은상을 수상하고 자메이카 자메리칸 영화제에서 베스트 다큐멘타리 상을 수상했다.
우리들이 흔히 보고 지내는 한정된 현실을 넘어 은폐되어왔던 다른 세상의 불합리함을 볼 수 있는 것을 제공하는 것이 영화라는 미디아의 힘이다.

56. 분노의 주먹(Raging Bull, 1980)

감독: 마틴 스콜세지

연기에 대하여

드니로 어프로치란 로버트 드니로의 연기스타일로 맡은 배역을 소화하기 위해 자신의 외부적 조건을 변화시키며 역할 속에 몰입하는 것이다. 연극계의 위대한 연기 이론인 메소드 연기법(Method) 과 비슷한 의미다.
로버트 드니로는 "완벽하게 내 역할에 빠져든다"는 철칙을 고수하며 자신만의 세계를 구축하는 정통 연기파 배우이다. 마틴 스콜세지 감독의 <택시 드라이버>와 <분노의 주먹>에 출연한 당시 그는 몸무게를 늘였다 줄였다 하면서 배역에 열중했다.
드니로는 늙은 라모타 역할을 하기위해 60파운드 몸무게를 늘렸으며, 같은 씬에서 조페시는 다이어트를 했다. 물론 드니로의 기록은 1987년 불후의 명작 스탠리 큐브릭 감독의 '풀 메탈 자킷(Full Metal Jacket)'에서 자살하는 뚱보 사병 로렌스 역할을 했던 빈센트 드오노프리오에게 깨졌다. 그당시 빈센트는 그 역할을 위해 70파운드를 늘였다.
그외에도 미국 창녀 에일린 우오노스(Aileen Wuornos)의 실화를 바탕으로 만든 영화 '몬스터(Monster, 2003)'에서 샬리즈 쓰론(Charlize Theron)은 30파운드, 크리스티나 리치(Christina Ricci)는 10파운드를 늘였다.
메소드 연기법은 배우가 자신이 맡은 역에 동화되어 감정을 느끼고 연기를 하는 것을 말한다. 러시아의 유명한 연극연출가 스타니 슬랍스키가 만들었고, 말론 브랜도같은 연극배우 출신의 명 영화배우들이 대부분 메소드 연기법을 익혔다.
엘리야 카잔 감독의 영화 '워터 프론트(On The Waterfront, 1954)'에서 말론 브란도가 보여준 연기는 메소드 연기의 진가를 보여준다. 깡패조직에 혈혈단신으로 대항에 노동자의 권익을 찾는 테리역의 말론 브란도는 육체의 고통뿐 아니라 불안과 희망 등 내면의 정서를 보여주는 연기를 통해 탁월한 메소드 연기를 해낸다.
엘리야 카잔은 1947년 동료들과 함께 액터스 스튜디오를 설립해 말론 브란도, 제임스 딘 등을 배출하면서 50년대 미국의 영화, 연극계에 큰 영향력을 행사한다.
카잔 감독의 '워터 프론트'에서 실용화시킨 메소드 연기는 프랑스의 장 뤽 고다르와 프랑소와 트뤼포 감독에게도 영향을 주어 이들도 배우에게 영화촬영 도중 즉흥연기를 요청하는 등 메소드 연기는 누벨바그의 한 특징을 이룬다. 이렇게 엘리아 카잔 감독이 도입한 메소드 연기는 말론 브란도와 제임스 딘을 위시하여 폴 뉴먼,캐서린 헵번, 로버트 레드포드, 페이 더너웨이,더스틴 호프만, 로버트 드 니로, 알파치노 등으로 이어진다.
메소드 연기 방법론의 중심은 배우와 등장 인물간의 동화로 축약할 수 있을 것다. 배우는 자신이 그 상황이라면 어떻게 행동했을 것인가에 대하여 생각하며, 자신의 유사한 경험이나 과거에 대한 회상을 통하여 인물이 될 것을 요구받는다. 연기는 단순히 무대 위나 카메라 앞에서만 전개되는 것이 아니라, 자연인이 그 배역과 동화되어 자연스럽게 표출된다는 것이다.
물론 이러한 연기론의 단점은 과잉동화의 경우 무대나 카메라 앞에서 전혀 예상치 못한 배우의 연기나 행동이 돌출될 수도 있다는 것이다.
또한 메소드 방법이 연출가들에게 거릴동리 될 수도 있다. 배우은
연출가가 독특한 비젼을 가지고 연출할때, 배우는 연출가와 타협하지 못하고 자기 스스로를 메소드 방법으로 예술가라고 내세우는 배우들과 의견이 불일치로 거림돌이 될 수도 있다. 게다가 일부 연출가는 독제자처럼 자기 스타일에 맞추기를 원할때 더욱더 문제점이 커질 수 있다.
미국 연기계의 3대거장 리 스트라스버그, 샌포드 마이즈너, 스텔라 애들러다.
그들은 배우들간의 교감과 상호작용 중심을 둔 자신만의 연기법을 개발하고 선택들은 행위를 창출해 낸다고 강조한다. 따라서 미리 정해 놓은 대사표현 방식에 갇히지 않는 것이 좋다. 왜냐하면 행위가 대사표현 방식을 결정짓기 때문이다. 대사는 선택으로부터 나온다. 샌포드 마이즈너(Sanford Meisner)는 그것을 이런 식으로 표현하였다. "어떤 신의 정서는 강과 같으며 대사는 그 강에 떠 있는 배들과 같다."
메소드 연기 방법은 대체적으로 많은 배우들에게 권장되는 방법 중의 하나이다.
이와 반대되는 이론의 인물로 브레히트(Bertolt Brecht)가 많이 거론된다. 그는 서사극을 발전시키며 동화보다는 이화나 거리두기의 중요성을 강조한다.
브레히트의 서사극 이론은 변증법의 연극을 지향한다. 그가 죽음으로써 완성을 보지 못한 '서사극'은 서사적 연극, 혹은 변증법적 연극을 말한다. 기존의 연극이라는 환상을 채워보려는 현실의 좌절이나 불만을 브레히트는 서사성을 가미함으로써 연극에 놓여 있는 상황에 관객이 빠져들지 않도록 감정이입을 중단시키는 것이다. 따라서 서사극은 감정이입을 시키는 것이 아니라 의식을 깨우는 연극을 말하며 그런 의미에서 비(非)아리스토텔레스 연극이론이라고도 불리워 진다. 극단적으로 동화되지 않는 표현법이 서사극적이다.
브레히트는 서사극에서 어떤 인물의 행동을 보여주기는 하나 그 행동이나 상황을 낯설게 해서 두드러지게 하는 효과를 추구한다. 어떤 사건이나 행동의 어느 한순간, 혹은 하나의 상황을 두드러지게 돋보이게 만드는 낯설게 하기의 수법은 우리가 일상적인 것으로 넘겨버리기 쉬운 사실에 대하여 한번 더 문제를 제기해 보는 방법이다. 낯설고 두드러져서 우리의 주위와 관심을 환기시키는 이 수법은 일상적인 사실을 역사적 대사건처럼 거리를 두고 의미를 부여함으로써 새롭게 보이게한다. 동시에 그와 반대로 위대한 인물을 가능한 평범한 사람의 차원으로 끌어내려서 우리의 이웃처럼 가까이에서 바라보게 하는 작용도 한다. 그렇게 하여 우리의 고정관념에 있던 사건이나 인물이나 상황이 더 눈에 두드러지게 드러나고 그것들은 새로운 관점의 척도에 따라 평가되어진다.
브레히트는 시대에 대응할수 있는 객관적 인식의 각성과 비판의 예술을 추구하였다. 그리고 그의 문학적 이념은 하나의 사조가 되면서 아직 많은 이들에게 영향을 끼치고 있다.
브레히트는 일찍이 반체제성향이 강해서 그런 사상이 그의 작품 속에서도 드러나게 됩니다. 때문에 그의 연극을 보면 극예술 자체에 목적이 있다기 보다는 사회를 개혁하고자하는 정치적 의도를 볼 수 있다. 물론, 당시에 그런 작품들이 많이 있었지만, 브레히트의 작품은 극이 갖는 정치적 의도가 완전히 극예술의 형식으로 용해되어 표현되기 때문에 관객은 극예술을 즐기면서 정치적인 영향을 받게 된다. 브레히트의 말을 빌면 "즐기면서 배우고, 배우면서 즐기는" 연극이 그의 서사극인 것이다.
그때 관객은 "아! 지금 내가 영화를 보고 있구나!" 라고 놀라면서 영화에 몰입에서 깨어난다. 이것이 브레히트적 소외효과(소격효과)다. 즉 소외효과란 잘 연기하던 배우가 갑자기 카메라를 쳐다보고 관객에게 말을 거는 것과 같은 걸 말한다.

57. 베어울프(Beowulf, 2007)

감독: 로버트 제멕키스(Robert Zemeckis)

자식이 웬수다

자식이 웬수라는 말이 있다. 이 영화를 본 후에 문득 그런 생각이 들었다.
물론 영화에서는 507 A.D. 덴마크의 왕 King Hrothgar (Anthony Hopkins)가 마녀와 욕정을 나눔으로 난 자식이 아주 흉직한 괴물였고, 그 뒤를 계승한 베어 울프 Beowulf (Ray Winstone) 또한 그 마녀와의 같은 실수로 난 아들은 흉악한 괴물 용 이었지만...
형체만 괴물일 뿐.. 오늘날 일부 배은망덕 자식들은 부모의 명예를 실추시키고, 부모의 마음을 찢어 놓는 것을 보면 얼굴만 사람이지 영화에서의 괴물의 모습과 다를 바 없다.
심지어 자식과 아버지가 권력 때문에 서로 죽이고 죽이는 역사 사건도 있다.
성경에서 다윗 왕과 그의 아들 압살롬의 역사는 우리를 섬뜩하게 한다. 다윗이 수하 장수 우리아의 아내 밧세바를 범한 후, 우리아는 전쟁터에서 전사하고 나단 선지자가 다윗을 방문한다. 나단은 이 나라에 억울한 일을 당한 사람이 있다며 말을 꺼낸다. 이웃에 나란히 사는 한 부자와 한 가난한 사람이 있는데, 부자는 양과 소가 많고, 가난한 자는 작은 암양 하나뿐이었다. 그는 그 새끼 양을 자식처럼 애지중지 키우고 있었다. 그러던 어느 날 그 부자에게 손님이 왔다. 부자는 손님 접대는 해야 하겠는데 자기 양을 잡기에 아깝고 해서, 그 이웃에 있는 가난한자의 양의 새끼를 빼앗아다가 손님 접대를 했다. 이 말을 듣고 있던 다윗이 화가 나서 그 부자를 잡아들이라고 했다. 그러자 나단이 왕에게 직고 했다.
“폐하 그 부자가 바로 당신입니다”
그제야 다윗왕은 우리아의 아내를 범한 죄책감을 느낀다. 나단선지자는 단호한 음성으로 하나님의 계시를 말해준다.
“네 처들이 백주에 다른 사람에게 동침거리가 되어 이스라엘 백성들로부터 조롱거리가 되게 할 것이다. 이 일로 인하여 당신의 낳은 아이가 정녕 죽으리다” 하고 자리를 떠난다. 그제서야 회개하는 다윗왕. 그러나 그의 가문에 닥쳐올 비극은.... 그후로 왕자들의 반란이 일어나 서로 죽이는 피의 왕국으로 변한다. 그중의 아들 압살롬이 아버지를 상대로 반역을 일으킨다. 반역을 정당화를 위해 압살롬은 온 이스라엘 무리의 눈앞에서 다윗왕의 후궁들을 강간한다. 그러나 압살롭이 반역에 실패하여 다윗의 부하에게 죽임을 당하다. 죽은 아들을 안고 울부짖는 다윗왕. 그러나 하나님은 여기에서 비극으로 끝내지 않고 다윗 왕에게 지혜와 모든 부를 소유했던 그 솔로몬 왕을 내려줌으로 비극은 막을 내린다.

물론 그와 반대로 조선 후기 숙종때 인물 김치복 선비가 있다. 경기도 용인 땅에 김치복이라는 선비가 살고 있었다. 부친이 병석에 눕게 되어 온갖 정성을 다하여 간병에 힘썼으나 백약이 무효였다. 어느 날 흰수염의 노승이 탁발을 나와 시주를 청했다. 치복의 고민스런 얼굴을 물끄러미 바라보던 노승이 말했다.
“시주님 댁에 필시 우환이 있는 듯 하오만....”
노승은 예언가처럼 치복의 사정을 다 맞춘 후, 염주 알을 굴리며 천천히 입을 열었다.
“병환을 고칠 수 있는 비방이 딱 한 가지 있기는 하오나...”
치복이 노승의 붙잡으며 비방을 가르쳐 달라고 간곡히 빌었다. 노승에게서 비방을 들은 치복은 그 내용이 너무도 끔찍해서 입 밖에 내지도 못하고 속앓이를 하는 동안 부친의 병환은 날로 악화되었다. 이를 눈치 챈 부인이 연유를 캐묻자 치복은 한참을 망설이다 마지못해...
“열다섯살 먹은 동자의 머리를 구해 삶아 드려야 낫는다고 하니...”
“자식은 다시 얻을 수 있지만 부모는 한 번 가시면 영원히 모시지 못하는 법. 그렇다고 남의 집 자식을 죽일 수는 없으니... 마침 큰 애가 열다섯살이 됐으니 그 애를 죽여서라도 아버님 환우를 구하십시다.”
눈물로 밤을 지새운 치복 내외는 다음날 아침 아들에게 하얀 쌀밥을 먹이고, 깨끗한 옷을 입혀 서당에 보냈다.
치 복은 서당에서 돌아온 아들을 서낭당 고개로 데리고 내려가 죽인 후, 목을 잘라 보자기에 싸가지고 집으로 돌아와 부인에게 건네주었다. 사랑하는 아들의 머리인 것을 아는 부인은 차마 보자기를 펴보지 못하고 보자기채 솥에 넣고 장작에 불을 지폈다. 한편 서당훈장의 비몽사몽간에 흰수염의 노승이 나타나서 치복의 아들을 집에 절대 돌려보내지 말고 내일 그 부모가 오거든 보내라고 신신당부하는 것이었다. 치복은 그런 줄도 모르고 아들의 머리를 삶아서 그 국물을 떠다 부친에게 드리고 난 후, 자식의 시신이라도 거두어 묻어줄 요량으로 부부가 함께 삽·곡괭이를 준비해 갖고 서낭당 고개 계곡으로 내려갔다.
그러나 시체가 눈에 띄질 않았다. 산짐승에 물어간 흔적도 없었다.
두 내외는 계곡 언저리를 헤매다 결국 아이가 다니는 서당까지 가게 되었다. 그때 서당 사립이 열리면서 아들이 뛰쳐나왔다. 분명 죽은 줄로 알고 있던 아들이 살아있으니... 아들을 꼭 끌어안고 목 놓아 울었다. 치복 일가의 상봉을 지켜보던 훈장은 아들을 보내지 못한 자초지정을 얘기했다.
“그렇다면 어제 죽인 아이는 누구란 말인가?”
혼란에 빠진 치복 내외는 집으로 달려와 솥뚜껑을 열었다. 보자기를 펼치니 산삼 하나가 삶아져 있는 것이었다.
그리고 몇 년 동안 병석에 누워 있던 부친이 병에서 완쾌됐다. 이 이야기는 실존했던 한 효자의 ‘효행기’ 로 용인 사람들은 산신령이 치복의 효성에 감동하여 동삼을 아들의 모습으로 변하게 하여 효심을 시험한 것이라고 입에 침이 마르도록 칭송을 아끼지 않았으며, 이 소문이 원근에 널리 퍼져 나가자 향교에서 효천장을 올려 순조 임금이 신미년(1811년)에 정려문을 하사하여 불세출의 효행을 기렸다고 전한다.

58. 마치 오브 더 펭귄(March of the Penguins, 2005)

감독: Luc Jacquet

하늘을 나는 펭귄

미국의 진화학자 조지 게일로드 심슨의 학설에서 펭귄은 하늘을 날아다니던 새가 바다에 적응하면서 하늘을 포기하고 바다를 선택했다고 한다.

펭 귄은 지구상의 그 어떤 동물보다도 환경개척자이며 창조적인 동물이다. 펭귄은 하늘에서 먹잇감을 구하기가 어려워지자, 새로운 먹잇감을 찾아서 바다로 진출하기에 이르렀다. 바다 속에 먹잇감이 풍부하다는 사실을 알게 되자, 하늘을 포기하고 바다를 선택했다.

새가 바다에서 생존하는 것은 힘든 도전이었으나, 불가능을 현실로 바꿔갔다.

몸도 바다 생활에 적응하도록 변해져 갔으며, 등은 하늘의 포식자로부터 공격을 피하기 위해 바다색깔과 비슷한 검은색, 배는 물속 포식자로부터 공격을 피하기 위해 흰색으로 바뀌었다.

수중생활을 위해 잠수 시간도 점점 늘어갔다.

펭귄은 평균 시속 8-16 킬로미터로 헤엄치며 수영선수 보다도 빠르다. 급하면 40 킬로미터까지 가능하다.

황 제 펭귄은 육지에 모여서 교미를 하고 알을 낳는다. 남극의 추운날씨로부터 보호하기 위하여 알을 발등에 올려놓고 주름진 아랫배로 품는다. 암컷이 먹이를 구하러 가면 수컷이 대신 품는데, 암컷이 먹이 사냥을 마치고 돌아올 때까지 3-4개월 동안 아무것도 먹지 못한다. 35-40 킬로그램인 수컷 펭귄 체중은 이 기간 동안 반으로 줄어들기도 한다.

그 멀고 험한 장거리 여행을 떠나는 펭귄의 행진, 짧은 발들, 뛰뚱 뛰뚱...

보기엔 귀엽고 우습지만 그 속에 무한한 삶의 경이가 담겨있다.

찰스 다윈은 ‘끝까지 생존하는 종은 강하고 두뇌가 좋은 종이 아니라 변화에 잘 대처하는 종’이라고 했다.

펭귄의 놀라운 선택과 변화에 적응은 그 어떤 동물보다 번영을 누리고 있다. 깃털은 기름지게 변했고, 종은 날이 갈수록 번식하고 있다.

폐장 직전에 있던 일본 아사히야마 동물원을 세계 유명한 명물로 탈바꿈한 사례를 담은 ‘펭귄을 날게 하라’라는 책이 있다.

동물 사육사 신조는 전망이 없어 보이는 동물원에 취직하여 시간 때우기로 허송세월만 보내다가 선배의 뜨끔한 충고로 생각이 바뀐다.

창조적인 사고로 일에 뛰어든 신조는 그의 인생뿐만 아니라 다른 사육사들까지 긍정적인 영향을 미친다.

원래 하늘에 날던 펭귄을 다시 날게 할 순 없을까? 그 발상에서부터 아이디어는 출발한다.

‘펭귄을 어떻게 하면 날게 할 수 있을까?’

결국 신조는 기발한 아이디로 그의 꿈을 실현시켜 아사히야마를 전 세계의 유명한 동물원으로 만들어 버린다.

하늘을 나는 펭귄관 오픈식 날, 제일먼저 그 관을 관람했던 손님은 일본 총리도 아닌, 보육원 장애자 어린이들이였다.

그들은 특수 유리관으로 된 수중 통로를 거닐면서 그들 머리위로 헤엄쳐 가는 펭귄을 보며, 날아가는 펭귄을 보듯이 장애 어린이들의 꿈과 희망을 펭귄과 함께 펼쳤으리라....

59. 알렉산더(Alexander, 2004)

감독: 올리버 스톤

알렉산더 대왕

필 자가 이 영화를 본 것은 2004년 LA AMC 극장. 영화 데이터베이스 imdb.com 에서는 평균 5.4, 영화 평론가 사이트 rottentomatoes.com 에서는 16%, 배우들의 오버 연기와 인물 캐릭터를 영웅보다는 너무 광적으로 표현했다는 혹평을 받았다. 예산 $155 밀리언, 첫 주 $13.7 밀리언 달러로 망한 영화지만, 그것은 단지 미국에서뿐, 해외에서는 $160 밀리언 달러, 미국만큼 혹평을 받은 것은 아니었다.

올 리버 스톤 감독이 1994년 '내츄럴 본 킬러스'를 만들 때 중독됐던 마약이 2004년 까지 덜 깼는지도 모른다. 그러나 2006년 '월드 트레이드 센터'를 만든걸 보면 이제는 완전히 마약의 검은 그림자에서 벗어 난 것 같다. 그는 필자가 존경하는 감독 중의 한사람임에는 틀림없다.

그 당시 2004년, 이 영화를 보고나서 영화에 대한 재미를 못 느꼈던 것은 사전지식이나 그 알렉산더라는 인물에 매료되지 못해서 그랬었는지도 모른다. 지금 2007년 연말 한해를 보내면서 세계 인물들을 리서치 하는 중에 알렉산더 대왕에 대해 서서히 빠져들기 시작했다. 우선 파사보즈의 Alexander The Great's Art of Strategy, 영국 BBC 다큐, History Channel, KBS HD 다큐멘터리를 보고 종합한 다음, 다시 한 번 영화 알렉산더를 보는 기회를 가졌다.

신비한 탄생

알 렉산더 대왕(BC356-BC323)은 태생에서부터 무척 신비롭다. 그 시대는 성경에서 예언한 암흑시대로서 예수님이 오시기 전까지 400년 동안 인간의 죄악으로 하나님의 계시가 사라진 상태였다. 이때 휴머니즘 즉 그리스 철학이 세상을 지배하던 시대가 되었다. 이때 세상은 이방인들의 수많은 이단 종교들이 나타났는데 특히 페르시안 종교와 유태교가 타락의 정점을 이루는 카오스(Chaos케이아스) 시대였다. 하나님이 침묵하던 그 혼탁한 시대에 알렉산더 대왕이 철학을 등에 업고 출현한 것이다. 알렉산더 대왕은 구약성경 다니엘서 8장 5-8, 21-22에 수양을 치는 뿔을 가진 수 염소로 기록이 나와 이미 구약시대부터 예언되어왔던 인물이다.

그 당시 그리스와 인접한 마케도니아는 페르시아 군대의 위협을 받아왔다. BC 480년 선왕 다리우스 (Darius) 의 뜻을 이어받은 전설적인 페르시아 왕 크세르크세스(Xerxes 젹세스)이다. 그리스 침공으로 아크로폴리스에 있는 아테네 신전 같은 조형물들을 파괴했다. 영화 ‘300’에서 온갖 보물로 치장하고 등장하는 거인 페르시아 왕이 바로 그 인물이다. 물론 영화에서는 서양인들의 저변에 동양인들에 대한 우월주의에 입각하여 페르시아 왕을 타락한 거인으로 묘사한 부분이 없지 않다. 스파르타 인들은 모두 멋진 근육질의 전사들인 반면에 페르시아 인들은 모두 야만인, 특히 괴물처럼 생긴 기형아들로 묘사되어있다. 물론 그 이론이 전혀 틀리다고 볼 수는 없을 것이다. 그 이유는 그 당시 광활한 대륙을 정복한 페리시아 군대는 정복지마다 새 군대들을 영입하였는데 그중에서는 거인 족(성경에서 얘기하는 네피림 족속들)들도 있었고, 오늘날 최 홍만 선수나 영화 ‘옹박' 2편 '탐양궁(Tom Yum Goong, 2005)' 에서 마지막 장면에서 주인공 토니 자와 대결하는 세 거인 배우들, 그런 거구들이 있듯이 그 당시에 충분히 존재 했으리라고 보나, 괴물형태의 너무 지나친 묘사는 영화의 현실성을 떨어뜨리고, 특히 이슬람 권 국가들의 관객들에게 등을 돌리는 결과를 낳았다.

역사와 예술은 누구의 손에 따라 쓰느냐에 따라 바뀐다. 중동 페리시아 영화 ‘늑대의 계곡 이라크(Valley of the Wolves-Iraq, 2006) 즉 이슬람권 영화라고 보면 된다. 터키 영화치곤 블록버스터 10 밀리언(100억)을 들인 영화로 터키에서 대박을 터뜨렸고 반미, 반 유럽, 반기독교, 반 유태인 영화로, 할리우드 배우 빌리 제인과 개리 뷰시가 출연해 욕을 먹기도 했다. 그 이유로 독일에선 메이저 극장 체인에서 영화를 금지 하는 일로 논쟁을 일으킨 것이 오히려 아트 하우스에서 장기 상영으로 흥행에 성공했다. 미국 상영은 금지 되었고 샌프란시스코 무슬림 영화제에서만 상영되었다.

페 르시아 제국에 대한 복수는 알렉산더의 선왕 필립포스로부터 온다. 그는 그리스를 통합시키고 다리우스 왕에게 복수준비를 하는 과정에 있었으나 46세에 암살을 당한다. 역사 기록에는 그의 암살에 누가 연루되었는지 정확한 기록이 없으나, 영화에서는 어머니 올림피아스가 암살을 모반한 것으로 표현되어 알렉산더와 멀어지게 되며 어머니와 아들의 갈등을 그려냈다.

알 렉산더는 20살에 왕이 된다. 아리스토텔레스(Aristotle)에게 배운 위대한 철학과 다양한 학문, 아버지 필립 포스로부터 배운 전사로서의 육감과 정복욕, 어머니 올림피아스 에게서 물려받은 신화의 열정, 이 모든 것이 합쳐져 위대한 알렉산더 대왕이 탄생했다.

아 리스토텔레스의 교육법은 하버드 법대와 경영대에 영향을 미친다. 문답법과 중용. 생각이 틀릴 수도 있다는 것을 잊지 말자. 최고가 되려면 의사결정 능력을 키워라. 이론보다 실전위주의 전략교육을 시켰고, 그것은 미군 베닝 캠프에 영향을 미치고, 거기에서 훈련받은 출신들은 아이젠하워 연합군의 총사령관, 조지 패튼 장군 등 2차 대전 영웅들이다.

알렉산더는 다른 영웅과는 다른 점이 있었다. 여자에 별로 관심이 없었다. 여자와 하룻밤을 지내는 것보다 군사들과 적을 무찌르는 전략을 짜는 일에 더 흥분되었다.

청소년 시기에 걱정되었던 아버지가 심지어 창녀를 데려다가 성교육을 시키려고 했다는 일화도 있다. 그래서 일부 역사학자들은 그가 동성연애자였다고도 보고 있는 것이다.

정복에서 통일로

알 렉산더 대왕이 13년 동안 3만 Km 원정했으며 도시건설 70개가 넘었다. 그 도시 이름들을 알렉산드리아로 지었으나, 모두 없어지고 현재까지 남아있는 유일한 도시는 이집트의 알렉산드리아다. 알렉산드리아는 헬레니즘 시대의 문화 경제의 중심지. 정치, 종교적으로 유명한 도시였다. 안토니우스와 클레오파트라가 이 도시를 세계제국의 중심으로 만들려고 했으나, BC 31년의 악티움 해전과 BC 30년의 프롤레마이오스 왕국의 멸망으로 수포로 돌아갔다. 로마 제정기에는 다시 번영하였으나, 이 무렵부터 유대인의 식민지가 된 느낌을 가졌으며, 그리스도교도 전파되어 종교적 분쟁의 거리로 화하였다.

이 영화에서는 알렉산드리아 도시에서, 알렉산더의 친구이자 부하 장군이었으며 알렉산더가 죽은 후 이집트의 왕이 되는 프톨레마이오스의 내레이션으로 시작한다. 영화 ‘300’에서 킹 리오니다스(King Leonidas)의 부하 딜리오스(Dilios)를 통해 내레이션으로 시작되는 비슷한 방식을 쓰고 있다. 즉 제 3자의 관점이다. 영화가 프톨레마이오스의 관점으로 선택된 이유는 무엇일까. 유일하게 프톨레마이오스가 알렉산더의 업적을 이루었다. 프톨레마이오스 왕조의 황제들은 알렉산더의 꿈이었던 도서관을 50만 권이 넘는 몇 세대에 걸쳐 건립했다. 프톨레마이오스 1세의 유클리드 현대 기하학의 뿌리는 바로 유클리드의 기하학에 서 찾을 수 있다. 그리고 율법(Torah)을 그리스어로 옮기는 작업도 했다.

첫 번째 다리우스 군대와 전투가 있었던 오늘날의 터키지방 그라니코스 강. 수적으로 25만대 4만으로 열새였지만 큰 승리를 거둔다. 알렉산더는 전쟁에 임하기 전 적군의 정보와 첩보 수집은 아리스토텔레스에게 받은 훈련으로, 한니발, 카이사르, 프리드리히 대제, 나폴레옹 같은 영웅들에게 영향을 미친다. 특히 나폴레옹은 전쟁하기 전 파리 도서관에서 정복지에 대한 공부를 철저히 했다. 그의 영향은 2천년 후 노르망디 상류작전 성공에 영향을 미친다. 바로 그들이 상륙할 토질에 대한 사전 정보입수였다. 만약 모래사장 아래의 땅이 토탄질 이었다면 탱크와 트럭을 수렁에 빠지게 할 수 있기 때문이었다. 그의 영향은 오늘날 비즈니스에도 적용되어 혼다와 월마트의 성공에 영향을 주었다.

이 영화에서는 두 번의 전쟁으로 디테일을 채운다. 다큐멘터리도 아니고, 세 시간이라는 제한된 시간동안 그 많은 전쟁을 표현할 수 없기 때문에 가장 중요한 두 전쟁으로 일축한 것 같다. 그중에서 제일 예산을 들인 전쟁이 바로 기원전 331년 실제로 벌어졌던 이수스 평원의 전투다. 그의 공격적인 리더십이 잘 나타나있는 이수스 평원의 전투를 영화에서 왜 감독이 제일 힘을 주어서 표현했는지 이해가 간다.

여 기에서 왕들의 비교를 보면 재미있다. 다리우스 황제는 영화 ‘300’에서와 같이 화려하고 멋진 장식의 마차에 타고 있었다. 얼마나 화려하게 치장했는지 멀리서도 확연하게 왕이 누군지 보였다. 왕이 후미에서 안전한 호위를 받으며 지휘하는 대신, 알렉산더 대왕은 제일 앞장서서 기마병들을 직접 지휘하며 적군들을 휘젓고 다니며 적들의 대형이 흐트러진 틈을 타서 그 틈사이로 들어가서 적 왕에게로 돌진했다. 그 힘이 얼마나 강렬한지 겁먹은 다리우스는 세 번이나 도망친다. 그가 제일 앞장서서 용감하게 지휘하는 모습은 부하들에게 용기를 주기에 충분했다. 칭기즈칸 다음으로 땅을 많이 정복한 알렉산더의 기마 부대는 칭기즈칸의 기마부대처럼 강력했다.

흥미롭게도 스포츠 세계에서도 알렉산더의 대왕의 무적의 비결은 뉴욕 양키스와 골퍼 타이거 우즈가 바로 그들이다.

전 쟁을 하기 전 사기를 올리기 위해 중요한 것은 선포이다. 바로 명연설이다. 페르시아의 전쟁을 트로이의 전쟁이라고 격상하며 선포한 알렉산더의 연설은 부하들의 사기를 북돋았다. 링컨이 게티즈버그에서 남북전쟁에 관한 명연설도 이와 마찬가지이다. 그런 연설의 중요성을 잘 이용한 히틀러의 측근 괴벨스가 유명하다. 1928년 국회의원, 1929년 당 선전부장으로서, 새로운 선전수단을 구사하고 교묘한 선동정치를 하여, 1930년대 당세 확장에 크게 기여하였다. 독일 영화 ‘몰락(The Downfall, Germany, 2004)'에 출연한다. 그 외에도 세기를 바꾼 명연설자는 마틴 루터 킹, 처칠, 로널드 레이건, 스탈린, 루즈벨트 등이 있다.

고르디우스의 매듭에 대한 일화는 그는 고정관념을 깨는 지도자였다. 모두 매듭을 어떻게 풀어야 할지 고정관념에 사로 잡혀있을 때 그는 칼로 매듭을 쳐내어 풀어버린다.

그런 고정관념을 탈피한 사상은 1차 세계대전 중 캄브라이에서 탱크를 처음 사용한 것이나, 2차 세계대전 중 타란토에서 항공모함을 처음 사용한 것과 비슷하다.

그의 신뢰하는 리더십, 격려하는 리더십, 친화적인 리더십은 후세에 영향을 미친다.

나 폴레옹은 군사들과 친화하는 놀라운 재주가 있었다. ‘꼬마’라는 별명의 유래, 오스트리아 군대와 전쟁을 하며 그들보다 빨리 대포를 장전해야 했는데 그때 나폴레옹은 손수 폭탄들을 나르고 장전했는데, 작은 체구의 그 모습이 꼬마처럼 보였다는 데서 유래되었다.

친 화적 긍정적, 유머는 2차 대전을 정 반대로 결론을 낸 상대적 인물들 처칠과 히틀러를 비교해 보면 알 수 있다. 처칠은 부하들을 대할 때 마다 긍정적이고, 밝고, 유머를 쓰며 부하들의 사기를 키운 반면, 히틀러는 부하들을 대할 때 부정적이고 잔인하게 대했다. 2차 세계대전 독일이 열세에 몰리기 시작하자 히틀러의 광적이고 부하들을 무시하는 잔인함은 부하들에게 반감을 일으키기 시작했다. 그 결과 일부 고위급 장교들이 히틀러의 암살 계획을 세운다. 그 영화가 '발키리(Valkyrie, 2008)’ 다.

알렉산더 대왕은 부하에 대한 각별한 사랑도 있다. 다리우스를 잡을 만한 기회가 왔음에도 불구하고 위험에 처해있는 부하들을 도우러 간 알렉산더 대왕. 그 후로 다리우스는 계속 추격당하다가 결국 그의 부하 베수스의 배반에 죽는다.

전 쟁을 하기 전 신념, 승리를 꼭 한다는 확신. 그러한 신념으로 승리를 이끈 전쟁은 계시나, 물건 같은 실체를 통해서도 그 힘을 빌려 전쟁에 승리한다. 알렉산더는 신전 델포이에서 신의 아들이라는 말을 듣고, 그의 불멸을 믿는다. 그런 그에게 실패란 있을 수 없고 전진, 정복만 있을 뿐이다. 콘스탄티누스 황제가 로마를 통일할 때, 다리를 건너기전에 하늘의 계시를 받았다고 한다. 십자가의 형상을 보았고 승리를 주면 기독교를 받아들이겠다고 다짐한다. 그리고 그는 룽기누스 창을 가지고 있었다. 예수를 찌른 룽기누스의 창은 샤를 마뉴, 기독교가 위기에 처했을 때, 그 창을 들고 전쟁에 나갈 때마다 승리했으며, 오토 대제 역시 이방인들의 침략에 위기의 그 창을 들고 승리하여 기독교를 구했다.

가 우가멜라 전투. 알렉산더는 부하들이 야간에 침입하자라는 말을 반대, 비겁하게 승리를 얻기 싫다며 주간에 정정당당히 싸우고 싶다고 했다. 알렉산더는 직접 적군의 동태를 살폈다. 알렉산더를 본받은 나폴레옹이나 웰링턴 같은 위대한 장군들도 직접 봐야 직성이 풀렸다. 나폴레옹은 ‘다른 사람을 통해 본 지휘관은 자신의 의도대로 군대들을 지휘할 수 없다’라고 했다.

알 렉산더는 어렵게 힌두쿠시 산맥 통과한다. 유럽의 영웅들은 산맥을 넘어 승리를 이끌었다. 1799 제정 러시아 장군 수보로프(Suvorov)는 1800년 나폴레옹 전에 마리타임 알프스(Maritime Alps)를 넘었다. 알프스 산을 넘어 오스트리아군을 무찌른 나폴레옹은 전쟁보다 어려운 산을 넘으며 ‘내 사전엔 불가능이 없다’라는 유명한 말을 남겼다. 샤를마뉴(Charlemagne) 대제도 또한 알프스 산을 넘어 교황을 공격하는 람바즈 군대를 몰아냈다. 한니발 장군은 로마를 정복하기 위해 프랑스를 점령한 후 군사 10만 명과 코끼리 37마리를 거느리고 악마가 사는 산이라 아무도 가지 않는다고 하는 알프스 고개를 넘어 로마를 공격했다. 이때 피레네 산맥 기슭에 도달 하는 데만 4개월이 걸렸고 추위와 굶주림에 지쳐 도망친 병사가 5만 명이나 되었다. 과감한 한니발 장군의 기세에 당황한 로마군들은 8만여 명의 병사를 보내었으나 한니발 장군특유의 지략에 비참하게 패배하고 만다. 그 외에 고선지 장군. 영국의 오렐 스타인은 고선지 장군의 업적에 대해서 '알프스를 넘은 한니발이나 나폴레옹보다, 파미르 고원과 힌두쿠시를 돌파한 고선지가 더 위대하다'라고 말했다.
히 다스페스 전투에서 알렉산더와 인도의 포루스 왕과 전투의 영향을 받아 나폴레옹이 가장 가까운 전술을 구사했다. 그 외 율리우스 카이사르, 한니발, 스키피오, 말버러, 프리드리히 대제, 웰링턴 장군들이 영향을 받았다. 바로 속임수 전략이다. 알렉산더는 강의 폭이 제일 넓은 반대편에서 잔치를 하며 속임수를 썼다. 즉 적군이 그 방향으로 강을 건너 공격할 거란 예상을 하게 만들기 위함이었다. 예상대로 적군은 그 쪽 방향으로 군대를 배치했고 그 틈을 이용해 알렉산더의 기마부대는 강폭이 제일 좁은 폭으로 건너서 포루스 군대를 정복하는데 성공한다. 그런 전술은 칭기즈칸이 금나라 수도 중도(지금의 베이징)성을 공략하기 전 2개월 동안 공격을 늦추며 밖에서 잔치와 파티만 하고 시간을 끄는 작전과 흡사하다. 6, 25때 인천 상륙 작전의 시선을 다른 곳으로 돌리기 위해 원산폭격이 감행되었다. 군대에서 머리박고 기압을 받는 원산폭격이 거기서부터 유래되었다. 2차 대전 노르망디 작전을 빌미로 주의를 딴 데로 돌리기 위한 속임수로, 프랑스 파드갈테 지역을 이용한 오버로드 작전(Operation Overlord)과 노르웨이 공격을 한 포티튜드 작전(Operation Fortitude)을 이용해 독일군들은 연합군이 그쪽으로 공격해 올 것이라고 믿었다. 알렉산더가 이용한 그 속임수 전략은 동양에서는 150년 앞서서 이미 ‘손자병법’에 나와 있다.

영 화에서 인도의 코끼리 부대와의 전투씬이 바로 오늘날 파키스탄 지방, 포루스 왕의 군대들이다. 영화에서는 코리들 부대 때문에 전쟁에서 패한 것으로 보이나 사실은 그 전쟁에서도 승리했다. 그리고 인도의 마지막 전투 물탄의 성벽에서 이루어진다.

영 화에서는 마지막 전투를 코끼리와 대결하는 장면에서 화살을 맞는 걸로 압축시킨 이유는 아마 액션의 드라마틱한 강조를 위해서 그런 것 같다. 사실은 마지막 전투는 인도의 물탄 성벽 전투다. 알렉산더는 그 성벽에 오르다가 가슴에 화살을 맞는다. 포루스 왕과 전투를 하며 많은 희생을 당했음에도 불구하고 정복 후에도 그의 용감성에 대해 용서를 해주고 더 큰 포상을 해 준 것은 오늘날 넬슨 만델라 대통령과 흡사하다. 예전의 적들과 자신을 체포하고 27년 동안 투옥, 채석장에서 돌을 캐었음에도 불구하고 그들을 화해와 휴머니즘의 덕목을 표현한 사람은 드물다.

인도 물탄 공격에서 화살을 맞음으로 일단 정복은 뒤로 미루고 귀환이 시작된다.

그 당시 밀림의 대한 무지는 영화에서 원숭이들을 적으로 알고 공격했던 일에서 볼 수 있다. 그리고 동서양을 정복한 알렉산더 대왕도 그 당시 지구가 둥근 것을 몰랐다.

얼마나 황당했을까. 인도의 갠지스 강이 지구의 끝인 줄 알고 13년 동안 인도까지 왔는데, 드높은 산위에서 내려다보니 더 넓은 인도 땅, 광활한 대지가 보였을 때....

영웅의 업적과 실수

알 렉산더가 정복하기 전까지 이집트는 페르시아 다리우스 3세가 다스리던 시대였다. 다리우스는 이집트를 정복한 후에 파라오 신을 인정하지 않았다. 물론 강압에 의해 파라오가 된다. 그 이유 때문에 이집트인들은 알렉산더 대왕이 이집트를 정복했을 때 그들의 종교를 인정해준 알렉산더를 대환영한다. 다리우스 다음으로 두 번째 파라오가 된 알렉산더 역시 아직까지 조각 유적이 남아있다.

알 렉산더는 이집트를 정복한 후에 페르시아의 정복이 이집트인들을 약탈만 한 것이 아니라 그들 생활에 많은 혜택을 부여했던 점들을 알고 그들의 업적을 존경한다. 대표적인 예가 사막으로 인해 농경생활에 필요한 물을 댔던 지하 관개시설이다. 기하학, 천문학, 건축학, 수하 학에 뛰어났던 페르시아 인들이 나일 강에서부터 지하로 물을 끌어오는 Cannel를 만들어냈다. 그 흔적은 아직까지 남아있고, 일부는 아직까지 그 혜택을 받고 있다.

다리우스를 정벌한 알렉산더는 이란에 있는 BC 330년 페르세폴리스 궁전 거대한 궁전에 입성한다. 만 명이 왕을 알현하는 대 정전을 비롯하여 거대한 보물창고 등등...

한 다큐에서는 그 궁전을 불태운 이유가 페리시아의 상징을 멸하기 위해, 페르시아인 들에게 새로운 지배자로서 인정 받기위해 거대한 문화유산을 불태웠다고 한다. 그러나 히스토리 채널에서는 알렉산더가 술에 취해 창녀의 말을 듣고 궁전을 태웠다고 한다. 실수 중의 실수였다. 술이 깬 후 알렉산더는 후회를 했다고 한다.

정복이 길어지면서 지친 부하들은 고향에 돌아가고 싶어 한다. 여 기서부터 조금씩 부하들과의 균열이 생기면서 알렉산더 대제의 세계 정복의 꿈도 조금씩 멀어지고 있었다. 그래서 정복을 굽히지 않는 알렉산더와 서서히 갈등이 생기기 시작했다. 게다가 페르시아 정복지마다 지도자들을 페리시아 출신들에게 나누어주는 알렉산더의 정책에 불만을 품었다. 그리고 페르시아 문화에 동화되어가는 알렉산더는 박트리안/페르시안 록사나(Roxana) 이방인과 결혼했으며 부하들에게 이방인과의 결혼을 장려했다. 페르시아 복장을 입고 그 문화에 흠뻑 젖어가는 알렉산더를 보고 부하들은 눈살을 찌푸렸다. 부하들의 눈에는 더 이상의 카리스마가 넘치는 자신들의 왕 알렉산더 대제로 보이지 않고 있었다. 그런 모습을 보고 친구이자 부하 클레이토스는 알렉산더의 페리시아 문화를 받아들임을 비난했다. 화가 난 알렉산더는 클레이토스를 창으로 찔러 죽인다. 그는 그라니코스 전투에서 대왕의 목숨을 구해준 인물이었다. 그를 죽이고 나서 3일 동안 텐트 속에 들어가서 나오지 않고 후회했다.

알 렉산더의 약탈자적 리더십에서 테베, 가자, 티루스, 물탄 등의 지역에서 수천 명의 무고한 민간인들을 학살한 사건은 훌륭한 리더인가 야만적인 킬러인가 역사가들의 양극단의 입장에 있다. 마지막 전투 인도의 물탄 성벽 가슴에 화살을 맞은 알렉산더. 결국 부하들은 그 이유로 그 성을 정복 후 무참한 살육을 감행했다. 민간인에 대한 부당한 살해와 약탈은 전쟁사중의 명확한 해답이 없는 난해로 남아있다. 칭기즈칸은 정복 후 약탈과 그 적 왕의 후궁들과 동침에서 정복의 쾌감을 느낀다고 했고, 중국 금나라 성을 함락 후 2달 동안 부하들에게 약탈을 하게 놔 누었다. 여자 집단 강간은 일제 강점기 정신대 문제로 아직까지 국제적으로 일본인들의 이미지에 먹칠을 하고 있다. 민간인들 교통수단 창고 등 파괴가 ‘전략적 전투’ 라는 개념으로 합법적인 이론을 정립하게 된 것은 남북전쟁 당시 북군의 윌리엄 셔먼 장군에 의해서다. 민간인들을 포함하여 자의든 타의든 전쟁의 작용요소로 참여했다는 것이다. 특히 식량, 교통 통신 수단은 전쟁에서 중요한 요소이기 때문이다. 또는 민간인 학살은 전쟁 억제의 목적을 수행하기 위해서도 일어난다. 대표적인 것이 히로시마와 나가사키의 원폭투하이다.

알렉산더의 훌륭한 업적은 헬레이즘 문화 즉, 동 서 문화의 융합에 있다. 그중 아프가니스탄 아이하눔 도시에 유적의 흔적이 있다. 지금은 그 지역이 군사거점으로 내전과 1979년 12월 소련 침공으로 탈레반과의 내전으로 그리스 유적 발굴이 중단된 상태이며, 도굴 흔적 뿐, 구덩이 구멍들만 만 볼 수 있다. 끝없는 전란 속에서 자취를 감추었다. 2,200년 전 그곳은 역시 군사거점일 뿐만 아니라, 궁전, 광장, 그리스 원형극장, 학교, 신전, 비문, 휴식장소, 샘터 등, 조각상중 에 헤르메스 지혜의 신도 발견되었다. 6천명의 그리스인이 정착한 흔적이 있다. 건축양식을 보면 그리스와 페르시아 아시아 양식을 합친 양식을 볼 수 있다.

신 상을 보더라도 제우스 신상에 서양의 태양의 신과 동양의 미트라 신을 합친 신상을 만들었으며, 그 신상을 보고 보는 이마다 하나의 신상이지만 각각 섬기는 것은 다른 신을 섬길 거라 추측된다. 그걸 보더라도 그 지역을 지배했던 그리스인들은 아시아 종교를 받아들였다는 증거다. 현재 시장에 나도는 도굴 품을 보더라도 다양한 인종들이 교역하며 살았던 150년 동안 번영의 도시였다.

알렉산더의 정복지를 발자취를 따르는 다큐 프로에서 보면, 현재 아직도 들 르는 지역마다 2천 3백년이 지났음에도 불구하고, 자기들의 침략자, 정복자임에도 불구하고 알렉산더 대왕의 행적은 전설로 남아있고, 모두 그 마을의 전설로 남아 영웅으로 회자되어 내려온다. 인형극으로 만들어져 공연하는 곳도 있다. 그런 관대함으로 아시아인들에게 받아들였기 때문에 번영을 이룬 것이다. 그에 비하면 일본 침략군들과는 완전 대조를 이룬다. 우리문화 얼을 말살하려고 요지마다 말뚝을 박은 일, 중국인 동남아인들도 지금까지 일본인들의 야만성에 증오를 가지고 있다.

미스터리 죽음

시대에 너무 이른 생각은 그 당시 보통 사람들과의 갈등을 야기했다. 그의 뜻을 이해 못하는, 자기문화만을 최고라고 욕심을 부리며, 배타적인 무지한 부하들과의 갈등은, 유태인들이 예수를 죽인 이유와 비슷하다.

알렉산더의 죽음은 미스터리로 여러 가지 학설이 있다. 말라리아, 장티푸스, 뇌염, 과음, 열병, 마지막 전투에서 맞은 독화살 후유증에 의한 사망. 절친한 친구의 사망에서 온 좌절감에 의한 죽음 등등...

화 살에 대한 예를 보면, 영화에선 포루스 왕과 전투, 밀림 속 코끼리부대와의 전쟁에서 화살을 맞은 걸로 되어있으나, 사실은 물탄 성벽을 침공할 때 알렉산더는 사다리를 타고 혼자 성벽에 올라갔다. 그때 날아오는 화살은 알렉산더의 가슴에 명중한다. 그거 보고 대왕을 구하기 위해 부하들이 너무 많이 사다리에 붙어 올라가는 바람에 그 사다리는 부러져 버린다. 이미 성벽에 올라가 있던 부하 한명이 화살에 맞은 알렉산더를 보호하기위해 트로이의 아킬리스의 방패로 공격해오는 인도 군들을 막으면서 사투했다.

알 렉산더는 구출되고 그 성은 함락된다. 그의 가슴에서 화살을 빼낸 알렉산더의 전문 의사들은 만약 그 화살이 독화살이었다면 알았다는 것이다. 그러나 부하들에게 묵인했을지도 모른다는 설이다. 그 화살은 폐가지 뚫고 들어왔다는 걸로 감안할 때 만약 독화살이었다면 후유증으로 죽었을 가능성도 있다는 것이다.

친구와의 관계를 보면 그에게 헤페스쳔(Hephaestion)란 인물이 있었다. 그는 알렉산더와 전쟁을 함께 해 온 부하 장군이자, 그의 보디가드, 그의 베스트 프렌드 였다.

알 렉산더는 그와 함께 모든 비밀을 공유했다. 그들의 관계가 호모섹슈얼(Homosexual) 이었다는 확실한 기록은 없으나 그들의 우정은 호모의 일리아드(Iliad by Homer) 아킬리스(Achilles)와 페트로클루스(Patroclus) 와 비슷하다. 영화에서는 왕의 침실에서 그들의 밀담을 듣고 목격한 아내 록센이 ‘그를 사랑하냐’고 물었을 때 알렉산더는 ‘사랑에는 여러 종류가 있다’고 받아친다. 그가 얼마나 헤페스쳔을 사랑했는지는 그의 친구가 열병(Fever)으로 죽자 그의 처방의사를 처형했고 며칠 동안 식음을 전패하고 울었다고 전해진다. 헤페스쳔의 죽음 역시 알렉산더의 죽음에 영향을 줄 수도 있었다는 것이다.

또 하나는 꿈을 성취 못 한데서 오는 죽음이다. 즉 꿈이 없으면 죽음이다.

그 리스와 페르시안 인들의 전쟁을 없애고 동서양의 문화 융합, 평화로운 세계의 건설인 그의 꿈이 좌절에 빠지게 된 것은 부하들의 강한 반대에서 비롯되었다. 남자들의 소유욕, 우월감, 배타 인종, 문화 정복 욕망에 의해 그의 꿈이 좌절되자 마음병에 걸려 죽음에 이르렀다는 것이다.

이 영화에서의 죽음은 몇 가지를 복합해서 잘 나타나있다. 친구 헤페스쳔이 죽음 다음 씬으로 죽음을 연결 시켰고, 과음으로 쓰러지는 장면과 죽음의 언덕에서 페르시아의 상징 독수리 기장을 보며 죽는다. 그것은 곧 그의 꿈, 문화 통일에 대한 열망이었을 것이다.

독 수리는 고대 페르시아, 바빌론, 로마 왕들의 상징이었으며, 나폴레옹도 심벌로 받아들였고 독일 제 3제국 나치도 심벌로 사용했다. 독수리는 또한 태양과 연계되며 기독교의 구원과 부활을 상징한다. 부리와 다리가 없는 독수리는 한때 용감한 전사가 전쟁터에서 심각한 부상을 당해 더 이상 싸움을 못하게 됨을 상징하기도 한다.

알렉산더는 고향에도 돌아가지고 못하고, 바빌론에서 이렇게 죽고 시체는 행방불명되었다. 터키 이스탄불 박물관에 관이 있다.

불멸의 왕

알 렉산더는 대왕의 칭호는 Alexander The Great 로 현대까지 지대한 영향을 미쳤다. 어머니 올림피아의 말대로 그가 제우스신의 아들 이였다면 예수와 비슷한 점이 몇 가지 있다. 알렉산더가 문화 통일을 위해 아시아까지 진출한 기간 20대부터 30대까지, 예수가 성경에 기록이 없는 기간과 비슷하다. 외경이나 기타 기록에 따르면 예수가 30살 되기 전까지 종교통일을 위해 아시아 여행을 했다는 것이다.

예 수는 같은 동족 유태인 때문에 죽었고, 대왕 역시 그리스인 부하들의 반대로 마음에 병으로 죽었으니 비슷한 죽음이다. 두 명 모두 33살에 죽었다. 페르시아와 그리스의 숙적 관계를 원활하게 교감시키고 융합이라는 헬레니즘 완성 역사를 만들었고 그의 정복한 길은 유라시아 교역로드의 시작이 되었으며 실크로드의 초석이 되었다.

60. 어거스트 러시(August Rush, 2007)

감독: 커스틴 쉐리던

문화 차이

할리우드 가족 음악 영화 ‘어거스트 러시’가 2007년 말 한국에서 흥행했다. 미국에서는 평단의 혹평과 함께 박스오피스 첫 주 7위에 머물렀던 영화다. 미국 영화평론 사이트 rottentomatoes.com에서 보면 36%로 너무 감동을 주려고 억지스런 플롯과 예견하는 엔딩이 평론가들에게 낮은 점수를 받은 것 같다. 그러나 미국에서의 부진한 성적에도 불구하고 한국에서는 대박 났다. 그와 비슷한 영화가 있다. ‘아이 앰 샘(I Am Sam, 2002)’

이 영화 역시 위의 사이트에서 34%로 역시 너무 억지로 감동을 주려한 손 펜의 연기의 부자연스러움을 지적했다. 미국에서는 흥행에 참패했으나 한국에서는 재미를 봤다.

필자의 경험에 의하면 한국관객과 미국관객의 사이에 공감하는 부분이 있는 반면 차이점은 분명 있다. 한국 관객은 신파성이 깃든 감정적인 것을 좋아하고, 미국 관객은 논리적인 적인 것을 좋아하는 것 같다.

2006년 필자가 샌프란시스코 홀헤드 영화제에 참석했을 때의 일이다. 필자의 영화 ‘라스트 이브’를 상영하고 나서 관객과의 대화(Q&A)시간을 가졌다. 그때 백인 남자 관객중의 하나가 엉뚱한 질문을 했다.

한국 영화나 드라마를 보면 왜 항상 남자들이 우는 장면이 나오느냐는 질문이었다.

최 근에 한국 드라마가 미국에 위치하고 있는 아시안 마켓에 유통되면서, 아시아인들은 물론 일부 미국인들도 한국 영화나 드라마를 보는 기회가 생겼다. 그리고 가끔 씩 한국 영화들이 영화제나 아트 하우스에서 상영되어 미국인들도 접하게 되었다.

어떤 인터넷 사이트에서는 ‘우는 시간에 연기에 더 열중해라’ 심지어 남자 배우들이 우는 장면을 숫자로 세며 놀리는 미국인의 블로그도 있다.

사 실 한국 문화에선 남자가 우는 것은 금지되어 왔다. 심지어 이런 말도 있다. 남자는 오직 세 번 밖에 울지 않는다. 태어날 때, 부모를 잃을 때, 나라를 잃을 때(혹은 자식을 잃을 때) 가부장 적인 문화에서 남자들은 가족에게 약한 모습을 보여주는 것은 수치였다.

울고 싶을 때 울지 못하던 우리 아버지와 윗세대들, 얼마나 감정을 누르고 스트레스를 받으며 살았는지 짐작이 간다.

현대에 오면서 유교적 사상이 서양 밀물에 밀려 문학이나 예술 분야에서 그동안 억눌렸던 것들이 쏟아져 나왔다. 즉 분출되었다.

그중의 하나가 한국 남성의 울음이다. 그동안 눌려있던 것이 예술의 표현의 자유가 허락되자 영화, 드라마 속에서 분수처럼 쏟아져 나왔다. 즉 대리만족이다.

또 다른 예는 ‘욕설’이다. 그동안 한국영화나 드라마는 5공화국 독재정권 속에서 강한 심의검열(Censorship) 때문이었다. 그러나 시간이 지나면서 표현 자율화가 되면서 영화에서 시원하게 욕이 터져 나오기 시작했다. 바로 “세상 밖으로” 한국 영화에서 부터다. 관객들이 그 영화를 보면서 그동안 억눌려 있던 것을 풀었다. 관객들은 영화에서 욕하는 장면을 보며 시원한 카타르시스를 느꼈다. 필자가 세어보지는 않았지만 욕설이 250회라 한다.

그러나 현대로 오면서 너무 오용되어 부작용을 낳는 영화들도 나타났다. 무분별 하게 쏟아졌던 깡패들에 관한 영화들이 대표적인 케이스다.

미 국영화에선 사우스 파크나 비비스와 버트헤드, 스카페이스, 펄프 픽션등에서 욕설이 많이 나온다. Youtube.com 에서 스카페이스, 펄프 픽션 욕설장면만 편집하여 올려 논 동영상을 보면 배꼽을 잡는다. 스카페이스의 알파치노, 펄프픽션의 사무엘 잭슨의 욕설은 미국 욕설 문화의 절정을 말해준다.

필자의 youtube 페이지 http://www.youtube.com/youngmankang 에서 Favorites에 위에 동영상들을 볼 수 있다.

위에서 언급한 2007년 음악에 관한 영화를 말하자면 ‘원스(Once, 2006)’ 이 영화를 빼 놓을 수 없다.

$15 만 달러 저예산으로 만든 인디 음악영화는 미국에서만 $9.5 밀리언 달러를 벌어들였다. 평론가 평점 98%. 한국에서는 적은 수의 상영관에서 장기 상영으로 20만 관객을 넘겼다. 인디 영화로서는 기적이 가까운 성공이다. 이런 영화들의 성공은 영화의 다양성을 시사해주며 관객에게 다양한 영화 장르를 접할 수 있도록 주어지는 행운이다.

61. 신과 나눈 이야기 (Conversations with God, 2006)

감독: 스테판 사이몬

신의 사랑과 연민

필 자는 2005년 친구의 소개로 LA에서 Conversations with God 책을 접했다. 그리고 곧 영화로 제작된다는 소식을 듣고 개봉날짜를 기다렸다. 왜냐면 스피리츄얼 시네마/뉴 에이지 영화들이 서서히 나오는 시점에서 또 다른 스타일의 영화, 새로운 장르를 보기 위함이었다.

이 런 유의 영화는 자칫 다큐멘터리 교육 홍보 영화에 가까울 수 있고, 엄연히 말하면 정신교육의 바탕이 깔려 있기 때문에 프로파간다 영화적 요소도 가지고 있다. 그런 이유인지 대중영화로 다양한 관객에게 접근하기 힘들다. 까다로운 영화 평론가들에게는 혹평이 쏟아지고 와이드 릴리스를 하기 힘들다. 즉 대중성이 떨어진다는 것이다. 그러나 그와 비슷한 소재로 1998년 85 밀리언 달러 독립 영화가 제작됐다. 제작예산은 스튜디오 규모다. 바로 로빈 윌리엄스가 주연한 영화 ‘천국보다 아름다운(What Dreams May Come)’이다. 이 작품에서 스테판 사이몬 감독은 제작자로 참여했다.

그 외 스피리츄얼 시네마로 스테판 감독이 연출한 인디고(Indigo, 2003) 영화를 이미 보고 그의 다음 영화를 기대하고 있던 참이었다.

2006 년 9월 컬버 시티 아가페 스피리츄얼 센터에서 열린 시사회에 참석하여 기다리던 영화를 관람했다. 물론 일반 극장은 아니었으나 새로운 경험이었다. 일반 시사회에 가면 늘 아는 영화 관계자들을 만나는데 특이한 시사회라 아는 사람들이 없었다. 그러나 아시안 배우 찰스 천을 거기서 만날 줄이야. 그는 할리우드 영화 50편 이상 출연했고 최근 니콜라스 케이지 주연 영화 ‘넥스트’에 출연했다.

시사회가 끝난 후 감독과 원작자 닐 도날드 월시(Neale Donald Walsch)의 인사말과 북 사인회가 있었다.

이 영화는 작가 닐의 실화를 배경으로 만든 저예산 인디 영화다.

중년에 교통사고로 비참한 인생을 맞게 되는 닐. 하루아침에 직장, 집, 가정을 잃고 목까지 깁스한 노숙자가 된다. 욥에게 닥친 첫 번째 시험이 시작된 것이다.

닐은 허기에 지쳐 결국 휴지통에서 남이 먹다 버린 햄버거 조각을 주워 먹으며 빵에 눈물이 젖는다. 괴테(Johann Wolfgang von Goethe)는 눈물에 젖지 않은 빵을 먹어보지 못한 자와 인생을 논하지 말라고 했다.

그는 그때부터 신의 존재에 대해 생각하며 하나님을 원망하기 시작한다. 신에게 너무나 많은 부정적인 질문을 던진다. 그의 머릿속에 그런 부정적인 질문들은 가득 차 간다.

어 느 날 갑자기 음성이 들리기 시작한다. 그동안 그가 부정적인 불만으로 가득 찼던 질문들에 대한 답이었다. 그는 그 음성과 대화를 하며 그대로 노트에 적어 책을 낸다. 그 책이 바로 베스트셀러가 됐던 Conversations with God 이다.

닐이 볼펜으로 적어 놓은 쌓여진 노트들을 돈 한푼 안받고 타이핑을 해준 여자 리오라.

그 녀는 타이핑을 하며 그 책 내용에 감동받는다. 그녀가 말하길 자기에게 주어진 값진 인생을 늘 걱정하면서 살아왔는데, 얼마나 소용없는 시간 낭비 이었던가. 이제 부터는 창조하는 데 값진 인생의 시간을 쓰겠다고 감사를 표한다. 근심과 걱정을 벋어 버리고, 변화를 만드는 삶으로 바뀐 것이다.

돈이 없어 지불을 못해 미안해하는 닐을 보고 나의 바뀐 삶에서 충분히 대가를 지불 받았다고 한다. 바로 그 둘의 관계가 신과 우리들 사이의 관계가 아닐까.

닐 의 책이 유명 출판사와 큰 계약을 마친 후 1.5 밀리언을 거머쥔다. 닐은 그 커피숍에서 계산을 하며 웨이츄레스에게 몇 백불 팁을 준다. 그 웨이츄레스는 아들을 키우며 어렵게 학교를 마치려는 학생이었다. 그녀가 엄청난 팁을 보며 놀라 ‘Oh my god’ 외치자, 닐 역시 ‘Oh my God too...’ 하며 웃으며 커피숍을 나간다.

닐 의 책은 베스트셀러가 되고, 과거 노숙자 생활을 할 때 은혜를 진 사람들한테 주려고 돈 뭉치를 가지고 그들이 머물렀던 공원에 도착하자 그곳은 이미 사라지고 없다. 그 장면을 보고 있으면 과거 도움 받았던 사람들을 생각게 한다. 나에게 도움을 주었던 분들이 누가 있었던가.

그 책을 잃고 20년간 증오했던 아버지를 용서하게 된 방송국 청소부 직원. 사실은 그가 아버지를 미워했던 것보다도 자신을 미워했던 것이었다고 깨우친다.

서점에서 출판 기념 사인회를 하는데 한 백인 중년 여자가 접근하며 신을 원망했다.

그녀에게 입양한 아들이 있었는데, 18살 때 친 부모를 찾아 주겠다고 약속했다. 그러나 그 아들은 18살 생일날 음주 운전자에게 차에 치어 세상을 떠났다고 했다.

그런 비극을 초래한 신을 원망하며, 부보도 못보고 죽은 18살짜리의 비극을 어떻게 해결 하냐고 닐에게 대답을 해 달라고 윽박지른다.

그 애기를 듣고 닐은 눈물을 흘리며 잠시 생각에 잠긴다. 그리고 닐은 그 중년에게 접근한 다음 당신의 입양아들은 당신의 약속을 위해 죽었다고 한다. 그의 친엄마가 몇 년 전에 죽었기 때문에 그 엄마를 만나는 방법은 그 길밖에 없었어요.

그 제야 하나님을 원망하던 그 여인은 입양아들의 죽음을 받아들이고 더 이상 신을 원망하지 않게 된다. 그리고 닐이 잠시 밖에 나가서 여 비서가 된 리오라와 함께 서점 안을 들여다본다. 그 광경을 보았던 관객들이 모두 그 여인에게 다가가서 포옹을 해주며 위로 해준다. 닐은 그 장면들을 보며 본인은 그런 말이 어디서 나오는지 모르겠다고 한다.

긍정적인 따뜻한 말마디가 그 여인의 인생을 바꾸게 된다. 평생 무거운 짐을 덜어주는 것이다. 바로 그것은 연민, 즉 사랑이다. 신의 축복이다.

인생이 어려울 때 버림받았다고 생각하고 느끼지 말라. 신은 항상 우리와 함께 계신다. 왜냐면 우리는 그의 아들이고 딸이고 창조물이기 때문이다. 소리가 들리며 영화는 끝난다.

New Vision of Life Magazine - 강영만 감독 인터뷰

When did you start filmaking?

I was born and raised up in Chung Cheung Province in the countryside, far away from city in South Korea.

I was studying under the candle light instead of using electricity until I went to the mid-high school, I watched my first movie at the theater when I was at the 3 rd grade in the high school. “Movie” was an unknown world to me. It was a new land to conquer.
When I was a junior, at Hong-Ik University in Seoul, I have choosen a rough road in my life…a road to the filmmaking world.

I was very focusing and I had a lot of passion for what I'd like to do so I decided to go to Hollywood. After graduating from the University, I came to the US in 1994.
I studied filmmaking at The New School in New York City. In addition to preparing myself for the filmmaking world, I worked as a TV commercial director and a storyboard artist after I moved to Los Angeles in 1996.

My feature debut, “Cupid's Mistake,” was allegedly made with an invisible budget of US $980(Guinness World Record) and had a theatrical release in Los Angeles and New York City.

What was the inspiration for producing movies?

My art background is what brought me into filmmaking. I had been drawing a lot of pictures and put my own story into the comic book since I was five years old.
When I was a junior high, I used to draw the comic book during the class instead of studying. One day my teacher took away the comic book from me, I thought it was the end of the world. Next day the teacher called me, I went to the teacher's office. I was shocked that all teachers were passing around my comic book as enjoy reading it. The teacher smiled at me, “You're going to be a great artist”

I was studying hard in the high school and finally got into the best Art School, Hong-ik University in Korea in 1986. I studied visual design, conceptual design, story boarding, creative idea development, animation, TV commercials and film at that school.

The moment that inspired me about moviemaking happened in the third year at the University. I'd watched a lot of films from America, Europe and all over the world. These filmmakers have such a profound impact on their audience. I thought I could create a different world through filmmaking where anything is possible and where I can share entire worlds of experience with my audience.

'Haitian Slave Children' received the 'Best Effort Documentary' and took the Silver Remi Award.

What is the message behind this documentary?

“Let's go Haiti!” I thought I was going to Tahiti to shoot a documentary.
But I was feeling to die, i was so much scared, when I arrived at the airport in Port-Au-Prince. I had to hide a Cannon XL-1 camera in the shopping bag because they do not allow to shoot them without their permission. Of cause they don't want to be exposed their corrupt government and poverty into the world.
I've never forgotten the face of the slave children chasing after the film crew van to beg coins. They were on bare feet and were wearing dirty rags. They're either homeless or slave children, I couldn't imagine that there are 300,000 children abandoned like that. What a crude land!
When I was interviewing amputated children, I couldn't look at their scar. How bad are people to treat innocent children in that way
Whenever I was shooting on the street, I had to hide the camera inside the bag. I made a hole in the bag for the camera lens. Danger is everywhere.
The funny thing was that I noticed I'm the only Asian guy in this island during 4days shooting at Haiti.

I shot 100% in Haiti was a challenge in my approach toward a heavily humanist subject about Haitian slave children, for which I got a Best Documentary Award at the 2001 Jamerican International Film Festival and a Silver Award at the 2002 Worldfest in Houston.

I felt that's our filmmaker's mission to expose those hidden subject into the world through media.

“The Last Eve” has won the "Best Action Feature Film Award" at the 2005 New York International Independent Film and Video Festival.

Talk us about this movie!

A martial arts champion, Bruce Khan, who used to work with Jackie Chan & Sammo Hung, suggested to me.
“Let's go to Death Valley to shoot for action demo!” That was the start to make The Last Eve.
To shoot action sequence in the desert was not that easy at all in the early summer in Death Valley. We didn't even want to know how much degree are over there?
The footage turned out to look great and we decided to make a longer version, which became a 20 minutes short film. That's the first part “Eve's Secret” of The Last Eve.
Then Bruce moved to South Korea and met a martial arts choreographer Eung Jun Lee, who had worked on an action film called “Volcano High”, which was big hit in Asia and sold to MTV.
Muay Thai master Panuvat Anthony Nanakornpanom and me went to Korea to make the second part 40 minutes “Cain & Abel” with them. We built up the underground fighting cage and we were shooting the action sequence for 2 weeks. It became the best part of The Last Eve.

I came back to Los Angeles to make the third part “Snake's Temptation”, which is 30 minutes drama.
"The Last Eve" is an epic film consists of three different short films using Adam and Eve from the Bible as motifs. The story of Eve is shown from front to back. We start in the future and ride all the way back to the loss of all innocence. Our journey through time shows us three contrasting tales (Cain & Abel, Snake's Temptation, Eve's Secret) which in their own unique way reveal the dark tragedies at the heart of all romance.

“The Last Eve” won the Best Action Feature Film at the 2005 New York Independent Film Festival, and Best Cinematography Award at the 2006 B Movie Film Festival.

Upcoming film festival is in 2006 Another Hole in the Head Film Festival in San Francisco in June.

'Soap Girl' was rated one of the '10 BEST UNSEEN FILMS OF 2002'.

Where people can be informed about your movie releases?

The story is basically a farce about hijacks at a massage parlor involving geeky male virgins, gangsters and immigrants.
The main theme of the story is Maya's evolution from an abused girlfriend to an empowered, more mature the woman, in control of her love life and her destiny.
I believe that an Asian girl can actually be a protagonist in her life and she can have adventures that inspires other people to become survivors as well.
Love and intimacy can heal the scars that accumulate in people's lives. Maya is scarred by her former boyfriend. Why does she end up working at a massage parlor? Revenge? Jealousy? A desire to become another person? That question is left to the viewer. Why does she fall in love with Harry? Perhaps for many reasons, perhaps for none at all. Love knows no logic or rationale.

Now Soap Girl DVD are available at online stores everywhere, Blockbuster, Barn & Noble, Netflix, Amazon, Yahoo shopping etc.

Can you involve us into your upcoming projects? What is your future expectations in the film industry?

My next film will be a comic martial art film “Kimchi Warrior”, an Asian Super Hero, the tale of a man who tries to defend his family tradition against Japanese and Chinese schemes to steal the secret of making Kimchi.

While I like a film to be composed of stunning sounds and pictures, I am still basically a humanist. I like to see characters put to test. In any genre of films a wide variety of interesting people can be hurled together in a way to test their spirit. Now the film becomes not just a story but an experience to live on a variety of levels.

THE LAST EVE

Give us a little background on yourself, when did you decide that filmmaking was what you wanted to do?

My art background is what brought me into filmmaking. I had been drawing a lot of pictures and comic books since I was five years old. I studied hard in high school and finally got into the best art school, Hong-ik University in Korea in 1986. I studied visual design, conceptual design, story boarding, creative idea development, animation, TV commercials and film at that school.

The moment that inspired me about moviemaking happened in my third year at the University. I'd watched a lot of films from America, Europe and all over the world. These filmmakers have such a profound impact on their audience. I thought I could create a different world through filmmaking where anything is possible and where I can share entire worlds of experience with my audience.

In 1994, I moved to New York City where I studied film at The New School. In 1996, I moved to Los Angeles and continued my film career working as a director for a television commercial production company. In addition to my fifty-plus commercial credits. Between 2000 and 2005, I made five feature films and a documentary. My feature debut, "Cupid's Mistakes," was allegedly made with an invisible budget of US$980 and had a theatrical in Los Angeles & New York City. I made two feature,"1st Testament" and "Death Valley Diary." Documentay "Hatian Slave Children," won Best Effort Documentary at 2001 Jamerican International Film Festival and Silver Remi Award at 2002 WorldFest Houston.

My fourth feature, "Soap Girl" won an audience award at the 2002 Big Bear Lake International Film Festival. "Soap Girl" released theatrically in Los Angeles, Texas and Hawaii. Then I made my fifth feature, "The Last Eve" won the best action feature film in 2005 The New York International Independent Film Festival.

Who inspired you to become a filmmaker?

Federico Fellini, Andrea Tarkovsky, Werner Herzog, Stanley Kubrick, John Casavettes, Akira Kurosawa, Alejandro Jodorowsky, etc., especially my favorites Werner Herzog, Akira Kurosawa and John Casavettes.

Tell us about your latest project "The Last Eve".

"The Last Eve" is an epic film consisting of three different short films using Adam and Eve from the Bible as motifs. The story of Eve is shown from front to back. We start in the future and ride all the way back to the loss of all innocence. Our journey through time shows us three contrasting tales (Cain & Abel, Snake's Temptation, Eve's Secret) which in their own unique way reveal the dark tragedies at the heart of all romance: I gathered three action teams from Hollywood, Hong Kong and Korea combine into the production. Muay Thai master Panuvat Anthony Nanakornpanom, martial arts champion Bruce Khan from Jackie Chan & Sammo Hung's action team and Korean martial arts choreographers Eung Jun Lee (Volcano High) and Cheul Hun Ham.

What do you think is the most important thing for a Director to bring to the set?

Filmmaking is the most collaborative of all the arts and you need to surround yourself with people who share the same vision but with the understanding that your vision is the only one that ultimately counts.

What do you think is the biggest problem with Hollywood today?

Lack of creativity, Same format/plot. Wasting money. Remakes. MTV style. TV commercial look.

What has been you're all-time favorite project to date?

Cupid's Mistake.

Any future projects in the works?

Kimchi Warrior - Comedy Martial Art Film.

Do you have any advice to aspiring independent film makers?

"Just do it." I think that the best way to learn how to make films is by making them. These days, with DV or HDV cameras and Final Cut-Pro editing systems, anyone can make films for relatively little money. To me it seems like the best way to learn is to choose a relatively straightforward and do-able project and just make films.

SOAP GIRL

iR: You are incredibly prolific. Since 2000, you have made four features and one documentary. Can you talk a little about each project, and what each means to you as a filmmaker?

As a Korean making movies in the U. S., I try to make films that combine both nations' perspectives into a new style based on bi-cultural and interracial subjects. My first feature "Cupid's Mistake" is a story about interracial dating between a Korean girl and a Japanese guy, as well as a German girl and American guy in Los Angeles, a quadrangle cross-cultural romantic comedy.

My second feature, "1st Testament: CIA Vengeance" was the first independent co-production between a Korean and an African-American [production company] in Los Angeles. "1st Testament" is about a North Korean female spy versus and an African-American CIA agent.

My third feature "Death Valley Diary" was about a confrontation and adventure with nature, a terrifying journey with a racially mixed cast and crew living out their worst fears in Death Valley.

"Haitian Slave Children" the documentary that I shot 100% in Haiti was a challenge in my approach toward a heavily humanist subject about Haitian slave children, for which I got a Best Documentary Award at the 2001 Jamerican International Film Festival and a Silver Award at the 2002 Worldfest in Houston.

My fourth feature, "Soap Girl" is a tale of love between an Asian massage girl and a virgin American poet. I think it's controversial.

iR: I was told that you made your first feature "Cupid's Mistakes" for US$980. Is that true? How did you manage to make it on such a limited budget? How did you get it distributed?

"Cupid's Mistake" broke the world's record for the lowest budget feature film of all time. The budget was $980. As you may have guessed, all of the actors in "Cupid's Mistake" are my friends. I came up with the idea that one character should pursue the other. Three days of crazy filming. No permits, guerrilla shooting, no script, [and] 100% improvised. Handheld shooting with long continuous shots made "Cupid" both cost effective and easy to edit.

In the winter of 1999 we showed "Cupid" at the "Light and Screen Film Festival" held in New York City's celebrated Siberia Bar. We were amazed at the audience's overwhelmingly positive response. Phaedra Cinema, best known for its foreign films "The Terrorist," and "La Separation" had scheduled theatrical releases "Cupid" in Los Angeles and New York.

iR: What inspired you to make "Soap Girl," your fourth and most recent feature? Why does the subject matter appeal to you? What was your vision for the film? Is it just pure entertainment or do you have a message with it? What are you trying to convey to the audience?

The story was pitched to me by the producers Tomiko Lee, Dennis Lee and writer Tony Young, [which was] asically a farce about hijacks at a massage parlor involving geeky male virgins, gangsters and immigrants.

So the story evolved away from the "Pretty Woman/Cinderella" story and into one that plays on the audience's expectations of Asian stereotypes. Maya turns out not to be an immigrant, though everyone in the beginning believes that she is. None of the massage girls are naive, innocent lambs with hearts of gold; [they] are simply trying to survive.

The main theme of the story [is] Maya's evolution from an abused girlfriend to an empowered, more mature woman, in control of her love life and her destiny. The lesson of how people can grow and change is keenly brought to life by actress Kerry Liu.

If there is a lesson here I believe it is that an Asian girl can actually be a protagonist in her own life and that she can have adventures that inspire other people to become survivors as well.

iR: Soap Girl" is essentially a love story. What kind of a love story are you trying to tell? What does the idea of "love" mean to you as a filmmaker?

Love and intimacy can heal the scars that accumulate in people's lives. Maya is scarred by her former boyfriend. Why does she end up working at a massage parlor? Revenge? Jealousy? A desire to become another person? That question is left to the viewer. Why does she fall in love with Harry? Perhaps for many reasons, [and] perhaps [for] none at all. Love knows no logic or rationale.

iR: Can you talk about the process of making "Soap Girl"? Can you also talk about self-distributing the film, and why you have chosen to self-distribute it?

Our total shooting time was twelve days. I shot with a Sony DSR 500, [later] blowing the images up to 35mm. Gilbert Yablon, the technician at Filmout Express, did wonderful job. So far our total budget including self-marketing is about $500,000.

Most distribution companies are afraid to release independent films theatrically because they believe that [the] lack of product identification will make them lose money at the box office. But they have to release independents theatrically in order to create interest for the rental. In this strange environment we decided to create interest in our own movie by taking the bold step of promoting our movie theatrically by ourselves.

iR: What is your dream project? If you can make any movie in the world, what would it be?

While I like a film to be composed of stunning sounds and pictures, I am still basically a humanist. I like to see characters put to test. In the genre of war films a wide variety of interesting people can be hurled together in a way that tests their spirit. Now the film becomes not just a story but an experience to be lived on a variety of levels.

At this time in film history, we have a huge archive of films relating to the Vietnam War. But the Korean War, almost a massive section of Asian American history, has not been told. I feel that the script "Memory of War" that I have created will tell the story of the Korean War as it happened and is experienced by the survivors to this day.

CUPID'S MISTAKE

You did something basically unheard of which is to stick to a budget - not that you really had a budget. You had an extremely shoestring budget of $980. What did $980 exactly pay for?
Young Man Kang: (Laughs) I actually paid the four actors each $100. I also needed not only the actors, but their apartments as well. The payment included everything (laughs). Between the actors and the "sets," I only dropped $400. Fortunately, I already had a camera and editing equipment.

Cupids Mistake probes the nuances of finding, keeping and losing love. Which of those three - finding, keeping or losing love - do you find the most difficult?
Young Man Kang: Everything. I focus on all three things in the movie. A lot of times many people, even me, are like, 'Oh I like her.' But in reality, she may be in love with 'him.' It's that 'she doesn't love me, but somebody else' thing. It's that Cupid is the one responsible for making the matches and sometimes, there can be mistakes. It's like real life.

FILM THREAT: Korea has a vibrant film industry, but very few Korean films are shown in the West. In your professional opinion, what is keeping Korean films out of Western theaters?
YOUNG MAN KANG: I think that the reason is the U.S. distribution system. Korean films, as with other foreign films, have a better chance to screen at art house theaters than the studio distribution line. Studio distribution companies hardly ever distribute foreign films, and when they do it is only a few films a year. In addition to this, independent distribution companies dealing with art house theaters don't have much of a budget to pay the MG (minimum guarantee) to a Korean producer due to a smaller number of theaters and audiences.
Korean producers are expecting almost the same amount of MG as major studios would pay. Many independent companies want to distribute upcoming Korean films, but they can't afford to buy them. There is a large MG aspect gap between Korean producers and U.S. indie-companies.
Even though U.S. company suggest to Korean producers a higher percent of gross instead of a MG, they would rather get a MG. They're worried about being ripped-off from the retrieve of the box office.
Secondly, Korean producers don't have direct connections with U.S. companies, so they hire middle men who has already connections in the U.S. However, these middle men (film brokers) have bad reputations in the eyes of many Korean producers.

FILM THREAT: What are the major differences between Korea and the US regarding the cinematic experience--both from the approach to film making and in how audiences react to films?
YOUNG MAN KANG: These days, Korean films develop very fast. Many young directors have studied abroad in the U.S. and Europe and then came back to Korea dedicated in their careers to filmmaking. Korean audiences used to watch Hollywood films all the time--there were no space for their own Korean films. Today, it's a different story. Korean audiences watch more Korean films than Hollywood films. For example, last year, one of the Korean film ‘Shiri' beat out the ‘Titanic' at the Korean box office.

FILM THREAT: You've directed commercials. What is your secret of creating successful commercials--telling a story and selling a product within the confines of a minute or less?
YOUNG MAN KANG: Everybody says a commercial is a commercial--that it is not art. I took this statement personally, and then tried to add an artistic vision to it, yet still based the main idea on the focus of the commercial. Usually, clients want a lot of information in 30 seconds. I have to cut down and confine all of the information into one word, action, or simplistic idea for 30 seconds.

FILM THREAT: What is the genesis of "Cupid's Mistake"? And why did you decide to allow your actors to improvise their dialogue rather than create a specific script to work from?
YOUNG MAN KANG: I knew all of my actors in this film, and would call them my friends. I then came up with an idea, that one character goes after another…A (guy), B (girl), C (guy), D (girl)-- A likes B, but B likes C, but C like D, D likes A…and in the end, nobody gets anyone. To me, that's a normal love story. I gave the actors the basic idea. I told them directions that after they are dating, then one proposes to the other. The camera follows them through the course of dating one another. That's why they look natural on film. I asked them to act natural, just like real dating. Then, in post-production, I cut and edited, and made the sequences.

FILM THREAT: Asian-Americans are virtually unseen in Hollywood films, or if they do appear they are often subjected to blatant and subconscious insults and stereotypes that other minority groups would never tolerate. "Cupid's Mistake" is refreshingly free of the Hollywood typecasting, offering Asian-Americans as characters rather than caricatures. In your opinion, why can't the Hollywood system take the same approach to Asian-American characters as indie films like yours?
YOUNG MAN KANG: There are a few Asian filmmakers in Hollywood. The more Asian filmmakers that come into the business, then the more Asian actors will be seen because they have Asian subjects to tell. With "Cupid's Mistake," I created two Asian characters, Toya & Ken, with the actors in mind--each showing their own natural personas. For example, I've shot several commercials with Toya and I know that she's really good for the part of a playful and energetic character. Also, I've known Ken to be a gentle sportsman, even though he's a muscular person. In reality, he's very quiet and genuine.

FILM THREAT: "Cupid's Mistake" marked your debut as a feature film director. What did you learn about yourself and your abilities during the creation of the film? And do you feel that you properly told your story?
YOUNG MAN KANG: First, you must start small-- not with a huge budget. I made the film that I wanted to make, with no outside pressure from executives and no pressure from stars. Also, I wanted to use actors who felt genuinely connected with this film. I wish I had a little bit of a larger budget than I did, then I could do more takes of each scene. Also, I would have liked to have spent more money in post production, specifically, editing. Some people joke with me that this film is "Young's Mistake." Even though I made mistakes in this film, I learned a lot about filmmaking. Even though there was no script, I wish I had rehearsed more with the actors. Some dialog did not flow, so it was difficult to edit. On the second part of your question: from my prior experiences, people in the world all have had the same experiences with a one-sided relationship. That's life. I tried to make a film that's not too serious, but more of a diminutive film with a little bit of humor.

FILM THREAT: A wider distribution of "Cupid's Mistake" is being hindered by the fact the film was shot on digital video and relatively few commercial venues will exhibit films which are on video. Why do you feel that exhibitors are slow in presenting new features shot on DV...and do you see their attitude changing any time in the near future?
YOUNG MAN KANG: That's the reality of it. Only a few theaters have video projectors, thus, it is extremely difficult to find a theater in which one can show their film. I need to transfer to 35mm print, but it costs at least $40, 000. It's difficult to make that amount of money back from art house distribution. That's why my film distribution company doesn't want to take the risk. Today, DV filmmaking is becoming more and more popular, and even the larger theaters have begun to set up digital projection systems. We'll see what's going to happen in the near future.

Who wrote the screenplay? How long did it take? How many drafts did he/she go through?
I wrote 'Cupid's Mistake'. There's no screenplay format. I just have a few pages written out. I thought about the story for a few months, then I wrote it out on paper in a few days. It's really a simple story. A likes B but B doesn't like A, B likes C but C likes D....It's like nobody gets anybody. Mostly the scene is dating scene A&B, B&C, C&D and D&A...

Was the screenplay strictly followed in the filming?
I just let the actors improvise, ... just like natural dating.... I asked them, "what would you do when if you guys were dating. Then the camera just followed them.

How did you finance the project?
My budget was $980. I used some funds from money made on a TV commercial I directed.

Did you story board your scenes? And if so, did you use a program or an artist or?
The funny thing is I used to be a storyboard artist. But this project is no storyboard, the camera just follows the actors.

How did you find your actors? What kind of pay if any did you offer your actors and crew?
All my friends. They're good actors. I cast them a few times on my TV commercial projects before this filming. 4 actors... Gil, Susan, Toya and Ken.... I paid them $100 each. Gil. I paid him $200, because I rented his apartment for the shooting.

Did you create a budget and did you stay on target throughout the process? What was your budget?
There were no headaches, no one involved with the budget. I did whatever I wanted for this film.

Did you shoot with DV, 16mm, 35mm, other?
DV. DV is cheaper, the camera is small. It's easier and faster to move around a location without a permit.

Did you rent, buy or borrow? Was it a one camera shoot?
Just one camera that I have. The Canon XL-1. Did you shoot wide screen?- 1: 1.31, I changed it 1: 1.81 in post-production.

How did you handle sound on the shoot?
Most of the scenes I rented pin-mike(Wireless), some scenes I used just the camera mic.

What kind of lighting did you use and how much of the indoor and outdoor scenes were lighted?
Outdoor no lighting. Indoor just 1-2 lightings . 1k

What type of obstacles did you encounter when shooting outdoors?
Background sound, especially near the ocean and street.

What were the obstacles you encountered while shooting? Any Advice?
Choose quiet locations unless you have a big budget sound package.

What kind of shots, dolly shots, crane shots, steadicam or other types did you use and what resources did you use to accomplish these?
None of them, most of the shots were handheld. The handheld shot makes the scenes appear natural.

What other equipment did you find useful on your shoot? Is there anything you wish you would of had and didn't?
I wish I had a better sound package.

How did you edit the film? What system did you use to edit?
I edited this film in Media 100. Media 100, Later I made the film widescreen through Final Cut Pro.

What were the obstacles you encountered while editing? Any Advice?
I don't have much Harddrive space. Where did you get the music for the film?
I used music from a CD my friend Oliver Lyon supplied. I gave him a Video, and I got a CD from him.

How much Foley will you end up incorporating in the editing process?
No Foley in this film.

What are the main suggestions you would give other filmmakers, based on your experiences on this film?
In planning, in post production, in scoring, in editing, in pre production, etc.- Just shoot, these days it's much easier to make film, because of DV filmmaking.

What were the obstacles you encountered while marketing it? Any Advice?
Money. In order to keep costs down, I have forgone newspaper ads and promoted my film on the internet and by word of mouth. I have also kept the movie alive on video, avoiding the costly blow up to film $40,000 - $100,000.

Have you struck a deal with any distributors?
Though Phaedra Cinema is technically the distributor, it appears that I am still footing the bill for ads and shipping costs.

Have you returned any profits from the movie as of yet?
I broke the even through the box office.

Have you tried the film festival route and if so, how is it going?
Screening at Light + Screen Film Festival in NYC (01/25/2000)Screening at Cult Movies Convention 2000(10/22/2000)Audience reaction was very positive, then FilmThreat.com interviewed me.Cult Movies Magazine reviewed this film also.